瑞克·詹姆斯 Rick James 1948年2月1日 2004年8月6日 极具个人特色的放克音乐大师瑞克·詹姆斯有着很多称号：放克疯子、放克教父、街头诗人、朋克放克之王。别的可以理解，但朋克和放克两种截然不同的风格为什么能结合在一起，它们结出了什么样的恶之花？ 1948年，瑞克·詹姆斯出生在一个单亲家庭，八个孩子他排行第三，妈妈经营着灰色产业，他从小就跟着妈妈穿梭于各个酒吧夜总会，亲眼看到过迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）和约翰·科尔特兰（John Coltrane）的表演，他的叔叔又是诱惑合唱团 (The Temptations)的成员，勉强算是和音乐搭上了界，但音乐只是他生活中的一小部分，更多的时候他接触到的是毒品和盗窃，性和酒精。1968年，为了躲避兵役逃到加拿大之后，瑞克·詹姆斯的音乐天性渐渐地显露出来，和史蒂夫·旺德（Stevie Wonder）、莱文·赫尔姆 (Levon Helm)（The Band）成为朋友，甚至还和尼尔·杨 (Neil Young)组了个乐队，创作融合了摇滚、民谣和灵魂乐元素的音乐，但在录制唱片前东窗事发，他逃兵役的事情被告发了。 瑞克·詹姆斯的神奇人生在入狱逃狱再入狱出狱后，继续行进，他给摩城唱片创作歌曲，见过吉姆·莫里森的血并觉得莫里森是个怪胎；曼森家族去波兰斯基家大开杀戒那一夜，他因为宿醉没去逃过一劫，他的经历也可以拍成《好莱坞往事》，当然，大多数情节都不能播出。1978年，他发行了自己的第一张专辑《来吧！》(Come Get It!) ，得益于《你和我》(You and I) 和《玛丽·简》(Mary Jane)这几首热门歌曲，专辑最终售出两百万张，名声鹊起也赚了很多钱——人生得意须尽欢，瑞克·詹姆斯毫不掩饰地沉溺于药物狂欢和各种滥交派对中，在他药物成瘾最严重的时候，每周在这上面花费高达7000美元。 唱片继续发行，瑞克·詹姆斯明星地位继续上升，但无论在哪里都饱受争议，他从不掩饰自己追求药物和怪癖X行为的欲望，甚至乐于放大自己的行为，这让他的演出多了很多执法机关的观众，他们准备在瑞克·詹姆斯在舞台上吸毒的时候逮捕他，这一点詹姆斯显得比较朋克，有点GG Allin（GG 艾伦）的样子了，不过他没有学习到朋克的豁达和乐天，1980年，瑞克·詹姆斯巡回演出时，请了王子普林斯 (Prince)做嘉宾，但很快就闹僵了，原因是詹姆斯认为普林斯试图剽窃他的风格，其实归根结底，就是风格类似领地意识强烈，两个人都是放克、灵魂乐加流行元素，并且都以华丽、性感的舞台表演著称嘛。早期当然是瑞克·詹姆斯压着王子打，后期因为深陷毒瘾和法律问题，王子早就超过他，去和迈克尔杰克逊争夺天下了。 我们接下要听到的这首歌叫作《疯狂尤物》，瑞克·詹姆斯艺术人生的代表之作。它其实可以有两个中文名字：《超级怪咖》和《疯狂尤物》，疯狂尤物比较贴近歌词本义，描述了一个让瑞克·詹姆斯着迷的独特女孩，她特立独行、不按常理出牌，性感惹火、充满原始魅力，让詹姆斯欲罢不能。而超级怪咖指的是我们的这位主唱大人、放克疯子瑞克·詹姆斯。詹姆斯一直致力把将摇滚乐和放克中和在一起，来挑战当时更流行、更丝滑的迪斯科和主流R&B音乐。《疯狂尤物》这首歌是他主体思想的意志体现，这里我们不再提吉他连复段了，贯穿始终的是贝斯连复段，这是最具有辨识度的贝斯线，简单粗砺充满着放克律动，鼓点配合沙锤，萨克斯的点缀，撑起了这首带有明亮色彩的经典放克音乐，而瑞克·詹姆斯的人声部分，随行所欲，任意拉扯，充满街头的真实感，又极具诱惑性，才是真正的让人欲罢不能啊。 瑞克·詹姆斯音乐事业和影响力的巅峰在是1980年代，像《疯狂尤物》来自1981年专辑《《街头之歌》（Street Songs），而1982年的专辑《全力以赴》(Throwin’ Down) 和1983年的专辑《冷血》（Cold Bloode）也一直是在持续输出，他的音乐是融合了放克、摇滚、R&B和说唱元素，定义了“朋克放克”的风格，这里说的朋克并不是朋克音乐元素，而是精神态度层面的类比，他在传统放克音乐中注入的那种前所未有的、具有颠覆性的、充满攻击性能量和态度，是非常大胆的，当然更直观的表现是在他的歌词上，对欲望的直白描写对药物的歌颂，然后在舞台上的露骨的性意味，是一把双刃剑，MV时代到来的时候，他本来可以接着东风获得更大的流量，但就是因为“太有挑衅性”被拒绝播放，而没有成为更大的咖。2004年瑞克·詹姆斯死于心脏病发作，但死时体内含有九种不同的药物，他的葬礼现场很有意思：一支巨大的大麻烟卷被放在面向哀悼者的其中一个喇叭上，有人点燃了它。大麻的气味开始飘散在大厅上空。一些人转过头去避开；另一些人，则张开嘴吸入烟雾。 本期选曲 Money Talks Glow Mary Jane Cold Bloode Super Freak Fire And Desire

"Life to me is struggles, successes,and failures. Living is what is going onin between those things. I have life, but whether or not I am living is something else."--- Bobby Darin, 1972 Bobby Darin 鲍比·达林 1936年5月14日 1973年11月20日 李宗盛给张培仁写过一首歌，叫《和自己赛跑的人》，歌曲很容易情感共鸣：困境中人需要保持内在的动力，战胜昨天的自己，找到自己的节奏。我们今天的这位主角，他更进一步，是和死神赛跑的人：鲍比·达林，1936年5月14日出生，1973年11月20日去世。 1936年，鲍比·达林出生在纽约一个贫困家庭，家里只有妈妈和姐姐，因为贫穷，本身孱弱的身体多次患上了风湿热，导致他心脏出现了问题，7岁的时候被医生诊断说活不到15岁，这促发了他与生俱来的野心，我命由我不由天，小孩哥决心在有限的时间内过上充实的生活。虽然不再被允许进行体育活动，但在艺术上开始发力， 10多岁时已经能演奏多种乐器，包括钢琴、鼓和吉他。同时达林智商非常高，成绩很好，拿着奖学金进入了纽约亨特学院，但他有点等不及了，辍学进入歌坛，经过了几年的沉浮，在1958年，凭借歌曲《水花四溅》（Splish Splash）开始走红，这首歌以轻快俏皮的摇滚曲风，融合洗脑的拟声词成为1950年代青少年文化的标志性歌曲之一，Billboard排行榜第3位，销量超百万张，奠定了他的巨星地位。顺便说下，他写这首歌的时间，不到一个小时。 走红之后当然就是不断复制自己，这是当时歌手的基操，鲍比·达林很快写出了《梦中情人Dream Lover》，也是一首销量过百万的歌曲，但同时也厌倦了这样割韭菜的形式，人生苦短夜长梦更多：一是不太喜欢做青少年偶像，看上去很蠢，二是不愿重复去唱同一首歌——这个大家都深有体会，每天重复劳动是很容易厌倦的，钱难赚屎难吃，虽然歌手赚的钱更多一点，但鲍比·达林也不太愿意，甚至在很久以后，职业生涯晚期都不太愿意唱《水花四溅》。总之，他迫不及待地改变了赛道，从摇滚转向了爵士，在所有人的反对下，1959年出版了经典唱片《麦克刀Mack the Knife》，同名歌曲来自库尔特·魏尔1928年的音乐剧《三便士歌剧》，鲍比·达林对这首曲子进行了令人着迷的爵士乐演绎：排行榜第一，销量数百万，1960年获得了格莱美年度最佳唱片奖。当年最佳新人—— 从1958年到1960年，流行到爵士，这个华丽的转身，速度是不是太快了一点。 再之后的经典是《飞跃情海》（Beyond the Sea），我个人觉得翻译成《爱在彼岸》更好一些，这是他改编的法国歌曲，1960年进入榜单前10。这个时候开始，24岁的鲍比·达林创造力爆发了，他探索了几乎所有的音乐流派——从爵士乐和乡村音乐到民谣和流行音乐，他也并不只甘心做一个录音室歌手，天天去夜总会演出，因为非常受欢迎，在夜总会的出勤率甚至赶上了法兰克·辛纳屈，彼时他在接受采访时说我想在25岁之前成为传奇——传奇这个词一般来说是按资排辈，要成为老艺术家才有资格的，他被认为他是傲慢自大不够稳重。他的解释同样很精彩：自负和自我主义是有区别的。自负是认为自己很棒；自我主义是知道自己很棒。当然，还有一点他没说，他正在争分夺秒和死神赛跑。 560年代是音乐风格不断变化的年代，鲍比·达林自己也在不断进化，不管是从文化上还是政治上，1968年，他甚至在为RFK罗伯特·肯尼迪助选，整个人生是异样的精彩，激烈而又蓬勃的燃烧，这时他获悉了一个巨大的秘密，程度堪比他在7岁那年听到医生说他活不过15岁——他一直以来的姐姐是他的妈妈，他是一个私生子，为了掩人耳目，才管自己的妈妈叫姐姐，这个消息我们今天看来好像问题也不是很大，但对他而言问题很大，他至死都没有原谅他的妈妈（姐姐），再加上当年肯尼迪遇刺，他一蹶不振，卖掉了大部分财产，住在嬉皮士聚居地的一辆拖车里。在这段隐居期间，鲍比·达林研究了鲍勃·迪伦、皮特·西格、披头士乐队的歌曲，想和他们一起进化，这里又是一个转型，非常的华丽，一年后，他以新的身份回到好莱坞，不再在舞台上戴假发，把燕尾服换成牛仔夹克， 开始录制面向民间的诗歌和抗议歌曲，这些歌曲涉及越南战争、民权和收入不平等等当代问题，但这一次，唱片的销量不太好，他需要更多的夜总会和电视演出来赚钱，而死神已悄悄的逼近了。 1971年，鲍比·达林接受第一次心脏手术，此后就经常出入医院，演出继续的同时经常在表演后吸氧，早年为维持事业形象，鲍比·达林基本不谈自己的健康问题，甚至经纪团队都不太知道，加上总是高强度工作（巡演、拍电影、录唱片）加剧心脏负担，1973年12月20日，死神终于追上了他，他在接受心脏瓣膜修复手术后去世，终年37岁。这是一个把每一天都当作自己生命的最后一天来度过的人，每次听到他的歌，我总是会想到尼尔·杨的那句著名的：与其苟延残喘，不如从容燃烧，鲍比·达林就是属于那种烧短暂生命创造永恒艺术的人，他在十多年的艺术人生中挑战并成功掌握了许 多音乐风格，包括民谣、乡村音乐、流行音乐和爵士乐，也是一位成就卓著、屡获殊荣的演员和企业家。从娱乐偶像到爵士大师，再到人文歌者的蜕变，是该行业中绝大多数人一辈子都达不到的成就吧，从另一方面说，他应该是跑赢了死神啊。 本期选曲 Things Splish Splash Mack the Knife Beyond the Sea Reason To Believe Simple Song of Freedom Beyond the Sea (ProleteR tribute) 附上2004年，纸牌屋大咖凯文·史派西为情怀买单自导自演的音乐传记片 《飞跃情海》（Beyond the Sea），它在票房和商业上的表现堪称惨淡，但是，世界上总要有人为情怀买单，做一些更小众更Fogy的事情。

我是真没想到，《新音乐速报》有一天会做蔡徐坤的歌曲，怪就只能怪人类的刻板印象和信息茧房把我困住太久了。看了一些评论，说这首歌是Doo-Wop和Soul，Doo-Wop是以合唱团形式实现的音乐风格，最基础的核心是人声和声，一般是要3到5名成员共同完成，和声主要是重复的、无意义的音节。早期的Doo-Wop就是年轻人们聚在一起即兴的演唱街头，常常是纯人声，有条件了才加一点乐器，所以《死人》这首歌如果不算上键盘铺垫，和Doo-Wop关系真的不大。但是，不管Doo-Wop和Soul或者R&B，都对主唱有极高的要求：控制力，支撑力——蔡徐坤在这里收放自如，尤其是假音的转换和爆发，简直是詹姆斯·布朗和王子上身，已经是偶像歌手的天花板级别了。相比较而言，编曲部分有种美术学院学生交毕设套公式的感觉，各方面感觉似曾相识，当然这是瑕不掩瑜的。我觉得蔡徐坤美学品位、唱功技术、流量资金都有了，既然不愿意割粉丝韭菜，如果认认真真做这种小众音乐的话，可以在音乐上编曲上有更大的突破。总而言之对于我这种听了几十年歌，非常主观非常狭隘的老登来说，这首歌真的非常棒，他们说黄昏见证虔诚的信徒，巅峰诞生虚伪的拥护。我还是要拥护一下华语歌坛的这首新作，虽然歌词用的是英语。

Spencer Davis 斯宾塞·戴维斯 1942年7月17日 2020年10月21日 斯宾塞·戴维斯出生在二战期间，他爹出门去打仗，万里赴戎机，他是个英国斯旺西的留守儿童，童年时期何以解忧，唯有音乐，在叔叔的指导下学习吹口琴，也目睹了家乡被空袭被毁灭，再长大一些，自然而然地开始热爱大西洋彼岸的摇摆乐、爵士乐和蓝调布鲁斯，这其中首推蓝调音乐，1963年，大学期间的戴维斯招兵买马，组建了斯宾塞·戴维斯乐队（The Spencer Davis Group），他担任乐队的主要创作人员和吉他手，这个乐队很快就和小岛唱片签约，并且取得了很不错的成绩。 很不错的成绩是什么成绩呢，那就是把披头士拉下马，1966年，单曲《继续奔跑》（Keep On Running）在英国排行榜上名列第一，这一年是英国摇滚乐坛的黄金时代，英伦入侵的巅峰期， 披头士滚石谁人奇想神仙打架的年代，斯宾塞·戴维斯乐队能在其中分一杯羹，而且占据了头把交椅，这个很了不起，而且他们并不是昙花一现，是持续输出，包括后续的另一首排行榜冠军《谁来帮帮我》（Somebody Help Me）和《给我一点爱》（Gimme Some Lovin'）这些歌曲。斯宾塞·戴维斯不是主唱更像一个策划人、舵手为乐队提供各种方向，像《继续奔跑》、《我是男人》（I'm a Man）这些歌都不是他们的原创，但通过他的选曲、风格融合和编曲创新，达到了新的高度。 有一点需要强调的是，这个乐队的名字实在是太烂了：斯宾塞·戴维斯乐——这让乐队的其他成员很没有存在感，而斯宾塞·戴维斯自己又不是主唱，当时的主唱史蒂夫·温伍德本身年轻英俊，年轻人有想法，想要追求更具实验性的迷幻摇滚和艺术摇滚风格，那么乐队就散了，斯宾塞·戴维斯被迫单飞，他的单飞生涯并不是很成功，主要原因是乐队生涯太过于出色了，有不可复制性；而斯宾塞·戴维斯所热爱的根源布鲁斯与民谣摇滚已经被视为“过时落伍”，缺乏电台与年轻人的支持；再一点就是，相比较其他单飞艺人，比如埃里克·克莱普顿（Eric Clapton）、洛德·斯蒂沃特（Rod Stewart），他缺乏不可替代的技术或者嗓音、外形条件。 斯宾塞·戴维斯在职业生涯后期，虽然没有太多拿得出手的歌，但作为老前辈，地位摆在那里，本身又在唱片公司担任高管，闲下来和一些老摇滚乐手组乐队玩玩票，悠哉游哉还是很舒服的。回顾往昔，他在摇滚、蓝调音乐的融合和创新上为后来者树立了标准；持续在摇滚乐黄金年代在披头士滚石等一众神仙乐队里虎口夺食，但后继乏力，单飞后没有成为万人瞩目的摇滚巨星，世有伯乐，然后有千里马，他自己就是伯乐，却没有成为千里马，实在是让人扼腕叹息啊。 本期选曲 Love Is On A Roll Keep On Running（The Spencer Davis Group） I'm a Man（The Spencer Davis Group） Crossfire Mistakes

Carl Perkins 卡尔·帕金斯 1932年4月9日——1998年1月19日 卡尔·帕金斯做梦也想不到写了经典名作《蓝色麂皮鞋》多年以后，在中国有个网红弄了个和他异曲同工的梗：英雄可以受委屈，但你不能踩我的切尔西。我虽然不忍心说流行文化不分低俗和高雅，但也怀疑帕金斯老师可能会不太高兴——山区摇滚之王，吉他大师，卡尔·帕金斯，1932年4月9日出生，1998年1月19日去世。 1932年，卡尔·帕金斯出生在田纳西州，家境贫寒但热爱音乐，硬要说音乐的启蒙，只能归到妈妈破旧的踏板风琴和田里黑人的劳动号子，以及在午夜电台里听到的汉克·威廉姆斯（Hank Williams）的乡村乐和豪林·沃夫（Howlin' Wolf）的蓝调布鲁斯，他自然而然把两种不同的音乐结合在一起，用蓝调节奏演绎乡村歌词，用电吉他唱出白人的福音歌声。1954年，22岁的卡尔·珀金斯已是以乡村和西部音乐为业的歌手了，这一年，他在电台听到了猫王（Elvis Presley）的 《没关系》（That's All Right），醍醐灌顶，一颗流弹打中他的胸膛，这一刻美国南方音乐的三大流派——山地布吉（Hillbilly Boogie）、乡村西部（Country and Western）和节奏蓝调（Rhythm and Blues）在他心中完全融合，而帕金斯本就在朝这个方向探索，于是直奔猫王所在的孟菲斯太阳唱片（Sun Records），向老板兼制作人山姆·菲利普斯（Sam Phillips）毛遂自荐。 我们听到的这首《电影杂志》（Movie Magg），是卡尔·帕金斯在1954年写的歌，轻松加愉快，典型的乡村音乐风格，混合了蓝调吉他的独奏。说卡尔·帕金斯是猫王的模仿者，这个肯定是不对的，猫王的成功确实激发了珀金斯前往太阳唱片试音，但两人在创作上各具特色：珀金斯更注重原创性，偏粗犷的山区摇滚（Rockabilly），猫王则更注重舞台表现力和流行化，只能说是一时瑜亮。卡尔·帕金斯在太阳唱片很快就站稳了脚跟，甚至和一众大佬组了个乐队叫“百万美元四重奏”（Million Dollar Quartet），为什么叫这个名字呢，因为这个组合的其余成员是猫王、杰瑞·李·刘易斯（Jerry Lee Lewis）、约翰尼·卡什（Johnny Cash），都号称是财富自由的人，你看，资本主义国家的艺术家就是这么肤浅，一切向钱看，我们连着来听两首歌：《你的真爱》（Your True Love）和《火柴盒》（Matchbox），尤其要推荐《火柴盒》，这首歌借用了蓝调艺术家马雷尼和盲人莱蒙·杰佛逊（Ma Rainey and Blind Lemon Jefferson）的一些歌词和短句，以杰瑞·李·刘易斯的钢琴铺底，布鲁斯风格的吉他加极简器乐配置为特色，这种风格既是珀金斯的个人特色，也是山区乡村摇滚乐的典型特征。 1955年，卡尔·珀金斯编写、录制并发行了他最著名、最畅销的单曲，他唯一一首冠军单曲《蓝色麂皮鞋》（Blue Suede Shoes），它凭借快速的节奏、激情的吉他独奏、表演者的狂野活力，以及著名的开场白“一为钞票二为登场预备好冲吧，靓仔，冲！”成为了早期摇滚乐的标志性歌曲，也被公认为史上首支正式发行的山区摇滚单曲。《蓝色麂皮鞋》让世界看到了卡尔·珀金斯独特的乡村音乐、蓝调、流行音乐和摇滚乐的结合，而且在黑人和白人观众中都很受欢迎，他不仅是首位打入以黑人为主导的节奏布鲁斯排行榜的白人乡村歌手，从披头士到猫王，从埃里克·克莱普顿到黑色安息日乐队，横跨摇滚、金属、民谣等不同流派的殿堂级音乐人都曾翻唱此曲，至今都是传唱不衰。 但是，我们总是要说但是，这个时代的气运之子是猫王，其他差不多同类型的歌手总是在关键时刻掉链子，1956年3月，《蓝色麂皮鞋》正在横扫各大榜单，卡尔·珀金斯在前往纽约参加电视节目的途中遭遇车祸，导致巡演和宣传暂停，错失了进一步成名的机会。而猫王在这个时候接过了《蓝色麂皮鞋》的流量，他也翻唱了这首歌，不再局限于电台，他通过电视和电影迅速崛起，迅速超越珀金斯的原版，流量爆炸了。回到我们之前说的，猫王最终凭借外形、舞步和商业运作成为了文化偶像，珀金斯则更专注于音乐本身，风格偏向根源化。在这一年，康复后的卡尔·珀金斯发行了《波普蓝调》（Boppin’ the Blues），这首单曲非常罕见地同时跻身乡村西部与流行音乐双榜，相比他以往的作品更凸显摇滚基因，堪称从乡村歌手蜕变为摇滚巨星的转折点，他和猫王也在这个节点上各自奔向自己选择的终点。 卡尔·珀金斯在离开太阳唱片后，一度想要复刻《蓝色麂皮鞋》，但并不是很成功，反倒是参加老朋友约翰尼·卡什的电视节目获得了广泛的全国曝光，尽管新一代音乐起来之后他就靠边站了，但作为老艺术家，还是很受推崇，而且他的歌一直都在被翻唱，尤其是英伦入侵时期的乐队。其中以披头士乐队（The Beatles）翻唱的最多。在1970年代末新浪潮风潮后掀起的山区摇滚复兴中，他也再次受到乐迷追捧。1996年，真正的老艺术家卡尔·珀金斯，在去世前两年发行了最后一张专辑《冲吧，靓仔，冲！》（Go Cat Go!），他和保罗·西蒙、披头士成员乔治·哈里森、林格·斯塔尔，以及邦妮·瑞特、威利·纳尔逊等跨流派音乐人合作，专辑收录了他的经典曲目《蓝色麂皮鞋》、《火柴盒》的新编版本，在音乐风格上把传统山区乡村摇滚与90年代另类摇滚元素相融合，算是给他的音乐生涯画上了一个与时俱进的句号。作为先驱，卡尔·珀金斯以原创性和音乐融合能力为山区摇滚奠定了基础，他教会了摇滚乐如何跳舞，如何哭泣，如何永不褪色。 本期选曲 Birth Of Rock And Roll Tennessee Movie Magg Your True Love Matchbox Blue Suede Shoes Boppin’ the Blues Go Cat Go!

Stan Getz 斯坦·盖茨 1927年2月2日 1991年6月6日 爵士乐大师斯坦·盖茨1927年出生在费城，从小一身反骨，好在有音乐陪伴，听了很多古典音乐，为他的审美和想象力打下了基础，11岁在学校练习萨克斯——这会不会让你想到美国动画片《辛普森一家》的丽莎·辛普森。和丽莎演奏萨克斯时出现的破音、跑调和漏气声不同，斯坦·盖茨的技术在一年后就已登堂入室，他喜欢莱斯特·杨（Lester Young）慵懒而优雅的音色，并以此进行模仿。但另一方面，性格顽劣，孤僻叛逆的一塌糊涂，15岁就因为逃学被开除，业余爱好迅速变成了谋生手段，斯坦·盖茨谎报年龄参加了杰克·蒂加登（Jack Teagarden，路易斯·阿姆斯特朗“全明星”乐队成员）的大乐队，和一群老油条混在一起，接触到了更多的音乐类型和编曲风格。 1947年，当了一年兵的斯坦·盖茨，因为违反纪律再一次被体制踢出了游戏，相继被学校和军队抛弃，和他的性格有很大的因果，对20岁的他而言是巨大的挫折，这段经历被认为是之后滥用药物和情绪失控的起源，这一年他加入了伍迪·赫尔曼（Woody Herman）的“第二暴风军团”乐队，组成了传奇的“四兄弟萨克斯组”（Four Brothers）。这一组合以轻快流畅的萨克斯合奏闻名，打破了传统大乐队的繁重编排。1948年，他21岁的时候，成名了，这一年斯坦·盖茨在乐队的《初秋》（Early Autumn）中贡献了一段极具诗意的独奏，这成了他的标志性作品——如秋风般清澈忧郁的独奏让他一跃成为爵士新星。 有人说《初秋》这个作品开启了酷爵士（Cool Jazz）的时代。斯坦·盖茨甚至在曲中隐喻了自己青春与成熟交织的生命状态。成熟不成熟我们不说，艺术家该有的毛病他全部都有了，因为彼时乐队每天都在演出，工作强度大，他开始依赖酒精和毒品缓解巡演压力，加上天生的坏脾气，很快就和伍迪·赫尔曼闹翻开始了单飞生涯，这一次是真的放飞自我，彻底沉浸在酒精和毒品中，而在音乐上，斯坦·盖茨组建了自己的乐队，也和各路大神交流合作，渐渐成为了西海岸冷爵士代表。请注意，他取得的成就是建立在多次因为药物问题中断音乐事业的基础上的，如果没有酒精和毒品他可能能取得更高的成就。这段时间他的代表作是1955年发表的《斯坦·盖茨演奏集》《Stan Getz Plays》，这张专辑收录了他标志性的抒情旋律与即兴演奏，展现了酷爵士的优雅特质。我们来听1930年的名曲《掌上流年》（Body and Soul），这是一首爵士标准曲，也被查特·贝克（Chet Baker）、阿特·塔图姆（Art Tatum）这些传奇音乐家演绎过，我觉得斯坦·盖茨的演绎最符合当今文艺青年的腔调，有点儿温暖抒情，有点儿村上春树。 斯坦·盖茨个人演艺生涯的巅峰时期在1960年代，他和巴西音乐家合作，把巴萨诺瓦音乐引入到美国，尤其是和若昂·吉尔伯托（ Joao Gilberto）、阿斯特鲁德·吉尔伯托（Astrud Gilberto）的合作，那首著名的《伊帕内玛的女孩》（The Girl From Ipanema）成了巴萨诺瓦的国歌。1964年发行的专辑《盖茨和吉尔伯托》（Getz/Gilberto）为他获得了格莱美年度专辑奖。巴萨诺瓦算是酷爵士的分支，斯坦·盖茨的目光非常敏锐，凭借商业嗅觉和音乐才华将巴萨诺瓦推向世界，但又因为性格太过于强势，利益分配不均和文化差异与两位巴西艺术家分手。我个人觉得他情商可能确实不太高，这大概是恃才傲物、完美主义的艺术家的通病。 《盖茨和吉尔伯托》成功后，斯坦·盖茨在很长一段时间发行的作品都被认为在复刻这张专辑，过度依赖这一风格，缺乏早期冷爵士时期的艺术的锐气，的确，既要在巴萨诺瓦热潮中创作畅销金曲，又要在先锋爵士领域保持探索精神，既要又要想要又当又立，强如斯坦·盖茨也无法做到，这也是他后期被诟病未能突破自我的缘故。其实，斯坦·盖茨在70年代后开始转向融合爵士，也出了一些不错的作品，但还是被认为过于注重旋律的悦耳性，牺牲了爵士乐的实验精神，总而言之，就是业内公认他天赋异禀却自毁长城，没有达到迈尔斯·戴维斯的高度，1991年，斯坦·盖茨64岁肝癌去世，这让人想起了武侠小说作家古龙，人生和作品也是被长期的酗酒所拖累，两人都是天才，而斯坦·盖茨还要再加个毒品，尽管这位音色之神有各种坏毛病，但是，在业务能力上无可非议，他音色里的温暖和抒情，在丝绸般光滑的演奏里即兴的样子，是其他吹鼓手永远都无法企及的。 本期选曲 Summertime Early Autumn Body and Soul Desafinado I Remember You Corcovado (Tokimonsta remix)

1963年12月，39岁的黛娜·华盛顿死在底特律的家里，死因是镇静剂和酒精服用过量。 黛娜·华盛顿出生在美国阿拉巴马州，成长于芝加哥贫民窟，妈妈是教会的钢琴师，不管你在什么阶层，做二代都是延续生命的最佳途径，黛娜·华盛顿也是一样，从小就开始传承她妈妈钢琴技巧，浸泡在福音音乐里，还没上幼儿园就开始给上帝打工唱福音了，15岁的时候，她决定带着自己的天赋和10多年的现场演出的技巧和经验跳槽去去爵士酒吧驻场打工，她的妈妈虽然不太高兴，但黛娜·华盛顿脾气非常倔强，一手拿着苹果一手拿着命运，就此开始自己的蓝调之旅。 1943年，黛娜·华盛顿第一首热门单曲《坏女孩布鲁斯》（Evil Gal Blues）上线，3分钟不到的歌，前奏占了一半，但也展示了她通过声音传达原始情感的能力。歌词部分其实没什么多大的花头，经典的布鲁斯自嘲，幽默中带一点反抗，是蓝调音乐的经典叙事手法，但性别进行了更换，就有一点噱头，现在来听，可以看作是女性自我赋权的符号，但在1940年代唱这首歌还是要巨大的勇气的，不过黛娜·华盛顿从来就是彪悍的人生不需要解释，离婚都可以离7次，更不会顾及艺术作品中的挑衅和冒犯，而机会刚好是留给这种敢于冒天下之大不韪的人，黛娜·华盛顿借势而起，一首接一首发表自己的经典，我们来听她的巅峰之作，1959年发表的作品《一日之间》（What a Difference a Day Makes） 《一日之间》这首歌，是黛娜·华盛顿的标志性歌曲，她把自己的声音和当时流行音乐典型的华丽管弦乐相融合，在个人荣誉上为她获得了格莱美最佳节奏布鲁斯表演奖，也确保了她己在美国流行音乐殿堂中的地位。虽然她有着蓝调女王的称号，但并不是只限于蓝调音乐，爵士乐、流行乐、R&B都有参与，所以说尽管出身于福音音乐，起步于爵士音乐，但因为尝试了不同的音乐风格，在种族隔离时代成功跨越爵士、蓝调与流行音乐市场，影响到了艾瑞莎·富兰克林、埃塔·詹姆斯、妮娜·西蒙，甚至和我们同时代的艾米·怀恩豪斯、阿黛尔。但尽管黛娜·华盛顿的职业生涯非常成功，个人生活却充满了挣扎。除了之前说过离婚7次的动荡的感情生活，她一直在和酒精毒品作斗争，1963年，在她职业生涯的巅峰时期，就因为药物过量去世。真正的传奇当然不在意陨落的姿态，但她在弥留之际，不知道是否会想起那个芝加哥贫民窟里，偷喝威士忌、把福音诗篇改成叛逆布鲁斯的坏女孩呢? 本期选曲 Cry Me A River (Truth & Soul Remix) Evil Gal Blues What a Difference a Day Makes Smoke Gets In Your Eyes

这首歌诞生于滚石乐队创作力最旺盛的时期，彼时主唱米克·贾格尔（Mick Jagger）28岁，吉他手基思·理查兹（Keith Richards）27岁，他们刚创办自己的唱片公司，全面掌控艺术自主权，渴望发声，在1971年发行了专辑《黏手指》（Sticky Fingers），《棕色糖果》是其中的扛鼎之作。它是极具争议但又被公认为经典的摇滚作品，展现了乐队在音乐上的巅峰创造力，基思·理查兹强烈的、简单的、充满攻击性的吉他连复段贯穿全曲，萨克斯狂野不羁的独奏和米克·贾格尔戏谑与挑衅的嗓音交相辉映。歌词内容因为涉及到奴隶制、毒品和性引发了持久的讨论，但无论如何，它呼应了70年代摇滚文化中纵欲与反叛的主题，用经典的摇滚乐结构包裹最尖锐的社会议题，以暴烈的演奏和暧昧的歌词挑战听众的道德底线，重塑了乐队“坏小子”的形象，也巩固了与披头士分庭抗礼的乐坛地位。正如村上春树在《青春的舞步》里写的一样：我已驱车跑出很远。途中我打开“滚石”的《褐色砂糖》，听得我不由一阵欣喜，这才是正经音乐，这才叫地道。 “一首歌的三种味道”：分别是Corcovado Frequency的版本，选自以Bossa Nova风格重新演绎滚石乐队作品的《Bossa n' Stones》，另一个版本来自摇滚大嘴Steven Tyler，美国传奇摇滚乐队 Aerosmith（空中铁匠）主唱的版本。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第491位 达斯蒂·斯普林菲尔德《爱不必言》 Dusty Springfield-You Don't Have To Say You Love Me 1966年，英国白人灵魂乐女王在美国黑人俱乐部偷师学艺后回到老家，为英伦音乐入侵美国做准备。备战期间，选择了意大利流行歌曲进行翻唱并施展了点石成金术。这首先是一首简单的情歌，主歌副歌ABAB的结构，但在编曲上引入了恢弘的交响乐。歌词方面，从“你无须说你爱我，只要牵紧我的手”这种以退为进的虐恋心理入手，绞杀每一个听众心里的备胎情节。彼时的女歌手基本都是甜蜜的柔弱的，而达斯蒂·斯普林菲尔德的演唱，融合了灵魂乐的即兴张力与古典声乐的控制力，以她当时还暂未显露的表演型人格障碍，加上强烈的戏剧化嗓音，演绎了一种近乎“卑微却执拗”的情绪，这是最华丽的音乐形式，亦是最脆弱的痛苦表达——你能从她的歌声中，找到共鸣吗？

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第492位, 杰克逊·布朗《虚空疾驰》。 1965年，杰克逊·布朗17岁，奔跑在美国101公路上，空虚而迷茫，不知目的在何方。人类探索世界往往迷失在第一步，不知道自己的定位，嬉皮时代的青年更是如此，第二年，他放弃了加州大学的录取通知书，去纽约担任调音师。1971年，他和老鹰乐队的格列·弗雷共同创作名曲《放轻松》的时候，依旧在思考人生、公路、自由和方向，并以此为支点，写了一些《给亚当的歌》(Song for Adam)之类的公路歌曲，到1977年，29岁的杰克逊·布朗已经成长为婴儿潮一代民谣摇滚代言人，这一年的巡演途中，他写下了这首《虚空疾驰》，歌曲名字更直白一点的意思是：在油量耗尽的时候奔跑。是啊，人生行路难，虽说长风破浪会有时，但更多的时候却是拔剑四顾心茫然。1977年的布朗老师提出了三个问题： 1、 “在路上”是自由的象征，但是，没有油怎么办？ 2、作为牛马，油箱见底，却不得不继续奔跑是否会感到倦怠？ 3、西西弗斯式奔跑的意义是什么？ 这些问题充满了自由与孤独、激情与虚无，但是，永远没有答案。 “一首歌的两种味道”：来自美国独立摇滚音乐人Bob Schneider的版本，选自2014年发行的致敬合辑《Looking Into You: A Tribute To Jackson Browne》

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲 排名第493位 水晶合唱团-他予我深情一吻 The Crystals-Then He Kissed Me 《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第493位，水晶合唱团《他予我深情一吻》。 水晶合唱团是1961年在纽约布鲁克林成立的美国著名女子合唱组合，和现在的偶像团体是不一样的：一个是经营作品，一个是运营偶像。该组合与菲尔·斯佩克特，也就是后来披头士乐队唱片制作人创立的菲勒斯唱片签约，目标定在青少年市场，以甜美无害的女性形象出现。音乐上基本不用管词曲编曲，她们主要贡献人声，属于音乐工业流水线上的一部分——这样说有点刻薄，但当年21岁的菲尔·斯佩克特可能就是这么考虑的。水晶合唱团的音乐革新主要表现在编曲上：密集的弦乐、打击乐、和声层叠，这就是通过层层叠加乐器与人声，当时新兴的“声墙”技术。《他予我深情一吻》，融合了流行和灵魂乐的律动，歌词方面，从以第一人称叙述清纯少女从初遇、约会到接受求婚的纯爱故事，是1960年代最具代表性的少女情歌。 “一首歌的三种味道”：首选的翻唱版本是来自地下丝绒乐队怪咖鼓手莫琳·塔克(Maureen Tucker)，她在1991年的专辑《I Spent a Week There the Other Night》翻唱了这首歌，没有一个热爱地下丝绒的朋友可以拒绝它。第二个版本来自KISS乐队，选自四位创始合伙人完成的最后一张完整专辑《Love Gun》。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第494位 老鹰乐队-亡命之徒 The Eagles-Desperado 1973年，前卫摇滚和硬摇滚正在主导市场，这一年，平克·弗洛伊德（Pink Floyd）发行了《月之暗面》（The Dark Side of the Moon），齐柏林飞艇（Led Zeppelin）发行了《神圣殿堂》（Houses of the Holy），这些作品宏大、恢弘、前卫，同时也在销量上体现了超级乐队的市场统治力，全世界都模仿他们的时候，刚告别菜鸟赛季的老鹰乐队以独特的诗性的叙事风格另辟蹊径，发表了第二张专辑《亡命之徒》（Desperado），专辑以西部亡命之徒为隐喻，探讨自由、孤独与责任的矛盾，通过《亡命之徒》（Desperado）、《龙舌兰日出》（Tequila Sunrise）、《法外狂徒》（Outlaw Man）这些作品，构建了一个关于“逃离与救赎”的主题，专辑的同名歌曲《亡命之徒》在其中最具代表性，创作灵感来自美国西部片与作家史蒂夫·杨（Steve Young）的诗歌。由于和第一张专辑乡村摇滚轻松风格有差异，且它的黑暗主题与叙事性让部分听众难以接受，当年打榜成绩并不出色，但时间进度条的推进，却越来越受欢迎，成为了不朽的经典。歌曲由老鹰乐队的双子星格列·弗雷（Glenn Frey）和唐·亨利（Don Henley）创作，唐·亨利略带沙哑的嗓音映衬在钢琴与弦乐中，让人百听不厌。华语地区的听众，我们在黄舒骏的《改变1995》中听到它，而更多的朋友，大概是通过1994年老鹰乐队重组后发行的现场专辑《冰封地狱》（Hell Freezes Over）。往前一步是黄昏，退后一步是人生，翻过歌词，我们不是亡命之徒，但心有戚戚，进退同途。 “一首歌的两种味道”：黑衣人约翰尼·卡什（Johnny Cash）在职业生涯晚期推出的“美国”系列，旨在成为原唱粉碎机，以自己的方式重塑经典，此版本的《Desperado》选自他生前的最后一张"美国系列"《American IV: The Man Comes Around》（2002）。彼时的卡什饱受健康问题困扰，并经历了妻子琼·卡特（June Carter）的离世。他的演绎在编曲上做“减法”，以简单吉他和钢琴伴奏，凸显歌词中的忏悔与反思，配上他标志性的嗓音更有一种暮年回望的悲悯。

《Beyond IV》是Beyond加入宝丽金旗下新艺宝唱片公司之后的第二张专辑，也是他们的第五张专辑，但是，他们命名为“IV”，想必是没有把那张独立出版的《再见理想》算进去，出版专辑前他们做了一场史无前例的演唱会：1988年10月15、16日在北京首都体育馆的专场演出，由于唱的都是粤语歌，现场效果并不好，即使他们唱了当时大陆摇滚乐的金曲《一无所有》，也因极度不标准的普通话引起了嘲笑，黄家驹在谢幕时说：二十年后，我们一定会再一次回来。可惜，Beyond并没有坚持到2008年。 《Beyond IV》的第一首歌是他们最最最脍炙人口老少咸宜的《真的爱你》，华语的摇滚乐，原来也是可以是充满着亲情的爱的，儒家文化中的“发乎情，止乎礼”塑造了中国人“爱你在心口难开”的情感模式，尽管摇滚艺术家更愿意抒发自己的的情感，但涉及到亲情，尤其是在表达的时候也还是比较内敛一些，张楚的《姐姐》，舌头乐队的《妈妈一起飞吧》， 苏紫旭《混乱之子》，基本都充满着矜持的距离感或者是控诉式的表达。而真的爱你这样的赋比兴，是非常的少见的："无法可修饰的一对手，带出温暖永远在背后"到"沉醉于音阶她不赞赏，母亲的爱却永未退让"的赋；"春风化雨暖透我的心，一生眷顾无言地送赠"的比，再到最后直抒胸臆，“请准我说声真的爱你”的兴。这首歌是自上一张专辑的《再见理想》之后，乐队四人再度合唱的作品，作品的流行程度不再赘述，几十年以后，它已在音乐平台成为大家向母亲的告白之墙。我们要听到的下一首是黄家强主唱的《我有我风格》，它更贴近当时的香港主流，黄家强唱的像是一个在舞台上戴着墨镜卖弄风骚的小歌星，也有评论说是反差萌，我觉得又土又好听，大家可以感受一下。 《曾是拥有》是典型黄家驹私人化的情歌风格，写的是面对感情逝去时的遗憾与释然，据说创作源是和前女友林楚麒的爱情故事，这个事情怎么说呢，结合现在的新闻来看，时间留下了美丽和一片狼藉。不说八卦，继续听歌，下一首《原谅我今天》是黄家驹作曲，黄贯中作词并演唱，从技术上来讲这首歌非常简单，早年许多吉他教材上都有它，但是编者只选择了其中的皮毛，整首歌的旋律和编曲配合的相当完美，信手拈来的RIFF、叶世荣的鼓，一点点把气氛烘托上去，包括黄家强的贝斯线，第二段的过门也是非常漂亮。 《逝去日子》是刘卓辉和黄家驹的再一次合作，在一开始是刘卓辉介绍陈健添去看Beyond的演出，然后陈健添成了Beyond的老板又介绍刘卓辉给他们写歌词。刘卓辉和Beyond的合作，每张粤语专辑最多也就一两首，因为四子写粤语歌词没什么问题，只有发行国语专辑的时候，才会大批量交给刘卓辉去写，虽然粤语歌词他写的不多，拓展市场的目的性却很强，包括这首《逝去日子》，但是，Beyond开拓市场唱流行歌，并不是最终的目的，而是为了向整个市场、向唱片公司要求得到更多的表达权，这个勉强可以叫做“曲线救国”吧。这张专辑中，Beyond在保证了市场，写出了那些Beyond特有的市场化相当高的歌曲后，坚持把摇滚乐以捆绑销售的形式硬性派送出来，像《爆裂都市》，黄贯中担纲创作，黄家驹主唱，硬朗的节奏，快速拨弹三连音，把爆裂的气势展露的淋漓尽致，黄贯中的创作才华在这个时候，基本上算是开了窍，我们将在之后的专辑中，听到他更完美的作品。 《Beyond IV》发行于1989年7月，在这之前，Beyond还发行了两张唱片：《四拍四》和《黑色迷墙》电影原声，前者收录的是一些老歌的混音版，后者是Beyond为电影创作的原声音乐，这也是Beyond第一次进行这样的尝试，《午夜迷墙》作为电影的同名主打歌，后来也被收入《Beyond IV》这张专辑。乐队从组建到1989年发行《Beyond IV》一共过去了6年，这六年，他们做出了很多努力、很多牺牲、很多改变，慢慢杀进了主流音乐圈，这张专辑中，黄家驹自己担任主唱的歌只有四首，其余六首歌，黄贯中三首，黄家强两首，《真的爱你》是四个人一起唱的，作为主唱和队长，黄家驹真的是非常的无私，而乐队的成员，在黄家驹的带领下也释放出了自己的才华，我们这里要着重介绍的是叶世荣作词，黄贯中作曲并且演唱的《最后的对话》，这首歌的后半部分是纯音乐，前面则是非常动听的歌唱。这首被放在专辑最后的歌，又是Beyond在主流和非主流间寻找平衡点的结果。当然这个尝试并不是很成功。 《Beyond IV》继上一张专辑《秘密警察》之后，再一次创造了唱片双白金的销量。我们可以想象的出这里面，一支摇滚乐队和一个唱片公司之间的这种相互妥协、相互利用——这个词真的不愿意用，但事实上就是这样子，我甚至可以认定，专辑的名字《Beyond IV》就是唱片公司要求的——他们根本就不承认Beyond之前独立发行的《再见理想》专辑。总的来说，此时黄家驹的乐队已经勉强算得上是功成名就了，但是在艺术上的探索和追求，却从未放弃过。

《Beyond IV》是Beyond加入宝丽金旗下新艺宝唱片公司之后的第二张专辑，也是他们的第五张专辑，但是，他们命名为“IV”，想必是没有把那张独立出版的《再见理想》算进去，出版专辑前他们做了一场史无前例的演唱会：1988年10月15、16日在北京首都体育馆的专场演出，由于唱的都是粤语歌，现场效果并不好，即使他们唱了当时大陆摇滚乐的金曲《一无所有》，也因极度不标准的普通话引起了嘲笑，黄家驹在谢幕时说：二十年后，我们一定会再一次回来。可惜，Beyond并没有坚持到2008年。 《Beyond IV》的第一首歌是他们最最最脍炙人口老少咸宜的《真的爱你》，华语的摇滚乐，原来也是可以是充满着亲情的爱的，儒家文化中的“发乎情，止乎礼”塑造了中国人“爱你在心口难开”的情感模式，尽管摇滚艺术家更愿意抒发自己的的情感，但涉及到亲情，尤其是在表达的时候也还是比较内敛一些，张楚的《姐姐》，舌头乐队的《妈妈一起飞吧》， 苏紫旭《混乱之子》，基本都充满着矜持的距离感或者是控诉式的表达。而真的爱你这样的赋比兴，是非常的少见的："无法可修饰的一对手，带出温暖永远在背后"到"沉醉于音阶她不赞赏，母亲的爱却永未退让"的赋；"春风化雨暖透我的心，一生眷顾无言地送赠"的比，再到最后直抒胸臆，“请准我说声真的爱你”的兴。这首歌是自上一张专辑的《再见理想》之后，乐队四人再度合唱的作品，作品的流行程度不再赘述，几十年以后，它已在音乐平台成为大家向母亲的告白之墙。我们要听到的下一首是黄家强主唱的《我有我风格》，它更贴近当时的香港主流，黄家强唱的像是一个在舞台上戴着墨镜卖弄风骚的小歌星，也有评论说是反差萌，我觉得又土又好听，大家可以感受一下。 《曾是拥有》是典型黄家驹私人化的情歌风格，写的是面对感情逝去时的遗憾与释然，据说创作源是和前女友林楚麒的爱情故事，这个事情怎么说呢，结合现在的新闻来看，时间留下了美丽和一片狼藉。不说八卦，继续听歌，下一首《原谅我今天》是黄家驹作曲，黄贯中作词并演唱，从技术上来讲这首歌非常简单，早年许多吉他教材上都有它，但是编者只选择了其中的皮毛，整首歌的旋律和编曲配合的相当完美，信手拈来的RIFF、叶世荣的鼓，一点点把气氛烘托上去，包括黄家强的贝斯线，第二段的过门也是非常漂亮。 《逝去日子》是刘卓辉和黄家驹的再一次合作，在一开始是刘卓辉介绍陈健添去看Beyond的演出，然后陈健添成了Beyond的老板又介绍刘卓辉给他们写歌词。刘卓辉和Beyond的合作，每张粤语专辑最多也就一两首，因为四子写粤语歌词没什么问题，只有发行国语专辑的时候，才会大批量交给刘卓辉去写，虽然粤语歌词他写的不多，拓展市场的目的性却很强，包括这首《逝去日子》，但是，Beyond开拓市场唱流行歌，并不是最终的目的，而是为了向整个市场、向唱片公司要求得到更多的表达权，这个勉强可以叫做“曲线救国”吧。这张专辑中，Beyond在保证了市场，写出了那些Beyond特有的市场化相当高的歌曲后，坚持把摇滚乐以捆绑销售的形式硬性派送出来，像《爆裂都市》，黄贯中担纲创作，黄家驹主唱，硬朗的节奏，快速拨弹三连音，把爆裂的气势展露的淋漓尽致，黄贯中的创作才华在这个时候，基本上算是开了窍，我们将在之后的专辑中，听到他更完美的作品。 《Beyond IV》发行于1989年7月，在这之前，Beyond还发行了两张唱片：《四拍四》和《黑色迷墙》电影原声，前者收录的是一些老歌的混音版，后者是Beyond为电影创作的原声音乐，这也是Beyond第一次进行这样的尝试，《午夜迷墙》作为电影的同名主打歌，后来也被收入《Beyond IV》这张专辑。乐队从组建到1989年发行《Beyond IV》一共过去了6年，这六年，他们做出了很多努力、很多牺牲、很多改变，慢慢杀进了主流音乐圈，这张专辑中，黄家驹自己担任主唱的歌只有四首，其余六首歌，黄贯中三首，黄家强两首，《真的爱你》是四个人一起唱的，作为主唱和队长，黄家驹真的是非常的无私，而乐队的成员，在黄家驹的带领下也释放出了自己的才华，我们这里要着重介绍的是叶世荣作词，黄贯中作曲并且演唱的《最后的对话》，这首歌的后半部分是纯音乐，前面则是非常动听的歌唱。这首被放在专辑最后的歌，又是Beyond在主流和非主流间寻找平衡点的结果。当然这个尝试并不是很成功。 《Beyond IV》继上一张专辑《秘密警察》之后，再一次创造了唱片双白金的销量。我们可以想象的出这里面，一支摇滚乐队和一个唱片公司之间的这种相互妥协、相互利用——这个词真的不愿意用，但事实上就是这样子，我甚至可以认定，专辑的名字《Beyond IV》就是唱片公司要求的——他们根本就不承认Beyond之前独立发行的《再见理想》专辑。总的来说，此时黄家驹的乐队已经勉强算得上是功成名就了，但是在艺术上的探索和追求，却从未放弃过。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲 排名第495位 斯莫基·罗宾逊与奇迹乐队《货比三家》 Smokey Robinson & The Miracles-Shop Around 《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第495位,来自摩城王子斯莫基·罗宾逊AKA烟鬼·罗宾逊的经典《货比三家》。 歌曲由斯莫基·罗宾逊和摩城唱片的老板贝利·高迪共同创作，它融合了节奏布鲁斯、灵魂乐与现代流行旋律，以轻快的节奏、跳跃的贝斯线和无处不在的和声为特色，斯莫基嗓音里少年的灵动和长辈的沧桑感是整首歌的灵魂。单曲上线后销量迅速破百万，当年登顶R&B榜第一，流行榜第二，是斯莫基·罗宾逊音乐事业的转折点，也活生生地把把摩城唱片从底特律的小厂牌拉到了全球音乐工厂。斯莫基老师把黑人音乐的情感深度与流行的感染力相结合，通过丝滑的假声和感性的演绎打造出来的“摩城之声”，将黑人音乐推向主流的白人市场，为之后戴安娜·罗斯、马文·盖伊的崛起铺平了道路。歌词讲述的是恋爱和婚姻的建议，但因为没有涉及到具体的彩礼问题，相比较现代社会婚恋观，还是太过于理想主义了 ^ ^ 本期开始，结尾加一首相对应主题的翻唱歌曲，我称之为“一首歌的两种味道”。这次为你推上的是美国传奇乡村音乐歌手，当代乡村和民谣音乐领域最具影响力的艺术家之一，埃米卢·哈里斯（Emmylou Harris）的版本。歌曲选择哈里斯的现场专辑《The Boarding House, San Francisco, November 28th, 1975》，她职业生涯早期凭借这场演出从新星蜕变为乡村音乐传奇。