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9大家好，欢迎收听本期“不装艺术”。
奥赛展中的四张大海报
最近在网上上刷到好多关于奥赛展的笔记，大家不仅在拍照打卡，还会认真写下自己的解读，有的从作品细节出发，有的联系到艺术家的生平，甚至延伸到整个十九世纪的社会背景。看得出来，这个展览被大家读得很深、很广。所以在今天这期节目里，也是最后一期关于本次奥赛展的播客中，也想接着这个思路，从展览的四张主海报作品聊起，看看它们是怎么代表这次奥赛展的核心。从这张浦东美术馆一楼大厅的照片海报中从左到右分别是：
- 《拾穗者》让-弗朗索瓦·米勒，1857
- 《塔希提的女人》，又名《沙滩上》，保罗·高更，1891
- 《梵高在阿尔勒的卧室》，文森特·梵高，1889
- 《钢琴前的女孩》 ，奥古斯特·雷诺阿，1892
1:20 拾穗者
《拾穗者》画的是三位农村妇女，在收割过后的田地里弯腰捡麦穗。她们的动作很吃力，而画面远处，却是已经堆成小山的麦垛和马车，那些是地主的收成。眼前这三个人，只能在土地上一点点找遗漏的麦穗，这几乎就是她们辛苦生活的写照。
在19世纪的法国，这样的画题材可不是市场上最吃香的。买得起画的人，大多更喜欢宏大的历史画，或者浪漫的风景，谁愿意把农民的辛劳和贫困挂在客厅呢？但米勒偏偏把最底层的人放到了画布中央，用这种方式告诉我们：他们的劳动和尊严，同样值得被看见。
这也是为什么米勒的作品，常常被说是“给农民立传”。而在艺术史的长河里，《拾穗者》就像一个分界点。因为从这里开始，艺术的视角慢慢从“歌颂伟大”转向“关注日常”。
印象派画家虽然更沉迷光影和生活的轻盈感，但他们延续了米勒的观念：普通人和普通生活，本身就是艺术主题。再往后，梵高在法国乡间生活时，更是深受米勒启发，他还临摹过米勒的作品。《吃土豆的人》里，那种厚重却真挚的农民形象，就能看到米勒的影子。
所以今天我们再看《拾穗者》，并不是因为它是一幅重要的描绘农民的画，而是因为它标志着一个信号：艺术不再只歌颂英雄和历史，而是开始认真看待普通人的真实生活。
4:01 塔希提的女人
说到高更和塔希提，其实我很喜欢艺术科普账号“小顾聊绘画”的up主“顾爷”对他中年危机的思考。（原视频内容会放在延展推荐中）想象一下，1882年34岁的巴黎证券交易人高更在股灾后破产，辗转开始成为画家。1891 年的高更已经 43 岁了，有老婆有五个孩子，虽然在巴黎画坛已经有一定地位，但高更可能觉得还得追求自己的原创性，于是有了一次远离欧洲的机会，他就突然把家人甩在法国，自己跑去了大溪地。其实这里的中年危机我和顾爷理解不同，并不觉得是中年不得志逃跑，而是中年想得志的某种追求。不过心理活动这一点也很难跟高更本人求证了。
这幅《塔希提的女人》，就是他第一次在大溪地画的。画里有两个女人，一个穿着传统腰布，一个披着传教士的洋装。她们坐在沙滩上，不说话，不看观众，带着点神秘的忧郁。即使遥远如塔希提，现实也早已被殖民文化所改变，但在绘画中高更还是展开了自己对异域文化的浪漫想象。他还是坚持用明快的色块、装饰化的构图，把这些女性画得像象征性的存在，不是具体的肖像。有人说，他画的并不是大溪地的真实，而是他心里一种反叛现代文明的想象乌托邦。从艺术史的角度看，这幅作品很重要。他是从一种写实走向装饰主义和象征主义的过渡者，这种“合成主义”（synthetism）后来影响了野兽派、现代主义的色块表现方式。
其实提到塔希提，高更去世后30年左右，1930年代马蒂斯也去过两个月，作为他环游美国、古巴、日本、南太平洋的行程之一。和高更那种‘彻底放逐文明’不同，马蒂斯更有些寻找灵感的意思。那又是别的故事啦，希望以后有机会聊聊马蒂斯。
【延展推荐】顾爷聊高更中年危机原始视频：www.bilibili.com
8:46 梵高在阿尔勒的卧室
梵高的《卧室》成为主海报之一并不令人意外，毕竟梵高这个名字的出现就很容易成为展览C位。
这幅作品画面看似简单——一间小屋子，蓝色的墙壁，木床，桌椅，几幅画挂在墙上，窗外有一点绿。没有人物，但色彩非常强烈，黄、蓝、红撞在一起，空间有点歪歪斜斜。
如作品标题揭示的，这是梵高在阿尔勒“黄房子”里的卧室。1888年，他搬到法国南部，憧憬着在那里建立一个“艺术家共同体”。这幅画就是他对“安定生活”的一种想象和记录。在梵高动荡的一生里，卧室其实意味着一种奢侈。他经常漂泊、经济拮据，甚至住过医院。而在阿尔勒，他第一次有了一个自己布置的小屋，所以特别想把它画下来，传达出一种平静、安宁的感觉。他甚至在写给弟弟提奥的信里说，这幅画里的色彩搭配，就是为了让人看着安心、休息。
其实并不难发现画面并不是真的那么平静。空间的透视是歪的，椅子有点不稳，床也似乎倾斜，好像随时要把你“推”出来。这种不稳定感，或许传递出了这位以真诚热情闻名的艺术家的内心世界：渴望安宁，却很难得到真正的平静。而后他与高更的激烈故事我们前面也讲过。
顺便说一下，这幅画梵高其实画了三遍。第一幅创作于1888年9月刚租下房子时；第二幅稍显阴郁，相传创作于和高更爆发争吵之后，并送给了弟弟提奥；第三幅就是本次在上海展出的版本，这幅是给母亲的礼物，被妹妹保留下来了。《卧室》不仅是他自己的“精神避风港”，还是他想与家人分享的一份“安宁的幻梦”。
所以，我们今天看这幅画时，也许能感受到一种特别的反差：画家在混乱的人生中，用强烈的色彩和斜斜的空间，努力为自己造出一个心灵的栖所。
11:44 钢琴前的女孩
我们来看雷诺阿的《钢琴前的女孩》。画面里有两个小女孩，一个穿着蓝色腰带的白裙子坐在钢琴前演奏，另一个穿着粉红色连衣裙站在旁边，一起认真研究曲谱。整个场景非常温暖宁静，仿佛空气里都弥漫着钢琴声，让人一下子就能感受到家庭生活的柔和氛围。
其实，这样的场景和当时巴黎的社会背景有关系。19世纪末，中产阶级在巴黎逐渐兴起，工业革命的技术进步让钢琴也走入更多家庭。钢琴不仅是家里品味的象征，也意味着孩子受过教育、仪态得体——可以说是中产家庭的“必备单品”。
这幅画最初是一个政府订单，用于当年刚成立的卢森堡博物馆，官方希望收藏当时在世的艺术家作品，这也是印象派第一次得到官方肯定。雷诺阿这幅画也有几个版本：本次展出的是奥赛博物馆收藏的版本，另外还有纽约大都会艺术博物馆的版本，以及一些私人收藏的版本。此外，还有油画和粉彩素描散落在不同地方，展示了雷诺阿对这一主题的探索。
《钢琴前的女孩》创作于1892年，当时雷诺阿已近50岁，并且患上了类风湿关节炎，但他仍然坚持描绘生活中的美好瞬间。画面里柔和的色调、细腻的笔触，以及他对女孩们神态的捕捉，都体现了雷诺阿晚期典型的印象派风格。他不仅关注光与色的变化，也关注人物的内在情感，把平凡的家庭场景变得生动而有感染力。
这幅作品不仅是雷诺阿艺术生涯的重要组成部分，也为我们提供了了解19世纪巴黎上层社会生活的窗口。它展现了那个时代人们对音乐、家庭和美好生活的追求。
从米勒的《拾穗者》，看到了农民劳动的真实和生活的沉重；
到高更的《塔希提的女人》，感受到了异域风情和色彩的自由想象；
梵高的《阿尔勒的卧室》让我们走进了他个人的小世界，看到他的情感和生活气息；
最后是雷诺阿的《钢琴前的女孩》，温暖又宁静，让看到生活的美好。
他们都从完全不同的视角出发，观察了这个世界的不同维度。希望看展的过程也能拓展我们观察世界的维度。
这是我们“解码奥赛展”系列的最后一期节目，希望大家收听愉快，未来将持续带来更多展览解读和艺术圈故事，请订阅我们频道，让我们一起“凑凑热闹，看看门道”！
