这首歌作为历史的一个切片，有人说算纪实报道，文学性实在是差了一点，歌词的第一句：我们一群人去了蒙特勒，在日内瓦湖畔集合，想要借一辆移动录音室来录制新专辑——作为摇滚乐殿堂里的神作，这个语气语调，实在是和我们平时发个朋友圈差不多。 时间拉回到1971年年底，深紫乐队在瑞士蒙特勒，计划使用从滚石乐队租来的移动录音车录新专辑，晚上恰逢弗兰克·扎帕（Frank Zappa）和发明之母乐队在此举办演唱会，乐队成员集体观摩演出的时候，有人（也就是歌词里提到的蠢货）对着木制天花板发射了几支信号弹，瞬间引发大火，虽然没有造成人员伤 亡，但大火吞噬了整个场地，扎帕乐队的设备也被毁于一旦。深紫乐队作为旁观者全程围观了这一切：眼睁睁看着浓烟从燃烧的场地升起，蔓延并覆盖在日内瓦湖的 平静水面上，于是就有了这么一首歌，但作为受害者，当晚的主角弗兰克·扎帕竟然没就这事写首歌，实在是令人意外。 歌词负责冷静叙述，音乐负责情绪爆发。歌词背景解释完毕，我们来说说这首歌最被人称道的吉他RIFF，作为“世界上最著名的吉他RIFF”，对于初学者来说，这是非常有仪式感的经典必弹曲目，而它的经典是来自它的简单，由几个简单的和弦构 成的强力RIFF，没有任何基础的新手也能在短时间内“弹的像那么回事”。而这曲子的音色厚重、失真、充满力量感，当你进入琴行，想要试试能不能弹出那个 音色时，会本能地把音箱的音量开大，然后猛力拨弦......大城市的琴行店员，每天都被笼罩在这几个和弦的巨大回响中，是要崩溃的。所以它被称为是琴行不妙曲 。我们回到音乐的整体部分，吉他RIFF是雷霆万钧之势的开端，踩镲和失真的风琴 声，然后是其余的鼓点、贝司的加入，最后主唱的人声才开始，这里要说一下失真风琴（Hammond C3风琴）的叠加，可能很难听出来，但这个音墙做的是非常好， 我建议你多听几次，事实上整首歌的行进，你的关注度其实一直都在这个几个和弦 里，你甚至都不会记得它有一段极其美妙的吉他独奏。 说到这里，我又要跳回去说一下饱受诟病的歌词，和鲍勃·迪伦比确实差一点文学性 ，但我们来看副歌那句水烟袅袅升腾，火光映红天际“Smoke on the water, fire in the sky”，深紫乐队搭起了一个视觉框架，也就是我前面说的发了个朋友圈， 它不像前卫摇滚那样探讨宇宙哲学，也不需要像民谣那样追求诗意的隐喻，而是几个摇滚乐手在事后喝着酒，跟朋友复述那段离奇的经历，仅此而已。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第427位 U2《新年之日》 U2-New Year's Day 这首歌因为其背负的政治色彩，很难被打上情歌的烙印，而事实上在最初，它是U2主唱博诺（Bono）献给妻子的歌，在排练中他即兴改了歌词，让它有了别的含义：1976年成立的U2，尽管已经发行了专辑和单曲，但并没有找到突破口，几个成员加入了神神叨叨的宗教团体，博诺甚至在录音室里宣扬神要再临世界：情况太复杂 ，现实太残酷了（崔健《时代的晚上》），在乐队走上邪路加入邪教前，博诺终于找到了方向：直白和尖锐的社会议题。 他用歌词支持了当时波兰的一个社会组织， 描绘了一种坚韧不拔、决心克服障碍的精神，以日历翻向新的一年为象征，把节日的庆祝和社会挑战的现实进行了对比：在最黑暗的时代，总有希望迎来更光明的未来。这大概是人类对自由和正义的普遍渴望，要为自己所信仰的事物而奋斗。 这支当时还很年轻的传奇摇滚乐队凭借这首歌，首次在大西洋两岸获得了认可。而U2也渐渐习惯了从社会话题中找歌词灵感，比如下一张专辑他们谈到了马丁·路德· 金（《Pride （In the Name of Love）》），再下一张专辑他们谈到了中美洲战乱（《Bullet The Blue Sky》），话题再回到这首歌，口号和主义当然不是全部歌词，歌曲也有着异常优美的旋律：不知疲倦的贝斯、探寻的钢琴、军鼓美妙清脆的敲击—尽管这不是一首标准的新年歌曲，但酒吧里还是经常有人唱起它，人们抛开歌词，更关心歌里给出的情绪：听天由命、决心和焦虑。

滚石杂志500首最伟大的歌曲排名第428位 米奇·莱德与底特律车轮乐队 《蓝衣俏佳人》/《莫莉真带劲》 Mitch Ryder & The Detroit Wheels - Devil With A Blue Dress On & Good Golly Miss Molly 这首歌算是串烧，把两首当时比较热门的歌融合在一起，它们分别是肖蒂·朗(Shorty Long)的《蓝衣俏佳人》和小理查德(Little Richard)的《莫莉真带劲》， 但是它又和我们刻板印象中的串烧不一样，它不花里胡哨，而是充满了摇滚乐的能量。 米奇·莱德和底特律车轮乐队以“加速的节奏布鲁斯”而闻名，在这首歌里， 鼓手约翰尼·巴丹杰克(Johnny Badanjek)强有力的鼓点提供了动力，吉他手吉姆· 麦卡蒂(Jim McCarty)的演奏简洁而充满爆发力，而我们的主唱米奇·莱德，他的嗓音嘶哑、高亢且充满激情——这种唱法被称为“蓝眼睛灵魂乐”，将白人摇滚的活力与黑人灵魂乐的深情进行了嫁接。应该说不但传递出小理查德的精髓，同时又打造出自己的风格：一首强有力的单曲。米奇·莱德在这首歌里弥合了风格上的鸿沟，也巩固了他在1960年代摇滚创新者殿堂中的地位。 但是，他的经纪人很快就舍弃了底特律车轮乐队，在半推半就下米奇·莱德也开启了单飞生涯，结果我们都知道，不算是太成功。当然作为先行者，荣誉还是跟上的，2005年，米奇·莱德与底特律车轮乐队入选密歇根摇滚传奇名人堂（非克利夫兰的摇滚名人堂）；2009年，他作为个人艺术家再次入选，但是，如果以乐队形式的存在，米奇·莱德与底特律车轮乐队是否可能走的更远呢？ 一首歌的两种味道，听听看，这些歌曲原来的样子。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第429位 所罗门·伯克《人人需有爱》 Solomon Burke-Everybody Needs Somebody To Love 进入新世纪后，很多孩子第一次听到这首歌，应该是来自滚石乐队的精选专辑或说歌单，原作者所罗门·伯克博士似乎已经被人忘记，但你要知道，他确确实实是这首歌的创作者和首唱者。 作为节奏布鲁斯领域的标志性人物，所罗门·伯克也被奉为灵魂乐的奠基者，嗓音浑厚饱满、情感极具张力，再加上富有魅力的舞台表现力，开创了融合福音音乐、节奏布鲁斯与灵魂乐的独特风格。在音乐裁缝遍地的今天，这当然不足为奇，但在遥远的1964年，你不得不把伯克老师请上封神榜。他在录音棚的洗手间里填写了歌词，而曲子的灵感，来自以铜管乐和低音鼓为主的教堂募捐游行曲。作品写完后并不被看好，为了能顺利出版，所罗门·伯克不得不让渡权利，他在歌曲的署名栏写上了两位唱片公司高管的名字——这两位在后来靠版税赚了很多钱。 这首歌最经典的地方，请你仔细聆听，是来回的呼应，传统福音歌曲就是这样，我在高声唱，你们在轻声和，陶醉在沙漠里的小爱河。这给作品增添了丰富的层次感，当然也很考验歌手的掌控力：主唱与和声之间的动态呼应，在现场时，和声往往会转移到观众上，来来回回，其乐无穷。歌曲在当年仅获得流行榜第58名，但因为被滚石乐队和威尔逊·皮克特翻唱，打通了种族和信息壁垒，滚石乐队在早期的巡演中把这首歌定位开场曲，也为所罗门·伯克带来了很多钱，伯克博士这一生一共生了21个孩子，一大半的抚养费来自这首歌的版税。 一首歌的两种味道，当然是来自滚石乐队的版本了。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第430位 冲撞乐队《在哈默史密斯宫的白人》 The Clash - White Man In Hammersmith Palais 1977年6月，冲撞乐队的乔·斯特拉莫以朝圣的心态去伦敦哈默史密斯区综艺馆看一场通宵雷鬼乐演出，结果大失所望，流量明星变成了主角。在这里我们停顿一下，我要说的是，这首歌是音乐风格文化冲突的嘴替，我很能理解斯特拉莫的感受，相当于我去音乐节看摇滚乐队的演出，但舞台被几千个小孩子包围着，台上的说唱歌手又看上去不太聪明的样子。 歌曲从抵达与希望开始，斯特拉莫点名了演出时间后，报出了一连串音乐人名单，宛如一份虔诚的祷告名录：那些 “首次从牙买加远道而来” 的表演者，是他心中的文化图腾。他在歌里引用的四个名字迪林杰（Dillinger）勒罗伊·斯玛特（Leroy Smart）德尔罗伊·威尔逊（Delroy Wilson）肯·布思（Ken Boothe），无一不是当晚演出的牙买加雷鬼音乐黄金时代的先驱，斯特拉莫认为真诚的声音终将被懂得的社群接纳。 但是，希望越大，失望越大，演出转场时都在播放四顶尖合唱团的歌——这个时候，雷鬼还承载着底层人民，尤其是黑人的种族诉求、对贫富差距的批判，是边缘群体的发声工具，而摩城唱片流水线式的流行灵魂乐，早已失去了底层反叛的功能，是取悦大众的消费品。斯特拉莫当时就炸了，非常之不爽，将舞池比作战场，开喷舞台上缺失的反叛精神，从各种肤色的青年到罗宾汉，甚至完成了自我否定——把朋克乐队也攻击了一遍，所有人都在争夺流量，年轻乐队穿着名牌西装，不去考虑艺术的深度，却把反叛精神变成牟利的工具，倒反天罡用豪华轿车去迎接希特勒。歌曲的最后斯特拉莫应该是精疲力竭或者说耗尽了药效，也认清了自己的身份：像当年猫王去黑人教堂聆听福音音乐一样，他也只是一个白人外来者在别人的文化殿堂里寻欢作乐。 是啊，根源音乐的本真和文化消费的共谋。这一切都是精心设计的表演、包装好的人设，连政治立场都成了可以贩卖的标签。万物即可贩卖，任何音乐都会失去原有的色彩，包括这首朋克与雷鬼风格融合的歌曲。最终，你要么愤然离去，要么坦诚面对自己的欲望与局限。从古至今，皆是如此。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第431位 胖子·多米诺《这真丢脸》 Fats Domino - Ain't That A Shame 摇滚乐诞生之初，满是情欲的躁动、喧嚣的嘶吼，还有无政府主义的狂热节奏，胖子·多米诺却显得格格不入：和猫王约会，从开场到散场大抵都囿于彼此的臂弯方寸；和小理查德或杰瑞·李·刘易斯彻夜狂欢，多半会让你锒铛入狱；可要是和胖子·多米诺结伴，你们的行程大概只是一起开开心心吃几块猪排——你要知道，论传递喜悦与欢愉的功力，没人能比得上胖子·多米诺，而对他而言，快乐是与生俱来的本能。 胖子·多米诺的成名法宝其实很简单，钢琴演奏狡黠灵动、悠然自得，将爵士乐与布基伍基风格糅合得天衣无缝；温暖随性圆润的男中音，拖腔转调间仿佛能把一个词唱得九曲回肠。1955年，多米诺创作并且发行的这首歌，被认为是摇滚乐萌芽时期的标志性作品，歌曲采用十二小节布鲁斯和弦进行，钢琴是它的灵魂。多米诺的左手弹奏出连绵起伏的布吉伍吉低音旋律线，构成整首歌的基座；右手则以旋律性的即兴片段与和弦，赋予乐曲灵动的节奏跃动感。高低音区的巧妙交织，营造出驱动身体舞动的强劲动力。虽然他自己的这个版本的最好成绩只在公告牌排名第十。但几个月后发行的，帕特·布恩（Pat Boone）的翻唱版本登上了榜首，他的销量是原版的十倍，并且把这首歌推向了更多的白人听众。而滚石杂志，显然更愿意把这个荣誉送给销量略输一筹的原作者。 《这真丢脸》自发行几个月后就开始被翻唱，70多年过去了，当然有无数个版本。一首歌的两种味道：在任何时候，约翰·列侬的翻唱版本总是有优先权的。我们在音频版加入了列侬谈论这首歌的原声，在此翻译如下： 这首歌对我而言意义非凡。我录制了《Ain't That A Shame》这首作品 —— 其实胖子·多米诺的好多歌我都想翻唱，但最终选了这首，是因为它和我的母亲有关。在我尚未成名时，她就不幸离世了。是她教会我弹班卓琴，也是她给我买了人生中第一把吉他。而《Ain't That A Shame》，正是我学会的第一首歌。 要知道，在摇滚乐诞生之前，在我真正踏入摇滚圈之前，我就翻唱过约翰尼・雷（Johnny Ray）这类歌手的作品，还有当时流行的各种歌曲。但这首歌不一样，它是我第一首既能唱、又能自弹自唱的歌。曲子本身特别简单，或许这就是当初我能学会它的原因。它承载了我太多回忆，我也正是因为这个缘故，才决定把它录下来。 另外，现场版的《这真丢脸》往往会加入更多的即兴编排：多米诺会延长钢琴间奏，与节奏声部默契互动，目的就是让观众也加入进来。还会带动观众参与其中。胖子·多米诺写这首歌的时候大概点满了互动这个技能点。为你推上的是廉价把戏（Cheap Trick）的版本——这也是胖子·多米诺本人最喜欢的翻唱版本。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第432位 格蕾蒂丝·奈特与派普斯合唱团《开往佐治亚州的午夜列车》 Gladys Knight & The Pips - Midnight Train To Georgia 这首歌以一位有情有义的女士的角度出发，讲了一位事业失败即将回家乡佐治亚的男士的故事，这位男士虽然追梦失败，卖掉全身家当才够得上回家的车票，但该女士对他不离不弃，甚至唱出了“我宁愿活在他的世界，也好过我的世界里没有他”这种，现在看来三观不太正确的歌词，我觉得这位男士赌场失意情场得意，还是蛮幸福的。当然，各位打拳的男选手或者女选手也不要太激动，这首关于失败、故乡与无条件接纳的深情情歌，最早的版本，其实性别是颠倒的：原版是一首民谣歌曲，叫《飞往休斯顿的午夜航班(Midnight Plane to Houston)》，讲的是女生去休斯顿，而男生对她誓死追随的故事。 时间拉回到1973年，格蕾蒂丝·奈特带着她的派普斯合唱团决定离开巨星云集的摩城唱片，尽管摩城唱片的创始人贝里·戈迪说：“格蕾蒂丝的歌声堪称一绝，她有着南方人特有的温暖魅力，唱腔中融合了乡村灵魂乐的韵味，还带着福音音乐的感染力。”，但任何时候漂亮的赞美不花钱，唱片销量直接决定你在公司和舞台的地位，在格蕾蒂丝·奈特前面，有诱惑合唱团、四顶尖合唱团，戴安娜·罗斯和至上女声合唱团，她觉得自己是领养的孩子，摩城唱片并没有给予他们太多的关注。宁做鸡头，不做凤尾，七年之痒的合约到期后，他们转投纽约的佛陀唱片。佛陀唱片没有太多钱 ，但更愿意把精力放在他们身上，也愿意让他们有更多的自主权，在这样的情况下，格蕾蒂丝·奈特和派普斯合唱团选择改编吉姆·韦瑟利（Jim Weatherly）的乡村民谣《飞往休斯顿的午夜航班》，歌词改动不大，休斯顿改成佐治亚，飞机改成火车，歌名字改成了《开往佐治亚州的午夜列车》。在编曲上，歌曲叠加了管风琴、铜管乐、弦乐和钢琴，原本温柔舒缓的乡村民谣，摇身一变成为一首气势磅礴的节奏布鲁斯情歌，当然 ，更完美的是格蕾蒂丝和派普斯合唱团之间默契十足的互动演唱，格蕾蒂丝8岁开始就和派普斯合唱团（其实就是她的表兄妹）合作，20多年的磨合期，让这首歌的每一个细节都恰到好处。格蕾蒂丝用带有福音音乐质感的沙哑嗓音奋力演唱，派普斯合唱团用简短的呼应穿插其中，衬托深情，又中和情绪。歌曲最后登顶公告牌百强单曲榜，又斩获格莱美奖 “最佳节奏布鲁斯组合 / 合唱人声表演奖”，获奖的原因大概是感动了众多去美国大城市闯荡失败的凤凰男。 时过境迁，空间转换，在中国，如果你也是去北上广深创业失败的男人，午夜梦回，是否也会想要有这样一位不离不弃的姑娘甘心陪着你坐火车回老家呢？最后多说一句：上世纪70年代初，洛杉矶其实并没有开往佐治亚州的午夜列车。这列火车，仅存在格蕾蒂丝·奈特和派普斯合唱团的歌声里...... 一首歌的两种味道：茜茜·休斯顿（Cissy Houston，惠特尼·休斯顿的老妈）其实是第一个翻唱《飞往休斯顿 的午夜航班》的人，但因唱片公司宣传力度不足，在商业上反响平平。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第433位 齐柏林飞艇乐队《漂泊前行》 Led Zeppelin-Ramble On 这是《滚石》杂志“史上最伟大的500首歌曲”2004版中，第二次出现奇幻童话故事 ，上一次是排名478位杰斐逊飞机的《白兔》( Jefferson Airplane-White Rabbit)——该作品契合了经典童话《爱丽丝梦游仙境》。而这一次是齐柏林飞艇的《 漂泊前行》，两个乐队的名字都是飞行道具，不知是不是巧合。 歌曲选自乐队第二张专辑《齐柏林飞艇2》，彼时乐队已凭借着融合了蓝调、硬摇滚与民谣元素的音乐风格，加上成员们超出常人的演奏技艺，在摇滚乐坛崭露头角 。在巡演途中他们开始创作新专辑，力求勇立潮头，在音乐上有新的突破，在歌词上也想要搞搞新意思。而这个时候，罗伯特·普兰特正非常痴迷托尔金的经典奇幻作品《指环王》，就像二十多年后贾宏声非常痴迷于他一样，罗伯特·普兰特将个人经历与《指环王》的故事交织，把爱情叙事置于奇幻背景中，他描写的“我”， 环游世界是为了 “寻回心中的姑娘”。这位姑娘与他有过一段感情，却被 “咕噜 ” 引诱而离去。“咕噜” 这一角色正是出自《指环王》系列。 通篇歌词读下来，有一种武侠RPG游戏的感觉。当然，它更有着冒险成长与探索生命意义的普世主题。吉米·佩奇为首的器乐部分，作用也很大，他们把一首摇滚乐从简单的结构框架中解放了出来，原声吉他的指弹旋律与电吉他的主音旋律交织错落，无缝衔接，这个强烈的动态对比非常有意思。 总而言之，这首传世名作有着饱满的旋律、精湛的编曲和丰赡的歌词内涵，而这一年，乐队成员吉他手吉米·佩奇25岁，写出这首歌歌词的主唱罗伯特·普兰特才21岁，这是民谣、诗歌、摇滚乐在那个年代的最佳组合。尽管，在80年代后，罗伯特·普兰特自己觉得这个歌词，有一些尴尬和中二。 这首歌的现场版，进一步放大了歌曲的神话色彩与冒险精神。乐队常常在演奏中加入即兴段落，淋漓尽致地展现成员们的精湛技艺——这也导致了很多跟不上他们的年轻人，最后选择了更为简单的朋克音乐。实话实说，在某一段时间，我觉得这首歌更适合詹尼斯·乔普林来唱，当然，只是某一段时间，否则到时候见到贾宏声或者齐柏林飞艇的乐迷就不好交代了。一首歌的两种味道，为你推上的是Eric McFadden的版本。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第434位 威尔逊·皮克特《野马莎莉》 Wilson Pickett-Mustang Sally 如果硬要让我像个老中医一样来点评，那么我会说：《野马莎莉》是对美国自由精神的呈现——通过“野马”汽车这一意象得以彰显。威尔逊·皮克特在唱莎莉无止境的驰骋时，他是在暗喻那个年代对独立自主的热烈渴望：这是对度放纵的警示，昭示着在追寻自由的道路上，不要迷失方向——你知道灵魂乐的歌词总是在暗喻着一些东西，这个大概是全世界乐评人解读的方向——这听着很无聊，但权威总是很无聊，在这个时候，你就会需要一辆野马汽车。 1964年，福特汽车推出野马系列，第二年，麦克·赖斯创作并推出了这首歌。这当然是绝对意义上的经典：因为它无缝融入布鲁斯、摇滚和摩城音乐的风格，但最终的拼图，却来自南方灵魂乐的标志性声音——威尔逊·皮克特，他的演唱给这首歌定了标准。在《野马莎莉》中，皮克特展现了他最巅峰的状态。他的演唱在控制与激情间收放自如，巧妙处理主歌部分，讲述着莎莉飞车疾驰的故事，然后爆发进入那令人难忘的副歌，每一声呐喊都像一道命令、一个戏谑的挑战，同时又是一次庆祝。你甚至可以想象一下他在现场是和观众能有怎样的充满活力的即兴互动。而这首歌的编曲，强劲的反拍、有力的铜管乐穿插，以及稳定压倒一切的贝斯线。它是R&B与摇滚乐的完美结合，这个声音影响了从滚石乐队到艾瑞莎·弗兰克林的众多音乐人。 这么多年过去了，不管你是初次聆听，或者是这首歌的忠实老粉，我想和你说的一点是，这首歌大概率是在提醒我们拥抱自由、追逐激情，此时此刻，如果你在车上，请调大音量，选择那条更长的路回家。 多年来，《野马莎莉》出现在无数电影、电视剧和广告中，也有不同流派的艺术家都翻唱了它，各自为这首曲子带来了自己的风格。巴迪·盖伊、布鲁斯·斯普林斯汀、约翰·李·胡克，甚至一些另类乐队都曾在现场表演过它，一首歌的两种味道，我们来听布鲁斯的活化石巴迪·盖伊的版本。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第435位 滚石乐队《牛马》 The Rolling Stones-Beast Of Burden 1977年的下半年，滚石乐队入驻巴黎EMI的录音棚，开始筹备经典专辑《Some Girls》时，乐队正面临着内忧外患，这一年，乐队双子星之一吉他手基思·理查兹因为涉毒在加拿大被捕，面临最低7年的刑期；而在整个大环境中，朋克音乐和迪斯科音乐全面冲击主流音乐市场，乐队如何续航、能否继续存在令人怀疑。在这个时刻，乐队给出了坚定的态度："要比朋克更朋克"。为了顺应回归本源的音乐风格，滚石乐队在录音期间不使用任何外部乐手，而是选择五位核心成员现场演奏的声音。《牛马》这首歌就是在这样的情况下完成的，当然按正常的翻译，应该是负累之兽或者负重的动物。 歌曲先是由基思·理查兹构思出充满灵魂味的和弦结构，想出了这个歌名。他在后来解释说，自己在被药物控制的那些年里成了主唱米克·贾格尔的负担，他要感谢米克在他深陷毒瘾困境时维持了乐队的正常运转，现在他已经准备好回归，再次承担起自己的责任；而填写了主要歌词的米克·贾格尔在之后笑着否认了这一点，他认为，歌词是在坚决地向一位坚强独立的女性发出呼吁，同时承诺自己的谨慎和体贴。 关于歌曲本身， 整体氛围松弛、性感而迷人。基思·理查兹和罗尼·伍德的双吉他演奏交织出美妙而富有节奏感的Riff，如同歌曲的骨架。节奏部分（贝斯和鼓）稳健而富有摇摆感，为歌曲奠定了坚实的基础：它不像硬摇滚那样充满攻击性，而是在一种看似随意的律动中，层层递进，最终达到情感宣泄的高潮。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第436位 爱乐队《再次孤独》 Love- Alone Again Or 1967年是"爱之夏"，是摇滚史上创意爆发的年份，迷幻音乐达到了顶峰——《Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band》、《Are You Experienced》这些伟大的专辑都诞生于那个多彩的季节。但是，由第一个黑人嬉皮士阿瑟·李（Arthur Lee）带领的的洛杉矶乐队Love，并没有追逐当时那种充满技术色彩的迷幻感。当其他乐队都在向外延伸，追求迷幻的即兴演奏和声音的繁复时，Love乐队却转向了内心——创作出了一首听起来像一声叹息，充满内省、不祥预感和情感深度的歌。 《Alone Again Or》主要由吉他手布莱恩·麦克林（Bryan MacLean）创作，概括了那种情绪——在爱与孤独间携手同行，在变化世界中生存的不安之美：这是一支如此精致脆弱的乐曲，以简单纯粹干净的原声吉他，弦乐拉进你的心跳，带着优雅与张力，小号独奏如同阳光冲破乌云般闯入你的耳中，让你沉浸在自己的世界里无法自拔。让我来说，这仿佛一触即碎的声音，它在民谣的忧郁、管弦流行乐和迷幻白日梦之间的某处闪闪发光，是1960年代最美丽的音乐瞬间，是那个时代最持久、最神秘的歌曲，这部作品在花朵凋零之前，捕捉到了"爱之夏"的终结。 一首歌的两种味道：英国朋克先锋The Damned的版本，保留了最经典的小号，我们来听听看这是怎样的味道。

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第437位 猫王 《温柔地爱我》 Elvis Presley - Love Me Tender 1956年，猫王参演电影《兄弟情深》，需要一首主题曲。电影音乐总监肯·达比（Ken Darby），找到了这首已有95年历史的歌，把1861年美国南北战争时期民谣《Aura Lee》拿了出来，重填歌词后更名《Love Me Tender》。彼时猫王已经从地区性明星跃升为现象级的全球偶像，摇滚狂野猫王的摇摆扭胯动作引发全美国争议，媒体抨击其“伤风败俗”，青少年却狂热追捧。为了找一找平衡，这首歌就恰如其分的出现了。 猫王于1956年8月录制了这首歌，歌曲摒弃了一贯的电声乐器，以原声吉他分解和弦为基底，辅以柔和的和声，甚至营造出了一点福音歌曲的味道。猫王采用压抑声线的"低吟浅唱式"唱法（近乎气声），颠覆了自己以往激昂风格。《Love Me Tender》随即被推向这个对猫王充满狂热和偏见的世界，并最终在唱片市场破圈成功，蝉联公告牌百强单曲榜5周冠军，同时登顶乡村、流行、R&B三榜，奠定猫王全民偶像地位。而歌词中至死不渝的爱情宣言，让至今仍是婚礼截止交换环节的常用曲目。在音乐之外，1956年猫王个人收入达2200万美元（相当于现在的2亿美元），《公告牌》杂志将它年称为“猫王之年。而在金钱的背后，到底有多少人是真的爱猫王呢？ 历史上有N多的著名大咖大歌手音乐家翻唱了这首歌，但大多数人都倒在了猫王那种亲密、沙哑低吟的演绎所投下的巨大阴影下，一首歌的两种味道，速度放慢一半，以充满磁性的低哑嗓音营造出深情与沉郁：芭菠·杨格 (Barb Jungr)2005年的版本，《温柔地爱我》 滚石》志500首最伟大的歌曲排名第437位 猫王 《温柔地爱我》 Elvis Presley - Love Me Tender 1956年，猫王参演电影《兄弟情深》，需要一首主题曲。电影音乐总监肯·达比（Ken Darby），找到了这首已有95年历史的歌，把1861年美国南北战争时期民谣《Aura Lee》拿了出来，重填歌词后更名《Love Me Tender》。彼时猫王已经从地区性明星跃升为现象级的全球偶像，摇滚狂野猫王的摇摆扭胯动作引发全美国争议，媒体抨击其“伤风败俗”，青少年却狂热追捧。为了找一找平衡，这首歌就恰如其分的出现了。 猫王于1956年8月录制了这首歌，歌曲摒弃了一贯的电声乐器，以原声吉他分解和弦为基底，辅以柔和的和声，甚至营造出了一点福音歌曲的味道。猫王采用压抑声线的"低吟浅唱式"唱法（近乎气声），颠覆了自己以往激昂风格。《Love Me Tender》随即被推向这个对猫王充满狂热和偏见的世界，并最终在唱片市场破圈成功，蝉联公告牌百强单曲榜5周冠军，同时登顶乡村、流行、R&B三榜，奠定猫王全民偶像地位。而歌词中至死不渝的爱情宣言，让至今仍是婚礼截止交换环节的常用曲目。在音乐之外，1956年猫王个人收入达2200万美元（相当于现在的2亿美元），《公告牌》杂志将它年称为“猫王之年。而在金钱的背后，到底有多少人是真的爱猫王呢？

事实证明，人类雄性荷尔蒙爆棚时，是什么话都能说得出口的。傀儡乐队同名首张专辑的开场曲《我想当你的狗》，就是这么一首歌。你不要看乐队主唱伊基·波普现在满脸皱纹，在1969年的他22岁的时候，也是个美少年。触目惊心的标题和歌词之外，不断重复的下行三和弦吉他连复段贯穿整首了歌。它呼应了伊基·波普歌词中所描述的堕落。他向毒品、向施虐受虐（S&M）、向虐待狂（sadism）屈服。《我想当你的狗》这首歌，提前定义了70年代后朋克音乐里的虚无主义，而在当时，这种阴郁的情绪与伍德斯托克那个嬉皮年代的社会崩塌和疏离感相吻合。当然高高在上的乐评人想要更宏大一些，会说它体现了工人阶级的焦虑和幻灭。而伊基·波普本人也确实是这么说的：我想写一些宏大的歌曲，比如上帝，而我把上帝倒过来写，就得到了这首歌的名字。歌曲连接了60年代末的迷幻摇滚与车库摇滚。地下丝绒乐队的约翰·凯尔在这首歌中演奏了钢琴和雪橇铃，更让人着魔的是吉他手罗恩·阿什顿，仅仅用了三个和弦就以其强烈的节奏与严重失真的吉他影响了后来的朋克与重金属。如同地下丝绒乐队一样，傀儡乐队的影响力远远超过了他们商业上的成功。而今天晚上，你想对谁唱起这首歌呢？ 一首歌的两种味道，这首歌自青春期开始伴我成长，一路走来听过太多的翻唱版本，这里选择了三个不同风格的女声，她们是：StunGun Detroit、Emilie Simon、P.E.。另外，我还要推荐这些艺术家的翻唱版本：Forgotten Tomb、FUTON、Helltrash、Monsieur Job、Shallowmar、Psychonaut 4，最后这个其实已经有一部分“阿卡贝拉”被我混入StunGun Detroit的前奏中。 2010年，傀儡乐队在被提名七年后终于入选摇滚名人堂，并在现场进行了表演。此时的乐队早已不是那个七十年代初被主流忽视的原始朋克先驱，而是被公认为改变了摇滚乐走向的传奇，但看看台下的巍然不动的燕尾服，你就该知道，傀儡们入选是有多难。 演出阵容中伊基·波普时年62岁，依然是那个永不衰老的“原始尖叫者”。原始吉他手詹姆斯·威廉姆森（James Williamson） 回归，他的吉他声如同电锯般锋利。后朋克传奇乐队“伪装者”（The Pretenders） 的主唱克里斯·海因德（Chrissie Hynde） 和吉他手詹姆斯·斯科特·沃克（James Scott Wakeling） 加入，填补了已故成员（罗恩·阿什顿）的位置，带来了致敬与新鲜血液的奇妙融合。伊基老师依旧赤膊上阵，皮肤松弛却肌肉线条依旧，标志性的舞台动作——抽搐、嘶吼、与观众互动——丝毫未打折扣。他不仅是在表演，更是在向优雅的上层社会挑衅，或者说入侵。一个以反体制、反主流起家的乐队，最终站在了代表主流音乐工业最高荣誉的殿堂上。对傀儡乐队乐迷来讲，有没有一种“被招安”的感觉?

1945年3月7日出生 2006年8月3日 Arthur Lee 亚瑟·李 1967年是摇滚史上最为传奇的一年：The Beatles发行了《Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band》，The Doors发行了同名专辑《The Doors》，The Velvet Underground则推出了《The Velvet Underground & Nico》。在这片星光璀璨的天空中，Arthur Lee的Love乐队发行了他们的第三张专辑——《Forever Changes》（永恒变幻） 《Forever Changes》这张专辑的制作过程本身就是个传奇：乐队成员当时沉迷于毒品和酒精，生命都岌岌可危，更不用谈及创作状态了。录制专辑时，成员们似乎更关注自己的派对和幻觉体验，而非音乐创作。Arthur Lee对此的描述很有意思，充满了早期摇滚乐队的宿命感：“我们曾经每个晚上都创作。在我们开始赚钱后，我们赚得越多，就干得越少，越不像一个乐队。每人各自有了房子，凯迪拉克汽车，他们就不需要我了。钱毁了他们，也毁了我。”然而，正是这种“毁灭”的过程中，音乐史上最不可思议的杰作之一诞生了：《Forever Changes》融合了民谣和迷幻摇滚，并加入了管弦乐编排，创造出了一种既美妙又令人不安的声音。我们来听《Alone Again Or（再次孤独）》。 在爱与孤独中携手同行，它是变化世界中生存的不安之美，这是一支如此精致脆弱的乐曲，以简单纯粹干净的原声吉他，弦乐拉进你的心跳，带着优雅与张力，墨西哥街头乐队风格的小号独奏，如同阳光冲破乌云般闯入你的耳中，让你沉浸在自己的世界里无法自拔，这是一个人在夜里走在公园里的那种孤单吧。而《A House Is Not A Motel（家非旅店）》则带听众走进了Arthur Lee内心深处的黑暗。 Arthur Lee1945年出生在孟菲斯，虽然自诩为第一个黑人嬉皮士，但事实上，他是一个混血儿，父亲是白人爵士短号手，可能因为肤色更接近黑人，他更有认同感。但不管白人黑人混血人，每个时代的青少年都有为赋新词强说愁、标新立异的义务和责任，Arthur Lee的青春期也一样，他戴着菱形框的老花镜，穿着军靴和其他嬉皮士风格的服饰，有时候甚至只穿一只鞋走来走去，当然，也组乐队玩黑人音乐节奏蓝调，在看到The Yardbirds的现场后，他决定转向民谣摇滚，不再被困在黑人酒吧里演出。在他的领导下，跨种族乐队Love发行了第一张专辑，同名专辑《Love》，这张专辑应该说只是乐队现场演出的唱片再现，以Rolling Stone和The Yardbirds的风格为主，有摇滚有迷幻有民谣摇滚，有一定市场，但整体效果并不是特别理想，这倒并不是说模仿的痕迹太重，观众不买账，总有一些黑人女孩儿厌倦了烂掉布鲁斯，而喜欢这种更新鲜的风格。没有一炮而红主要的原因是Arthur Lee不太愿意去巡回演出，乐队缺少曝光度。 Love乐队的第二张专辑《Da Capo（从头再来）》是一个很好的契机，Da Capo是意大利语，指的是古典音乐的乐曲从头部进行反复，这个时候的Arthur Lee野心十足，有突破首张专辑风格、进行实验探索新起点的意思。专辑中出现了一些被后来称为“游艇摇滚（Yacht Rock）”的元素，爵士元素，甚至有评论说这可能是第一张爵士摇滚专辑。专辑中有两首歌特别出彩。《7 and 7 Is（七的困局）》和长达18分钟的即兴演奏《Revelation（启示录）》，其中，《Revelation》是最早占据唱片一整面的摇滚曲目，而《7 and 7 Is》，我第一次听这首歌其实是来自Ramones的翻唱，它作为Love乐队早期最成功的歌曲，充满节奏感、甚至带点威胁性的能量爆发。根据Arthur Lee本人的解释，说歌曲是源自德州扑克术语“7 and 7”（即双方都是7点的平局），用来比喻一种 “无法决定的中间状态” ，描述的是青春期悬而未决的焦灼感。歌词中的“我”在成年与童年之间撕扯，最终，以核爆的声音收尾，是悲剧吗？ 《Da Capo》专辑发行后，Arthur Lee和他的爱乐队，已经小有名气，算是带头大哥，Jimi Hendrix和The Doors的主唱Jim Morrison，都是他的粉丝，他开始提携后辈带着老板去看The Doors的演出，The Doors在之后和Love签约同一个唱片公司，很大程度上他们是冲着Arthur Lee去的。但这个时候Love乐队本身的问题越来越大，另一个创作者，吉他手Bryan MacLean（布莱恩·麦克林）和他的矛盾越来越大，Love本质上其实是Arthur Lee的个人工具，而非一个平等的乐队。他拒绝带着乐队去全国性或美国之外的巡演，甚至拒绝了蒙特雷国际流行音乐节的邀请。相比较The Doors很好的抓住机会脱颖而出，Arthur Lee给出的理由是不知道会被如何对待......MBTI人格测试中的两种大类型，这应该算是i人性格，这个对乐队的发展非常不利，但另一种说法是，Arthur Lee不愿意出门巡演，是想离他的毒品来源近一些。 在之后，就是我们在节目开头说过的让Love乐队迅速燃烧，然后破灭的专辑《Forever Changes》。Arthur Lee曾预言自己会在26岁时死去，这一预言没有成真，但《Forever Changes》却成为了Love乐队创作巅峰与终结的休止符，这是一张靠着药物推动的专辑，复杂的歌曲结构、刻意讲究的唱法和黑暗、晦涩的歌词素材。依旧是叫好不叫座：它被无数摇滚音乐人奉若圭臬，但商业上的不成功最终导致了乐队原始成员与Arthur Lee分道扬镳，他开始了长期更换乐队成员的恶性循环。 退圈入狱销声匿迹后，Arthur Lee在千禧年找回了原班人马重启演出，但时代已经过去了，年轻人不再为老梆子买单。Arthur Lee没能死在26岁，这或许是他最大的不幸，这或许也是他留给世界的、超出预言的另一种馈赠。他活了下来，带着那份早熟的苍老、未竟的野心与被毒品和法律磨损的才华，成为了摇滚史上一道独特的暗影——一个在“爱”的名义下，始终与孤独和毁灭同行的混血先知。Arthur Lee的音乐如同他本人一样，处在一种美丽的矛盾之中：在民谣的宁静与迷幻的狂乱之间，在黑人的律动与白人的旋律之间，在天真的向往与世故的绝望之间，永恒变幻，也永恒地停滞在那个1967年的，充满了不安预感的黄昏的梦里。 本期选曲 Andmoreagain Alone Again Or A House Is Not a Motel My Little Red Book 7 And 7 Is Always See Your Face Everybody's Gotta Live

《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第439位 约翰·库格·梅伦坎普 《粉色小屋》 John Cougar Mellencamp-Pink Houses 1983年初夏，32岁的约翰·梅伦坎普开车回印第安纳州的家。他刚获得格莱美奖最佳摇滚男歌手表演奖，经历了多年在空荡荡的低级酒吧演出、与不靠谱的经纪人勾心斗角后，他终于取得了商业上的成功：从小镇青年成长为中心地带摇滚流派的积极分子。 而在这个清晨，他看到洲际公路不到两米的地方一个抱着猫的黑人男子，坐在他饱经风霜的粉色小屋的门口，面对飞速行驶喧嚣吵闹的高速公路车流面不改色岿然不动。灵感瞬间而来，这个场景就是《粉色小屋》的第一段，主歌描写了几个美国众生相，在反复吟唱的副歌中唱出点睛的一句：这就是美国吗？对美国梦在中下层阶级中的下沉提出了讽刺和质疑。“这是一首反美国的歌曲，”约翰·梅伦坎普在接受访问时说，“美国梦基本上已经证明它不再奏效了。这是我夹带私货的另一种方式。” 回到开头的“中心地带摇滚流派”，这是20世纪70年代末至90年代初在美国独有的摇滚乐流派，中心思想是歌颂美国蓝领阶层的生活、奋斗与梦想，尤其聚焦于中西部工业城镇（即所谓的“Heartland”）的普通人故事。它融合了摇滚、民谣、乡村和布鲁斯元素，音乐风格直接有力，歌词充满叙事性和社会关怀。《粉红小屋》就是这么一首标准的中心地带摇滚歌曲。梅伦坎普原本希望它能成为一堂关于美国种族、阶级和生存的课。副歌中重复的“这就是美国吗？”这句歌词，本意是讽刺和愤世嫉俗的，但是，更具有讽刺意味的是，歌曲反而被用于政治广告和竞选集会，莫名其妙的放过了这个公知美奸，美国人民，还是要加强政治学习啊~~~