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428本期嘉宾
吕舟达 | 策展人、投资人、国家二级心理咨询师、国美客座教授
本期·介绍
荣格在《寻找灵魂的现代人》中用人生的上午与下午比喻生命阶段的转换：前半生的任务，是建立自我并进入世界，我们满足父母的期待、老师的标准、社会规训的模板；而到了人生中场之后，我们必须学习用另一套方式生活，转向内在，重新面对「意义、自性与完整性」。
但中场从不轻松，它往往伴随着某种预期中枢的改变：曾经以为30岁应该拥有的成就，到了35岁还没有抵达；曾经笃定的上升通道，在经济周期的转弯处突然变得模糊；我们手里握着的东西太多，经历、身份、人际网络、物质积累，却突然发现，它们未必能兑换成想要的那一种从容。
本期播客，我们谈论一件事：当一个人走进人生的中场，他究竟在面临什么？他能不能允许自己凡事只有七分？他又该如何重新校准自己的坐标？
步入人生中场，我们开始重新理解“安全边际”。在一级市场里，安全边际来自投资者对项目、团队、周期和退出路径的判断，“银子弹”则代表最高信任与关键押注。但真正成熟的投资判断，往往不只看能不能命中，也看能不能控制下行风险、保留调整空间，不是所有的选择都需要过会，不是所有的机会都值得All-in，不是所有的赛道都必须跑赢。人生也是如此：有些机会不必押上全部，有些选择可以慢一点；重要的是在潮起潮落里，仍然保有自己的判断力。
当投资的视角迁移至艺术展览，画廊即投行。画廊是承做承销，资产端是艺术家的作品，资金端是藏家，拍卖行是二级市场。策展人在其中扮演的角色，与投资人的尽职调查、投后管理惊人地相似，都是在不完全信息下做出判断，然后陪伴一个尚在生成之中的事物走向成熟。
回到人的内心，心理咨询处理的也常常是那些尚未成形、尚未定价、尚未被自己真正理解的部分。人生大约有三种状态：红灯的停止，绿灯的前进，以及黄灯的迷茫。在心理咨询师的诊室里，绝大多数来访者都是黄灯状态下的行人，卡在前进与停止之间：考研还是就业，维持还是分开，留下还是离开。心理咨询要做的，不是替他们选择绿灯或红灯，而是陪他们在黄灯里多待一会儿，直到他们自己的答案浮现。
本期对话的嘉宾吕舟达，恰恰是这样一位在“投资者”“策展人”“心理咨询师”三种身份之间自由切换的实践者。作为一位将完整心理咨询现场转化为艺术语言的心理装置艺术家，他的每一件作品都是对真实咨询室的空间复刻、情绪还原与疗愈重构：
在2025至2026年的装置作品系列里，《矛/锚》通过不同形态，探讨人在确定与不确定之间的精神困境；《沙盘》将三维心理投射技术转化为可感知的空间体验；《复杂性创伤后应激障碍》对年少记忆中的家庭创伤做出了视觉化的呈现；《弹射焦虑》捕捉了当代人内心深处的焦虑感；《投射》则将心理咨询中的无意识对话转化为具象的物理形态。
吕舟达，《矛/锚》，2025年
吕舟达，《弹射焦虑》，2025年
吕舟达，《人生唱片机》，2025年
吕舟达近期的策展主题多围绕精神分析的核心命题展开。对他而言，策展不是选择作品来印证一个预设的主题，而是在与艺术家的深度对话中，让尚未命名的情感强度得以发生，每一件装置，都是一次仍在进行中的疗愈过程的切片。
他的装置作品以黄色为主调，这一选择来自心理咨询现场中的情绪转移：许多诊室的来访者，都像站在人生黄灯前的人。对迷茫状态的追问，构成了他作品中最深层的疗愈属性，也让观众在观看中，重新与自己的无意识对话。
吕舟达，《复杂性创伤后应激障碍》，2025年
“心境线索·关于草的精神分析” 展览现场，李衡工作室，上海，2025年
「投资、策展、心理疗愈」，这三个看似平行的世界，在本期对话中逐渐显露出它们共通的内在逻辑。它们都是关于「在场」的实践：投资人在安全边际里「在场」，不冒无法承受的险；策展人在白盒子里「在场」，让作品与空间发生真实的相遇；心理咨询师在诊室里「在场」，如容器般容纳另一个人的全部。
「七分主义」不是懈怠，而是一种深刻的自我慈悲。当不再执着于每件事情都必须做到十分，反而为自己腾出了呼吸的空间。而人生的中场，恰恰需要这种呼吸。
从杨浦的投资课，到闵大荒的摇滚现场，再到心理诊室的黄灯时刻，嘉宾的经历最终构成了他的「自性」。
那么，哪些经历构成了你的「自性」？
但无论如何，所有那些曾经拥有的职业、身份、际遇，都在某个更深层的维度上，最终指向了同一件事：认识自己，容纳自己。
这一次，我们把投资、策展与人生规划放进一套展览叙事，从常设展厅、特展展厅，到藏家会客厅与精神藏馆，邀请你为自己梳理一套面向人生新程的策展方案。
欢迎扫描图片右下角二维码，一起走进属于你的「人生艺术展」。
内容·提要
Part1 「银子弹」的失落与「趣味」至上，在学术表达中完成自我确认
与风口擦肩未必是遗憾，也可能是刚好选择了与生活同频的节奏
数据可以衡量赛道，但深处锚定价值的还有对人的判断
以底层逻辑为刃凭热爱开路，在陌生的领域拥有复制的路径
Part2 黄灯之下：心理疗愈中的可控之锚
一幅画里藏着的危机，用温暖的方式识别
把空间留给直觉，让艺术家与观众的无意识在展厅共振
「自性」是发现不足之后依然从容生活的能力，是自我修行的「内丹」
把纠结做成装置，让不可控的部分被看见也是一种疗愈
记忆是一张可重写的U盘，痛苦可能仍在，感受却可以被慢慢修改
Part3 从「白盒子」到精神分析的场域共振
当绘画不再比拼技法，便需要有人来串联表达，策展人因此而生
塞曼之后策展以情境承载观念，借现成之物说自己的话
「在场性」的意义不在物本身，在物与地点的相遇之中
展览是话语空间，需要放下解释，交付感受
尊重是给空间，边界是选对人；个展交给艺术家，群展靠动态平衡
画廊即VC，策展即承做，最尊重ROI的策展人往往最懂生存
Part4 另类资产投资的长期主义逻辑
艺术品是百年周期的陪伴，陪伴本身就是价值
古董体量远大于当代画，具货币属性、流通性好
美育是入口，配置是路径；老钱买睡莲，新贵买对话
尾声
「有趣」贯穿始终，安全感和控制感是副产品
掌控混乱本身就是一种成就
「七分主义」是相信松弛比紧绷更能穿透事物
「人生中场」的意义是转身从回应期待转向回应自己
你可能还想知道
一、策展人起源及公共展示体制演进
14–15世纪：curator的早期含义
策展人的英文curator源于拉丁语curare，意为「照料、守护、承担责任」。这一时期的curator更接近受托照护者：堂区神父照看信众灵魂，法定监护人照看人身与财产。
16–17世纪：珍奇柜与Keeper
文艺复兴后期到巴洛克时期，欧洲贵族、宫廷和知识精英流行 Wunderkammer 珍奇柜，把化石、标本、古物、艺术品组织成一个“微缩宇宙”。此时的策展角色更接近 “Keeper”，负责收藏、编目、保管和维护；展览呈现方式则是私人化、精英化的物品集合，用来展示财富、学识、品味与权力。
17–18世纪：沙龙展与公共可见性
随着Salon沙龙展 的出现，艺术作品开始进入更广泛的公共观看空间。但展示权仍掌握在学院、官方审美和评审制度手中：什么画风合法、谁能参展、作品如何排列，都由制度筛选。此时还没有真正意义上的独立策展人，展览更多由学院、评审委员会和官方机构主导。
18世纪末：卢浮宫公共化与现代博物馆转折
法国大革命后，卢浮宫公共化成为重要节点。皇家珍宝被转化为公众可以观看、学习和讨论的文化资产。此时 curator 开始成为现代公共博物馆中的专业人员，负责藏品研究、分类、保管、陈列和教育；展览呈现方式也从私人收藏转向公共知识秩序。
19世纪：博物馆制度化与学科化陈列
现代博物馆体系逐渐成熟，curator更像藏品与研究专家，负责考古、年代、学派、修复和学术解释。展览呈现以常设陈列、编年顺序、流派分类和国家/民族叙事为主，强调把“物”放进稳定的知识系统。
20世纪上半叶：现代主义展览与机构叙事
美术馆开始更主动地参与现代艺术的建构，展览不只展示已有作品，也参与定义新的艺术方向。策展人逐渐从保管者走向解释者和组织者，但整体仍依附于机构、馆藏和艺术史框架。
1960–70年代：独立策展人与展览作为思想事件
当代艺术的非客体化实践、主题驱动的临时展、博物馆公共化压力，共同推动策展人角色发生转向。哈罗德·塞曼等人的实践，让「independent curator 独立策展人」概念出现。策展人开始主动提出命题、邀请艺术家、组织空间关系，让展览从作品陈列走向思想事件。
20世纪后期至今：双年展、城市展览与意义生产
Biennial 双年展和大型当代展览，把临时性、国际流动、城市品牌、政治议题和策展叙事制度化。策展人进一步成为意义组织者、叙事编织者和公共议题的发动者；展览呈现方式也从固定馆藏扩展到城市空间、公共项目、沉浸式装置、跨媒介现场和全球巡回展。
curator角色的历史演进，是人类对待"珍贵之物"的态度演变史：敬畏守护 → 彰显权力 → 启蒙公器 → 意义生产。它不只是一个办展览的人，更是一个文化体的受托者。
二、独立策展人的方法论、价值观和精神：从塞曼开始
哈罗德·塞曼是20世纪最关键的策展人之一，他推动“策展人”从机构中的保管者、组织者，走向更主动的「思想生产者」。
1969年，把过程艺术、贫穷艺术、反形式实践放在一起，推动展览从“作品陈列”进入“思想事件”。
1972年，以“展览制作者”的身份独立执业，让“独立策展人”成为一种被艺术史承认的职业形态。从此，“独立策展人”不再只是自由接案的职业状态，也代表一种从既定艺术史分类、机构叙事和市场安全逻辑中抽身的工作方式，为新的艺术能量争取发生空间。
方法论层面，塞曼留下的是一套后来被学院化的策展工具：
主题驱动（Thematic Curating）：用一个核心命题组织展览，而不只按年代、流派或地域排列作品。
情境特异性（Site-Specificity / Context-Responsive Practice）：让作品、空间、地点和观众关系共同生成意义，也为后来的场域型、沉浸式装置展览提供了重要基础。
展览作为话语空间（Exhibition as Discursive Space）：图录、写作、座谈和公共讨论都可以成为展览的一部分。
艺术家中心（Artist-Centered / Artist-Led Logic）：尊重艺术家的创作过程，让布展逻辑回应作品本身。
价值观层面，塞曼强调的是一种策展伦理：
反建制权威：不让展览沦为机构语法的背书，也不让策展只服务于既有秩序。
艺术家主体：尊重艺术家的创作过程，保护作品中尚未被命名、尚未被归类的部分。
智识诚实：公开策展人的框架、判断与立场，让展览成为一次清晰的思想表达。
公众在场：让观众真正进入观看、思考与对话，而不只是被动接受教育。
精神层面，塞曼留下的是冒险的内核：
他对“已经完成、已经命名、已经安全”的东西保持中性，更忠诚于那些“正在生成之物”。
这种精神是在明知有代价的情况下，仍然选择让展览冒险：不服从最安全的挂法，不服从市场已经验证的名单，也不服从所谓的学科边界。
他谦卑于作品的力量，但不谦卑于任何现成的框架。
三、国内一线展览生态——深圳作为特殊样本
中国策展产业在不同城市形成了不同的策展气质。
北京：强调学术论证、制度语法和文化位置。
上海：重视空间美学、品牌联动和精致的展陈体验。
川渝：保留松弛、人际密度和非中心视角。
大湾区：把策展嵌入城市更新、建筑、设计、产业和公共空间。
深圳尤其特殊：没有漫长的百年馆藏基础，起点更多来自特区叙事、城市建设和移民城市的开放结构。也因此深圳的策展很早就和“城市如何展示自己”连在一起：它把建筑、规划、公共空间、市民参与和城市想象放进同一个展览机制里，让展览成为理解这座城市的一种入口。
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二、活动礼品：
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二等奖：美的扫地机器人*5份
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栏目·介绍
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