题记：2026年3月26日，Paul McCartney发行了新专辑《The Boys of Dungeon Lane》的首支单曲《Days We Left Behind》，这是继2020年《McCartney III》 后，近6年来首张全新个人专辑。谈到《Days We Left Behind》，他说，“创作者除了过去还能写什么？这歌装满了利物浦的回忆，中间也写到了约翰（列侬）。” 我在听歌，一遍一遍刷的时候经常会神游四海，这在今天据说也算是ADHD。比如 我听《便士巷》，会从歌里唱的“消防车”、“理发师”、“ 卖罂粟花的护士”这些画面想到鲁迅先生的《从百草园到三味书屋》，“蟋蟀” 、“何首乌”、“狗窦大开的同学”，而我在听保罗・麦卡特尼的这首最新单曲 《旧日流光》的时候，会想到很久很久以前玩的手机游戏《地牢猎手》，以及那首《便士巷》，这大概是我的闭环。 保罗・麦卡特尼在1967年写出《便士巷》的时候24岁，而发这首《旧日流光》，已经84岁了，60年一甲子，他说他的回忆是黑白的，的确，我们对早期披头士的回 忆也是黑白的，在AI还没有给那些古老的视频涂上颜色前。《地牢巷》中谈到了这几个地名：地牢巷、默西河畔和福斯林路，承载的是他的回忆，通过旋律抒发的，是他的情绪。同样是怀念利物浦的儿时生活，在《便士巷》里，我们感到了热闹街角中色彩斑斓的明亮，而《旧日流光》，他把场景从公共空间，移到了自己的个人记忆里，那里有一个文艺少年独自观鸟、独处、思考的隐秘角落，也是他和列侬，哈里森结识的“披头士起源之地龙兴之地”，但现在年之暮奈何，时过时来微。尽管他在歌里唱到不必哭泣感伤，不必背负过往，那是因为世事无常。但这种情绪是否真的只有怀旧、释然、平静和感恩呢？我无法解读他的情绪，但我在歌里听到了他一如既往的清澈和如约而至的苍老。云雀展翅直上穹苍，飞越世间战火喧嚣，保罗啊，你就是那只云雀，列侬和哈里森在你的头顶上。 让我们回到开头，如果《便士巷》是向外看，那么《旧日流光》就是向内寻，这大概是保罗・麦卡特尼的闭环。最后，让我用一句网易云音乐的评论来结尾：人不能两次踏入同一条河流，但你可以坐在河岸上看着水流和云朵。 你说得对。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第421位 比利·乔《钢琴侠》 Billy Joel-Piano Man 亲爱的朋友，欢迎收听此刻属于你的声音频道。今晚，我们不谈太多，只听一首歌，一个故事。比利·乔的《钢琴师》。这首歌，就像一扇门，推开它，你能闻到旧酒吧里微潮的空气，混合着酒香，还有一点点若有若无的、属于往事的灰尘味——这么写是不是比较恶心？ 这首歌的名字翻译成钢琴侠，是因为比利·乔在接受采访时说，他写这首歌，是想要创造一个超级英雄的角色，和艾尔登·约翰（Elton John）的《Rocket Man》一 起，打败鲍勃·迪伦（Bob Dylan）的《Tambourine Man》，当然，这另外两首歌 ，也入选了《滚石》杂志的500首最伟大的歌曲清单，而《Tambourine Man》名次更靠前...... 1972年，比利·乔第一张唱片销量惨淡，为了生计，化名在酒吧做钢琴师打工，何以解忧唯有杜康，去酒吧打工，又能赚钱又能喝酒，觥筹交错耳酣目热间，他把在酒吧里看到的一个个人物，记录下来写成了歌。这是首有点压抑的歌：一群人借酒消愁，向钢琴手点歌，想要好受一些。大家抱团聚在一起共饮一杯叫做孤独的酒，据说这比一人我饮酒醉要更文艺一些。我们了解的叙事民谣一般都是吉他和口琴为主，比利·乔给出了钢琴和口琴，虽然他并不是这种音乐形式的创造者。这首半自传体歌曲，故事叙述与情感旋律结合的异常动人，每过几年听一次，都会有不同的感受，所谓的初听不识曲中意，再听已是曲中人，我想可以很好的解释这首歌。值得一提的是歌曲里所有的人物群像都是真实存在的：吧台旁的约翰是酒保；戴维在海军服役；一个叫保罗的家伙，是个房地产经纪人，正试图创作伟大的美国小说；还有那位女服务生，当时是比利·乔的女友，后来成了他的妻子。这么多人中，只有一个人最后分享到了歌曲的版税。这个人 是谁呢，恭喜你猜对了，是那个女服务生，在这一点上，相比于火箭侠和铃鼓侠，钢琴侠可谓是大获全胜。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第422位 奇想乐队《罗拉》 The Kinks-Lola 在披头士、滚石乐队引领全球摇滚风潮的年代，其他英伦乐队想要复制成功，基本很难，事实上在这首歌之前，奇想乐队的人气逐渐下滑，甚至因无法举办大型演出而近乎被唱片公司放弃，所以这首歌的出现，对他们重新崛起，甚至重返美国市场有着重要的贡献。 音乐层面，整首歌旋律朗朗上口，副歌部分的“罗拉”极易跟唱，它是奇想乐队演出时与观众互动的必唱曲目。编曲上，《罗拉》是奇想乐队一贯的摇滚加复古流行：简单且抓耳的吉他Riff和层层递进的主歌是为了让听众沉浸于歌词的叙事之中。而歌词是这首歌的重头戏：第一人称叙事，讲的是“我”在一个俱乐部认识了一个力大无穷的“女孩”，她（他）“走路像女人，说话像男人”，而歌曲中的“我”，态度是开放和包容的，在邂逅、困惑后，最终接纳了这个变装皇后。 聪明的你一定知道了，这个女孩是跨性别者或变装者，但是，我们的聪明和包容是因为这个时代，在遥远的1970年，有很大一部分人在弄明白歌词含义后暴跳如雷，所以歌曲引起的争议极大，在当时，尽管性别认同与性自由议题开始在某些圈子被公开讨论。但主流音乐很少直接触碰这些话题，尤其是以拥抱而非嘲弄的方式。奇想乐队算是第一个吃螃蟹的，在之后，大卫·鲍伊、卢·里德、莫里西这些艺术家也都借鉴了这一角度进行了创作，而奇想乐队，在这一点上，总算是超越了“披头士、滚石的英伦入侵”标签，确立了自己在概念性与主题性摇滚乐（Conceptual and thematic rock music）中的先锋地位。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第423位 猫王《蓝色麂皮鞋》 Elvis Presley-Blue Suede Shoes 1955年，卡尔·珀金斯(Carl Perkins)编写、录制并发行了他最著名、最畅销的单曲，他唯一一首冠军单曲《蓝色麂皮鞋》（Blue Suede Shoes），它凭借快速的节奏、激情的吉他独奏、表演者的狂野活力，以及著名的开场白“一为钞票二为登场预备好冲吧，靓仔，冲！”成为了早期摇滚乐的标志性歌曲，也被公认为史上首支正式发行的山区摇滚单曲。 但是，我们总是要说但是，这个时代的气运之子是猫王，其他差不多同类型的歌手总是在关键时刻掉链子，1956年3月，《蓝色麂皮鞋》正在横扫各大榜单，卡尔·珀金斯在前往纽约参加电视节目的途中遭遇车祸，导致巡演和宣传暂停，错失了进一步成名的机会。而猫王在这个时候接过了《蓝色麂皮鞋》的流量，彼时，他已从太阳唱片转投更大的RCA唱片公司，他翻唱了这首歌，用来表示对昔日同门好友的致敬和支持。猫王的这个版本少了几分乡村拘谨，多了几分流行和布鲁斯的洒脱 ，加快了节奏，赋予了歌曲更强的冲击力和急促感。这个时候的猫王正处于爆发的关键时期，凭借更强大的宣传和发行能力，他不再局限于电台，通过电视和电影迅速崛起， 把这首歌带给了数亿此前从未听说过帕金斯版本的电视观众。 猫王最终凭借摇滚乐兴起的天时、大公司商业运作推广的地利、个人巨星魅力外形舞步的人和共同作用的结果。他不仅传播了这首歌，更用自己的方式重新定义了它。他的版本彻底成为了这首歌的标准：说起这首歌，人们的第一反应就是猫王和他那只抬起的、穿着蓝色麂皮鞋的脚。 一首歌的两种味道，为你送上的是列侬和亨德里克斯的两个版本，如果不是吉他手，后者可以不听。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第424位 滚石乐队《翻滚的骰子》 The Rolling Stones-Tumbling Dice 从音乐上讲，《翻滚的骰子》是一堂摇滚乐合奏表演的大师课：摇曳生姿的律动是滚石乐队的标志，查理·沃茨（Charlie Watts）的鼓点稳定的律动，以节拍支撑全曲；比尔·怀曼（Bill Wyman）的贝斯线增添了蓝调底色，增强了叙事的丰富性；而基思·理查兹（Keith Richards）和米克·泰勒（Mick Taylor），这两位吉他的交织，创造出既粗糙又精致的层次化的质感；滑棒吉他在节奏之上翱翔，钢琴赋予歌曲福音音乐般的温暖——到这里为止，这还是一首正常的好歌，但事实上，填写上歌词后，它成了一个沉迷于骰子的赌徒的故事。主唱米克·贾格尔（Mick Jagger）化身为一个花花公子一个赌徒，在欲望和责任之间无尽的拉扯。据说歌词映射了乐队自身所经历的名望、放纵与财富，那混乱而不可预测的起起落落，但这首歌能久经不衰，接连几代人的想象，"宝贝，我身无分文"和"你可以做我的犯罪搭档"（"Honey, got no money" & "You can be my partner in crime"）这样的歌词起到的作用显然更大一些。 人类不缺赌徒，通过下一次扔骰子获得救赎的是每一代赌徒最后的希望。米克·贾格尔在歌里带着几分玩世不恭，泥沙俱下不由自主随波逐流做了一个烂赌鬼，他扔下骰子，是谁被抛入这个世界，如何落子，方向未知。 作为铁杆粉丝们的最爱，《翻滚的骰子》是滚石乐队表演次数第四多的歌曲，50年来一直在舞台上持续演出。但是，尽管这首歌在滚石乐队的粉丝和同行中经久不衰，很多艺人都翻唱或演奏过，但米克·贾格尔却提不起热情，他觉得这并不是乐队最好的作品，歌词也很一般：实在是有点儿凡尔赛，一首歌的两种味道，我们来听我最喜欢的，来自巴萨诺瓦歌手斯库巴（Scubba）的版本。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第425位 史密斯《威廉，这真的不算什么》 The Smiths-William, It Was Really Nothing 歌曲的开场是所有英伦音乐爱好者最熟悉的场景：曼彻斯特的雨。小镇青年威廉被困在小镇中，单调乏味，“胖女孩”提议结婚，他有点不甘心，但又很无奈，人生灰暗，这是存在主义的虚无感——无论是小镇生活、婚姻承诺，还是人际关系的羁绊，在歌者的眼中皆轻如浮尘——史密斯乐队用明亮的灵动的甚至带有舞曲色彩的节奏表现出来，与歌词的阴郁嘲讽形成反差，急迫而又戏谑，这种“欢快曲调搭配沉重歌词”的手法，是这个乐队的惯用伎俩。 而关于这首歌的一个小八卦，作者莫里西(Morrissey)是写给苏格兰的后朋克乐队"伙伴乐队"（The Associates）的主唱比利·麦肯齐(Billy Mackenzie)的，这两人曾有过短暂的友谊，但据说友谊以麦肯齐从莫里西的公寓偷走一本简·斯坦的小说而告终。1984年史密斯乐队发行这首歌，到了1993年，比利·麦肯齐的"伙伴乐队"写了《斯蒂芬，你真了不起》（Stephen, You’re Really Something）用来回应。了解歌曲背景后再来看这首歌，是否觉得有点过于“尖酸刻薄”呢？但如果每一个在二三四五六线城市的小镇青年把自己代入，在遵从社会规范和个人实现之间摇摆的时候，又是否会心有戚戚呢？大多数小镇青年在变成老登后会给你答案，答案是一句歌词：曾经在幽幽暗暗反反复复中追问，才知道平平淡淡从从容容才是真。

这首歌作为历史的一个切片，有人说算纪实报道，文学性实在是差了一点，歌词的第一句：我们一群人去了蒙特勒，在日内瓦湖畔集合，想要借一辆移动录音室来录制新专辑——作为摇滚乐殿堂里的神作，这个语气语调，实在是和我们平时发个朋友圈差不多。 时间拉回到1971年年底，深紫乐队在瑞士蒙特勒，计划使用从滚石乐队租来的移动录音车录新专辑，晚上恰逢弗兰克·扎帕（Frank Zappa）和发明之母乐队在此举办演唱会，乐队成员集体观摩演出的时候，有人（也就是歌词里提到的蠢货）对着木制天花板发射了几支信号弹，瞬间引发大火，虽然没有造成人员伤 亡，但大火吞噬了整个场地，扎帕乐队的设备也被毁于一旦。深紫乐队作为旁观者全程围观了这一切：眼睁睁看着浓烟从燃烧的场地升起，蔓延并覆盖在日内瓦湖的 平静水面上，于是就有了这么一首歌，但作为受害者，当晚的主角弗兰克·扎帕竟然没就这事写首歌，实在是令人意外。 歌词负责冷静叙述，音乐负责情绪爆发。歌词背景解释完毕，我们来说说这首歌最被人称道的吉他RIFF，作为“世界上最著名的吉他RIFF”，对于初学者来说，这是非常有仪式感的经典必弹曲目，而它的经典是来自它的简单，由几个简单的和弦构 成的强力RIFF，没有任何基础的新手也能在短时间内“弹的像那么回事”。而这曲子的音色厚重、失真、充满力量感，当你进入琴行，想要试试能不能弹出那个 音色时，会本能地把音箱的音量开大，然后猛力拨弦......大城市的琴行店员，每天都被笼罩在这几个和弦的巨大回响中，是要崩溃的。所以它被称为是琴行不妙曲 。我们回到音乐的整体部分，吉他RIFF是雷霆万钧之势的开端，踩镲和失真的风琴 声，然后是其余的鼓点、贝司的加入，最后主唱的人声才开始，这里要说一下失真风琴（Hammond C3风琴）的叠加，可能很难听出来，但这个音墙做的是非常好， 我建议你多听几次，事实上整首歌的行进，你的关注度其实一直都在这个几个和弦 里，你甚至都不会记得它有一段极其美妙的吉他独奏。 说到这里，我又要跳回去说一下饱受诟病的歌词，和鲍勃·迪伦比确实差一点文学性 ，但我们来看副歌那句水烟袅袅升腾，火光映红天际“Smoke on the water, fire in the sky”，深紫乐队搭起了一个视觉框架，也就是我前面说的发了个朋友圈， 它不像前卫摇滚那样探讨宇宙哲学，也不需要像民谣那样追求诗意的隐喻，而是几个摇滚乐手在事后喝着酒，跟朋友复述那段离奇的经历，仅此而已。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第427位 U2《新年之日》 U2-New Year's Day 这首歌因为其背负的政治色彩，很难被打上情歌的烙印，而事实上在最初，它是U2主唱博诺（Bono）献给妻子的歌，在排练中他即兴改了歌词，让它有了别的含义：1976年成立的U2，尽管已经发行了专辑和单曲，但并没有找到突破口，几个成员加入了神神叨叨的宗教团体，博诺甚至在录音室里宣扬神要再临世界：情况太复杂 ，现实太残酷了（崔健《时代的晚上》），在乐队走上邪路加入邪教前，博诺终于找到了方向：直白和尖锐的社会议题。 他用歌词支持了当时波兰的一个社会组织， 描绘了一种坚韧不拔、决心克服障碍的精神，以日历翻向新的一年为象征，把节日的庆祝和社会挑战的现实进行了对比：在最黑暗的时代，总有希望迎来更光明的未来。这大概是人类对自由和正义的普遍渴望，要为自己所信仰的事物而奋斗。 这支当时还很年轻的传奇摇滚乐队凭借这首歌，首次在大西洋两岸获得了认可。而U2也渐渐习惯了从社会话题中找歌词灵感，比如下一张专辑他们谈到了马丁·路德· 金（《Pride （In the Name of Love）》），再下一张专辑他们谈到了中美洲战乱（《Bullet The Blue Sky》），话题再回到这首歌，口号和主义当然不是全部歌词，歌曲也有着异常优美的旋律：不知疲倦的贝斯、探寻的钢琴、军鼓美妙清脆的敲击—尽管这不是一首标准的新年歌曲，但酒吧里还是经常有人唱起它，人们抛开歌词，更关心歌里给出的情绪：听天由命、决心和焦虑。

滚石杂志500首最伟大的歌曲排名第428位 米奇·莱德与底特律车轮乐队 《蓝衣俏佳人》/《莫莉真带劲》 Mitch Ryder & The Detroit Wheels - Devil With A Blue Dress On & Good Golly Miss Molly 这首歌算是串烧，把两首当时比较热门的歌融合在一起，它们分别是肖蒂·朗(Shorty Long)的《蓝衣俏佳人》和小理查德(Little Richard)的《莫莉真带劲》， 但是它又和我们刻板印象中的串烧不一样，它不花里胡哨，而是充满了摇滚乐的能量。 米奇·莱德和底特律车轮乐队以“加速的节奏布鲁斯”而闻名，在这首歌里， 鼓手约翰尼·巴丹杰克(Johnny Badanjek)强有力的鼓点提供了动力，吉他手吉姆· 麦卡蒂(Jim McCarty)的演奏简洁而充满爆发力，而我们的主唱米奇·莱德，他的嗓音嘶哑、高亢且充满激情——这种唱法被称为“蓝眼睛灵魂乐”，将白人摇滚的活力与黑人灵魂乐的深情进行了嫁接。应该说不但传递出小理查德的精髓，同时又打造出自己的风格：一首强有力的单曲。米奇·莱德在这首歌里弥合了风格上的鸿沟，也巩固了他在1960年代摇滚创新者殿堂中的地位。 但是，他的经纪人很快就舍弃了底特律车轮乐队，在半推半就下米奇·莱德也开启了单飞生涯，结果我们都知道，不算是太成功。当然作为先行者，荣誉还是跟上的，2005年，米奇·莱德与底特律车轮乐队入选密歇根摇滚传奇名人堂（非克利夫兰的摇滚名人堂）；2009年，他作为个人艺术家再次入选，但是，如果以乐队形式的存在，米奇·莱德与底特律车轮乐队是否可能走的更远呢？ 一首歌的两种味道，听听看，这些歌曲原来的样子。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第429位 所罗门·伯克《人人需有爱》 Solomon Burke-Everybody Needs Somebody To Love 进入新世纪后，很多孩子第一次听到这首歌，应该是来自滚石乐队的精选专辑或说歌单，原作者所罗门·伯克博士似乎已经被人忘记，但你要知道，他确确实实是这首歌的创作者和首唱者。 作为节奏布鲁斯领域的标志性人物，所罗门·伯克也被奉为灵魂乐的奠基者，嗓音浑厚饱满、情感极具张力，再加上富有魅力的舞台表现力，开创了融合福音音乐、节奏布鲁斯与灵魂乐的独特风格。在音乐裁缝遍地的今天，这当然不足为奇，但在遥远的1964年，你不得不把伯克老师请上封神榜。他在录音棚的洗手间里填写了歌词，而曲子的灵感，来自以铜管乐和低音鼓为主的教堂募捐游行曲。作品写完后并不被看好，为了能顺利出版，所罗门·伯克不得不让渡权利，他在歌曲的署名栏写上了两位唱片公司高管的名字——这两位在后来靠版税赚了很多钱。 这首歌最经典的地方，请你仔细聆听，是来回的呼应，传统福音歌曲就是这样，我在高声唱，你们在轻声和，陶醉在沙漠里的小爱河。这给作品增添了丰富的层次感，当然也很考验歌手的掌控力：主唱与和声之间的动态呼应，在现场时，和声往往会转移到观众上，来来回回，其乐无穷。歌曲在当年仅获得流行榜第58名，但因为被滚石乐队和威尔逊·皮克特翻唱，打通了种族和信息壁垒，滚石乐队在早期的巡演中把这首歌定位开场曲，也为所罗门·伯克带来了很多钱，伯克博士这一生一共生了21个孩子，一大半的抚养费来自这首歌的版税。 一首歌的两种味道，当然是来自滚石乐队的版本了。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第430位 冲撞乐队《在哈默史密斯宫的白人》 The Clash - White Man In Hammersmith Palais 1977年6月，冲撞乐队的乔·斯特拉莫以朝圣的心态去伦敦哈默史密斯区综艺馆看一场通宵雷鬼乐演出，结果大失所望，流量明星变成了主角。在这里我们停顿一下，我要说的是，这首歌是音乐风格文化冲突的嘴替，我很能理解斯特拉莫的感受，相当于我去音乐节看摇滚乐队的演出，但舞台被几千个小孩子包围着，台上的说唱歌手又看上去不太聪明的样子。 歌曲从抵达与希望开始，斯特拉莫点名了演出时间后，报出了一连串音乐人名单，宛如一份虔诚的祷告名录：那些 “首次从牙买加远道而来” 的表演者，是他心中的文化图腾。他在歌里引用的四个名字迪林杰（Dillinger）勒罗伊·斯玛特（Leroy Smart）德尔罗伊·威尔逊（Delroy Wilson）肯·布思（Ken Boothe），无一不是当晚演出的牙买加雷鬼音乐黄金时代的先驱，斯特拉莫认为真诚的声音终将被懂得的社群接纳。 但是，希望越大，失望越大，演出转场时都在播放四顶尖合唱团的歌——这个时候，雷鬼还承载着底层人民，尤其是黑人的种族诉求、对贫富差距的批判，是边缘群体的发声工具，而摩城唱片流水线式的流行灵魂乐，早已失去了底层反叛的功能，是取悦大众的消费品。斯特拉莫当时就炸了，非常之不爽，将舞池比作战场，开喷舞台上缺失的反叛精神，从各种肤色的青年到罗宾汉，甚至完成了自我否定——把朋克乐队也攻击了一遍，所有人都在争夺流量，年轻乐队穿着名牌西装，不去考虑艺术的深度，却把反叛精神变成牟利的工具，倒反天罡用豪华轿车去迎接希特勒。歌曲的最后斯特拉莫应该是精疲力竭或者说耗尽了药效，也认清了自己的身份：像当年猫王去黑人教堂聆听福音音乐一样，他也只是一个白人外来者在别人的文化殿堂里寻欢作乐。 是啊，根源音乐的本真和文化消费的共谋。这一切都是精心设计的表演、包装好的人设，连政治立场都成了可以贩卖的标签。万物即可贩卖，任何音乐都会失去原有的色彩，包括这首朋克与雷鬼风格融合的歌曲。最终，你要么愤然离去，要么坦诚面对自己的欲望与局限。从古至今，皆是如此。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第431位 胖子·多米诺《这真丢脸》 Fats Domino - Ain't That A Shame 摇滚乐诞生之初，满是情欲的躁动、喧嚣的嘶吼，还有无政府主义的狂热节奏，胖子·多米诺却显得格格不入：和猫王约会，从开场到散场大抵都囿于彼此的臂弯方寸；和小理查德或杰瑞·李·刘易斯彻夜狂欢，多半会让你锒铛入狱；可要是和胖子·多米诺结伴，你们的行程大概只是一起开开心心吃几块猪排——你要知道，论传递喜悦与欢愉的功力，没人能比得上胖子·多米诺，而对他而言，快乐是与生俱来的本能。 胖子·多米诺的成名法宝其实很简单，钢琴演奏狡黠灵动、悠然自得，将爵士乐与布基伍基风格糅合得天衣无缝；温暖随性圆润的男中音，拖腔转调间仿佛能把一个词唱得九曲回肠。1955年，多米诺创作并且发行的这首歌，被认为是摇滚乐萌芽时期的标志性作品，歌曲采用十二小节布鲁斯和弦进行，钢琴是它的灵魂。多米诺的左手弹奏出连绵起伏的布吉伍吉低音旋律线，构成整首歌的基座；右手则以旋律性的即兴片段与和弦，赋予乐曲灵动的节奏跃动感。高低音区的巧妙交织，营造出驱动身体舞动的强劲动力。虽然他自己的这个版本的最好成绩只在公告牌排名第十。但几个月后发行的，帕特·布恩（Pat Boone）的翻唱版本登上了榜首，他的销量是原版的十倍，并且把这首歌推向了更多的白人听众。而滚石杂志，显然更愿意把这个荣誉送给销量略输一筹的原作者。 《这真丢脸》自发行几个月后就开始被翻唱，70多年过去了，当然有无数个版本。一首歌的两种味道：在任何时候，约翰·列侬的翻唱版本总是有优先权的。我们在音频版加入了列侬谈论这首歌的原声，在此翻译如下： 这首歌对我而言意义非凡。我录制了《Ain't That A Shame》这首作品 —— 其实胖子·多米诺的好多歌我都想翻唱，但最终选了这首，是因为它和我的母亲有关。在我尚未成名时，她就不幸离世了。是她教会我弹班卓琴，也是她给我买了人生中第一把吉他。而《Ain't That A Shame》，正是我学会的第一首歌。 要知道，在摇滚乐诞生之前，在我真正踏入摇滚圈之前，我就翻唱过约翰尼・雷（Johnny Ray）这类歌手的作品，还有当时流行的各种歌曲。但这首歌不一样，它是我第一首既能唱、又能自弹自唱的歌。曲子本身特别简单，或许这就是当初我能学会它的原因。它承载了我太多回忆，我也正是因为这个缘故，才决定把它录下来。 另外，现场版的《这真丢脸》往往会加入更多的即兴编排：多米诺会延长钢琴间奏，与节奏声部默契互动，目的就是让观众也加入进来。还会带动观众参与其中。胖子·多米诺写这首歌的时候大概点满了互动这个技能点。为你推上的是廉价把戏（Cheap Trick）的版本——这也是胖子·多米诺本人最喜欢的翻唱版本。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第432位 格蕾蒂丝·奈特与派普斯合唱团《开往佐治亚州的午夜列车》 Gladys Knight & The Pips - Midnight Train To Georgia 这首歌以一位有情有义的女士的角度出发，讲了一位事业失败即将回家乡佐治亚的男士的故事，这位男士虽然追梦失败，卖掉全身家当才够得上回家的车票，但该女士对他不离不弃，甚至唱出了“我宁愿活在他的世界，也好过我的世界里没有他”这种，现在看来三观不太正确的歌词，我觉得这位男士赌场失意情场得意，还是蛮幸福的。当然，各位打拳的男选手或者女选手也不要太激动，这首关于失败、故乡与无条件接纳的深情情歌，最早的版本，其实性别是颠倒的：原版是一首民谣歌曲，叫《飞往休斯顿的午夜航班(Midnight Plane to Houston)》，讲的是女生去休斯顿，而男生对她誓死追随的故事。 时间拉回到1973年，格蕾蒂丝·奈特带着她的派普斯合唱团决定离开巨星云集的摩城唱片，尽管摩城唱片的创始人贝里·戈迪说：“格蕾蒂丝的歌声堪称一绝，她有着南方人特有的温暖魅力，唱腔中融合了乡村灵魂乐的韵味，还带着福音音乐的感染力。”，但任何时候漂亮的赞美不花钱，唱片销量直接决定你在公司和舞台的地位，在格蕾蒂丝·奈特前面，有诱惑合唱团、四顶尖合唱团，戴安娜·罗斯和至上女声合唱团，她觉得自己是领养的孩子，摩城唱片并没有给予他们太多的关注。宁做鸡头，不做凤尾，七年之痒的合约到期后，他们转投纽约的佛陀唱片。佛陀唱片没有太多钱 ，但更愿意把精力放在他们身上，也愿意让他们有更多的自主权，在这样的情况下，格蕾蒂丝·奈特和派普斯合唱团选择改编吉姆·韦瑟利（Jim Weatherly）的乡村民谣《飞往休斯顿的午夜航班》，歌词改动不大，休斯顿改成佐治亚，飞机改成火车，歌名字改成了《开往佐治亚州的午夜列车》。在编曲上，歌曲叠加了管风琴、铜管乐、弦乐和钢琴，原本温柔舒缓的乡村民谣，摇身一变成为一首气势磅礴的节奏布鲁斯情歌，当然 ，更完美的是格蕾蒂丝和派普斯合唱团之间默契十足的互动演唱，格蕾蒂丝8岁开始就和派普斯合唱团（其实就是她的表兄妹）合作，20多年的磨合期，让这首歌的每一个细节都恰到好处。格蕾蒂丝用带有福音音乐质感的沙哑嗓音奋力演唱，派普斯合唱团用简短的呼应穿插其中，衬托深情，又中和情绪。歌曲最后登顶公告牌百强单曲榜，又斩获格莱美奖 “最佳节奏布鲁斯组合 / 合唱人声表演奖”，获奖的原因大概是感动了众多去美国大城市闯荡失败的凤凰男。 时过境迁，空间转换，在中国，如果你也是去北上广深创业失败的男人，午夜梦回，是否也会想要有这样一位不离不弃的姑娘甘心陪着你坐火车回老家呢？最后多说一句：上世纪70年代初，洛杉矶其实并没有开往佐治亚州的午夜列车。这列火车，仅存在格蕾蒂丝·奈特和派普斯合唱团的歌声里...... 一首歌的两种味道：茜茜·休斯顿（Cissy Houston，惠特尼·休斯顿的老妈）其实是第一个翻唱《飞往休斯顿 的午夜航班》的人，但因唱片公司宣传力度不足，在商业上反响平平。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第433位 齐柏林飞艇乐队《漂泊前行》 Led Zeppelin-Ramble On 这是《滚石》杂志“史上最伟大的500首歌曲”2004版中，第二次出现奇幻童话故事 ，上一次是排名478位杰斐逊飞机的《白兔》( Jefferson Airplane-White Rabbit)——该作品契合了经典童话《爱丽丝梦游仙境》。而这一次是齐柏林飞艇的《 漂泊前行》，两个乐队的名字都是飞行道具，不知是不是巧合。 歌曲选自乐队第二张专辑《齐柏林飞艇2》，彼时乐队已凭借着融合了蓝调、硬摇滚与民谣元素的音乐风格，加上成员们超出常人的演奏技艺，在摇滚乐坛崭露头角 。在巡演途中他们开始创作新专辑，力求勇立潮头，在音乐上有新的突破，在歌词上也想要搞搞新意思。而这个时候，罗伯特·普兰特正非常痴迷托尔金的经典奇幻作品《指环王》，就像二十多年后贾宏声非常痴迷于他一样，罗伯特·普兰特将个人经历与《指环王》的故事交织，把爱情叙事置于奇幻背景中，他描写的“我”， 环游世界是为了 “寻回心中的姑娘”。这位姑娘与他有过一段感情，却被 “咕噜 ” 引诱而离去。“咕噜” 这一角色正是出自《指环王》系列。 通篇歌词读下来，有一种武侠RPG游戏的感觉。当然，它更有着冒险成长与探索生命意义的普世主题。吉米·佩奇为首的器乐部分，作用也很大，他们把一首摇滚乐从简单的结构框架中解放了出来，原声吉他的指弹旋律与电吉他的主音旋律交织错落，无缝衔接，这个强烈的动态对比非常有意思。 总而言之，这首传世名作有着饱满的旋律、精湛的编曲和丰赡的歌词内涵，而这一年，乐队成员吉他手吉米·佩奇25岁，写出这首歌歌词的主唱罗伯特·普兰特才21岁，这是民谣、诗歌、摇滚乐在那个年代的最佳组合。尽管，在80年代后，罗伯特·普兰特自己觉得这个歌词，有一些尴尬和中二。 这首歌的现场版，进一步放大了歌曲的神话色彩与冒险精神。乐队常常在演奏中加入即兴段落，淋漓尽致地展现成员们的精湛技艺——这也导致了很多跟不上他们的年轻人，最后选择了更为简单的朋克音乐。实话实说，在某一段时间，我觉得这首歌更适合詹尼斯·乔普林来唱，当然，只是某一段时间，否则到时候见到贾宏声或者齐柏林飞艇的乐迷就不好交代了。一首歌的两种味道，为你推上的是Eric McFadden的版本。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第434位 威尔逊·皮克特《野马莎莉》 Wilson Pickett-Mustang Sally 如果硬要让我像个老中医一样来点评，那么我会说：《野马莎莉》是对美国自由精神的呈现——通过“野马”汽车这一意象得以彰显。威尔逊·皮克特在唱莎莉无止境的驰骋时，他是在暗喻那个年代对独立自主的热烈渴望：这是对度放纵的警示，昭示着在追寻自由的道路上，不要迷失方向——你知道灵魂乐的歌词总是在暗喻着一些东西，这个大概是全世界乐评人解读的方向——这听着很无聊，但权威总是很无聊，在这个时候，你就会需要一辆野马汽车。 1964年，福特汽车推出野马系列，第二年，麦克·赖斯创作并推出了这首歌。这当然是绝对意义上的经典：因为它无缝融入布鲁斯、摇滚和摩城音乐的风格，但最终的拼图，却来自南方灵魂乐的标志性声音——威尔逊·皮克特，他的演唱给这首歌定了标准。在《野马莎莉》中，皮克特展现了他最巅峰的状态。他的演唱在控制与激情间收放自如，巧妙处理主歌部分，讲述着莎莉飞车疾驰的故事，然后爆发进入那令人难忘的副歌，每一声呐喊都像一道命令、一个戏谑的挑战，同时又是一次庆祝。你甚至可以想象一下他在现场是和观众能有怎样的充满活力的即兴互动。而这首歌的编曲，强劲的反拍、有力的铜管乐穿插，以及稳定压倒一切的贝斯线。它是R&B与摇滚乐的完美结合，这个声音影响了从滚石乐队到艾瑞莎·弗兰克林的众多音乐人。 这么多年过去了，不管你是初次聆听，或者是这首歌的忠实老粉，我想和你说的一点是，这首歌大概率是在提醒我们拥抱自由、追逐激情，此时此刻，如果你在车上，请调大音量，选择那条更长的路回家。 多年来，《野马莎莉》出现在无数电影、电视剧和广告中，也有不同流派的艺术家都翻唱了它，各自为这首曲子带来了自己的风格。巴迪·盖伊、布鲁斯·斯普林斯汀、约翰·李·胡克，甚至一些另类乐队都曾在现场表演过它，一首歌的两种味道，我们来听布鲁斯的活化石巴迪·盖伊的版本。