在遥远的过去有这么一个瞬间，人类突然望向星空或大地，开始有意识地审视这一切，同时思索我们自身的存在——这一刻宣告人类意识的觉醒 —— 从此我们与自然相分离，开始依照自己想法塑造自然。在望向自然的同时，我们也不断向自然提出问题：何为真实？何为不朽？何为神圣？深沉的渴望、情绪与意识，被投射到日月星辰、山川草木之中，凝结成意味深长的自然艺术。 本期节目，我们将沿着东西方艺术史的脉络，展开一场穿越古今、跨越文明的自然艺术之旅：古代东方，人们在山水中寄托了长生不老的追求，在艺术里蕴藏了道法自然、以山比德的理想。西方世界，自然被视为与理想对立的物质存在；中世纪教会以“闭锁的园”与“千朵繁花”象征圣母的贞洁与神圣；文艺复兴开启了对自然价值的重新发现；到了浪漫主义与表现主义时代，自然越来越多地与人类的情绪共鸣。 最终在当代艺术中，东西方的自然意识合流，我们在法国艺术家法布里斯·伊贝尔的作品中看到山谷、河流、动物、植物、菌类等自然之物被赋予了全新的生命和意义。但仔细倾听，我们也能从这些当代图像中，听见来自古老时代的回声，为我们揭示人类在不断回到原点的过程中，螺旋上升的成长脉络。 我们特别邀请中央美术学院人文学院的于润生老师，带我们踏上一段悠长的自然图像之旅，为我们揭示几千年来，人类如何发现自然、理解自然、不断重构与自然的关系。 内容包括 04:10 自然是至高无上的本源，也是卑下的物质 11:51 图像源于丧葬：先民试图抓住虚无缥缈之物 21:52 与自然相分离，标志了人类的诞生 26:33 以山比德，灵魂永生：中国人的两种山水意识 38:51 身心与山水同构：修仙的基本原理 44:24 神圣自然：从天国的耶路撒冷到闭锁的园 48:23 风景画和地理大发现：拿着旧地图找到新世界 52:31 文艺复兴：对于人和自然的重新发现 57:38 迟至19世纪，西方哲学家才赋予自然独立的价值 64:54 伊贝尔的山谷：融汇东西方两种自然意识的活体雕塑 77:29 从熊出没、风之谷到伊贝尔的山谷：人与自然关系的演进 82:56 呈现自然的不同路径：解析一些伊贝尔的作品 92:44 列宁是蘑菇？菌类默默改变人类的命运 99:50 顺势疗法和类器官：伪科学与前沿科学的自洽 111:02 观念的艺术vs行动的艺术：何为伊贝尔真正的作品 - 制作团队 – 美术设计子鹤 后期制作孙称 “从山谷中来”（…de la vallée） 2025年4月2日至6月29日，上海当代艺术博物馆携手卡地亚当代艺术基金会，举办法国艺术家法布里斯·伊贝尔的个人展览 “从山谷中来”（… de la vallée），集中展示了艺术家20世纪90年代至今创作的七十余件代表作，以及他为上海展览特别创作的新作品。 展览以艺术家生活与工作的法国西部乡村为名，在隐喻与实体之间将伊贝尔的家乡带到上海。这里，观众将带着好奇心，深入探索他多元创作图景的源处。展览宛如一座梦幻花园，观众们在此休憩、阅读、习得与探究伊贝尔的津津兴味——自然、宇宙、数学、建筑、诗歌……展览也是一间新形态学校，观展之路即是学习之旅，由此通往无限的可能。 图为：展览信息；艺术家：法布里斯·伊贝尔 仙山与永生 向山中寻求长生不死或灵魂永生，是中国文化中一种源远流长的自然观。从昆仑山与西王母的神话、蓬莱仙岛的信仰，到道教的洞天福地理论与内丹修炼，再到众多艺术史上的经典作品，这一观念贯穿了中国古代对自然与生命的理解与想象。 图为：1968 年出土于河北满城陵山中山靖王刘胜墓的错金熏炉；陕西定边郝滩壁画墓《拜谒西王母乐舞图》 山水与身心同构 在中国古代，山水不仅被看作自然景观，更被哲学化为人体的隐喻。石为骨、水为血，大山象征肉体，溪流象征经络气脉——自然万物与人身循环彼此对应。人体如果以自身为炉鼎，将精气在体内炼化为“丹药”和“内胎”，是否也能如山川般不朽，迈向成仙？ 这种“身心与山水同构”的观念也深藏于许多传世山水画中。比如，《溪山行旅图》的构图就被认为源自《体象阴阳升降图》，展现内丹修炼的能量流动；而《富春山居图》中，山是骨、水是血、峰峦如脊椎、溪流如经络、云雾如呼吸——整幅画既是山水之形，也是身体之象。画中之境，正是身中之境。 图为：《溪山行旅图》与《体象阴阳升降图》的图示对比 西方早期风景画 不同于中国将自然视为价值与意义的来源，西方世界的自然观起初并不赋予风景以崇高地位。最初的风景图像常常用于地理标注与空间识别，是一种实用性的再现工具。 后来古希腊人提出理念世界高于感官世界的二元论，自然被归入低等的物质层级。这一观念深刻影响了西方文化，使得自然风景长期缺乏独立价值。风景画在艺术中也因此被边缘化，更多地与装饰、娱乐相关联。 图为：美索不达米亚的纳拉姆辛纪功碑；庞贝壁画幻觉类型的景观 基督教时代的风景 尽管一度被贬低，在基督教艺术里，自然景观依然扮演着重要角色。比如“天国的耶路撒冷”这一母题，常以田园牧歌式的风景来描绘乐园时代的宁静与和谐。另一个经典图像是“闭锁的园”：一个被围墙环绕的花园，园中奇花异草、神兽环绕，而圣母安坐其中。这一意象象征圣母的贞洁无暇，是对“童贞女怀孕”这一神学核心的视觉隐喻：一个纯净封闭、未经亵渎的自然空间。此外，基督教世界也发展出完整的宇宙图景，从地理全图到天堂与炼狱的空间想象，都体现了人类试图用自然图像来理解精神世界的冲动。这种倾向也揭示了一个普遍心理：人类难以不在自然中投射情感与意义，自然始终是我们理解信仰、道德与生命的隐喻载体。 图为：《神秘羔羊祭坛画》中的伊甸园；圣母和“闭锁的园”；波提切利描绘《神曲》中的地狱 重新发现自然 布克哈特将“自然价值的重新发现”视为文艺复兴的重要标志。在这一时期，自然不再是混沌、低贱的被造物，而是被置于审美语境中加以观照，催生出大量精妙的自然风景画。但即便如此，风景仍难以独立成型为一种艺术类型，创作者往往忍不住为其注入“主题”或“意义”。节目中提到“伊卡洛斯的堕落”便是典型例子——它是一幅风景画，但画面一角却悄悄画上了伊卡洛斯落水的双脚，以微妙方式赋予作品叙事意味。 图为：《蒙娜丽莎》；丢勒的《犀牛》；《伊苏斯之战》；《有伊卡洛斯坠落的风景》 风景越来越有情绪 西方对物质世界的纯粹观看，要到18世纪末至19世纪初，在狂飙突进运动、浪漫主义思潮以及伯克、康德、谢林等思想家的推动下，自然被赋予了“崇高”的内涵。从此，风景画开始表达自然的强力、狂暴与神秘并且与剧烈变革的社会思潮以及人类情绪相结合。 进入印象派与表现主义时期，风景画更进一步成为情绪的载体。无论是梵高的《星月夜》，还是蒙克《呐喊》中背景那条扭曲的河流，都显示出情绪凌驾于自然之上。人类意识在风景中的主导地位不断强化，延续了文艺复兴以来“以人为中心”的思想脉络。 图为：弗里德里希《雾海上的游荡者》；戈雅《巨人》、《沙丁鱼葬礼》；梵高《星月夜》；蒙克《呐喊》 伊贝尔的商业合作 展览“从山谷中来”展现了法布里斯·伊贝尔对自然之物的理解和描摹。但伊贝尔的艺术并不排斥人类社会的产物，他对商业交易与工业制品持开放态度。在播种山谷、探索自然的同时，他也在艺术市场中取得了不俗成就。 作为史上最年轻的威尼斯金狮奖得主，法国艺术与文学骑士勋章获得者，以及2018年当选的法兰西艺术院院士，伊贝尔始终游走在自然与商业、创作与合作之间。他的《一平方米口红》与《世界上最大的肥皂》等早期作品，便是艺术与商业合作的典范。 图为：《一平方米口红》、《世界上最大的肥皂》 伊贝尔的山谷 上世纪90年代，伊贝尔在家乡法国旺代购买了100公顷的土地，将其播种成一片由约30万棵树种构成的谷地森林。这篇山谷区隔了伊贝尔的故乡农场和周边的工业化农业，成为一片自然的庇护所，同时也成为艺术家创作的灵感源泉。 上图依次为： 1）伊贝尔通过播种改变了山谷的面貌。 2）《拉塞里，我父母的传记景观》这幅画描绘的是伊贝尔家乡的山谷风景，虽未描绘父母的具体形象，却称之为父母的“传记”。画面中的房屋、农场、羊群、河流，甚至远处的小坟茔，都是他父母生活的痕迹。这不仅是一幅地景画，更是一种纪念方式：不是纪念个体形象，而是纪念人与自然共生的存在方式。人，仿佛成为山谷生态网络中的一环，与植物、微生物、土地和记忆交织在一起。 3）《宝藏》作为展览的封面作品，《宝藏》以一棵苹果树为中心，描绘苹果坠落地下转化为樱桃、周围则埋藏着金币、树状细胞、解剖图与文字图像。它所描绘的“宝藏”不是金银珠宝，而是一个由土壤、水分、细菌、种子与知识交织而成的复合生态系统。伊贝尔在采访中说，真正的“宝藏”，是“生长的潜力”。 4）《露珠》疫情期间创作的《露珠》画面中是一株被砍断的树桩，但依然生机勃勃。这是因为它通过地下菌丝网络与周围的树木相连，获得养分。伊贝尔借此讲述一个关于“生态互助”的故事——生命并非孤立存在，而是在看不见的联系中延续。科学发现也证明，森林中的植物确实会通过地下网络互相滋养。 顺势绘画 伊贝尔的“顺势绘画”系列，灵感源自18世纪德国的替代医疗——顺势疗法（Homeopathy）。这种医学理念强调“以毒攻毒”，通过极度稀释的物质激发身体自愈机制，同时强调“全局性”与“个性化”治疗，与中医调理有一定相似性。尽管顺势疗法在现代医学体系中争议颇多，但伊贝尔却从中提炼出了一种极具诗意的艺术方法论。 在他的创作中，“顺势绘画”意味着绘画本身可以成为一种疗愈过程。通过色彩、构图、笔触等细微元素激发观者的潜意识反应，引发心理上的共鸣与安慰。这不仅是视觉的刺激，更是一种激活身心感官的潜在机制。 伊贝尔认为，这些画并非静态的“作品”，而是像自然一样在不断生长、变化。每一位观众与作品的互动，都会产生不同的效应——艺术不再是展示，而是一种带有生命力的过程。他创作这一系列的起点，正是多年前在中国因感染顽固细菌而经历的一段医疗体验。他在西医治疗之外，也从中医调理中感受到身体整体状态的转变，这也促使他思考艺术是否也能成为一种“调理”的方式。 交换信号 十月革命后，塔特林设计了“第三国际纪念碑”。这座比帝国大厦还高的建筑上装满了最先进的广播工具。这一件乌托邦装置，将革命的理念转化为无线电波。在塔特林的梦想中，未来的国家是由信息流与集体意志组成的共同体。 一个世纪后，伊贝尔创作了“天线树”。天线树的根须在土地之下吸收能量；在地面上长成天线，比喻从自然里获得滋养，在天空和阳光下交换信号。伊贝尔认为，只有当人类与自然之间建出一种全新的感知路径，才能避免在孤立的世界中走向枯萎。两件作品都指向对人类未来的想象。肉体不是人类的终极媒介。人类、动物、植物、菌类、山河大地、宇宙星辰，都是巨大网络中的节点。生命力和信息在这张巨大的网络中流动交换，这正是与自然“共生”的内在含义。 图为：塔特林设计的第三国际纪念碑；伊贝尔的“天线树”

1773年冬天，东印度公司满载茶叶的货船陆续抵达了波士顿港。为了抵制英国对茶叶施加的高额进口税，数千名的波士顿市民在码头集结，阻止卸货。随后在塞缪尔·亚当斯的策划下，一群波士顿市民化妆成印第安人登上茶船，把价值 18000 英镑的茶叶倾倒进大海之中。 人们给这次反抗殖民的行动，起了一个具有讽刺意味的名字，Boston Tea Party。这次不甚愉快的“茶派对”导致宗主国和殖民地冲突升级，后来北美独立战争的爆发，以及最终美利坚合众国的成立。经过学者考据，这342箱漂浮在波士顿港湾的茶叶，正是产自中国福建。 茶源自中国，是传统中国最典型的文化商品；在全球化的时代，它被英国引入印度种植成为殖民经济，继而销往全球，攫取了足以支撑全球帝国运转的惊人利益；在美洲，它又成为革命的催化剂，阴错阳差地导致现代美国的诞生。 这小小的植物，不但是推动帝国扩张，国家诞生的超级商品，更是塑造现代社会的重要力量——消费主义、女性权力、身份政治——这些至今影响我们的概念，很大程度上都由茶而生发。本期节目，我们邀请北京服装学院的张弛老师，结合她博士论文期间对中英茶贸易的研究，和我们聊一聊英国人如何对茶进行重塑，造就了这个字面意义上划时代的商品。 内容包括 02:04 泡茶先倒茶还是先倒奶？无聊的问题让英国人争吵几百年 08:30 日不落帝国全盛期：十分之一的收入来自于茶 14:08 设计的力量：茶走向全球源自英国人的全方位魔改 20:19 以消费建立身份认同：英国茶是消费主义的“万恶之源” 31:19 茶叶和殖民地：公主的嫁妆成为英国财富密码 43:40 川宁茶空间：第一个允许英国女性进入的公共领域 47:18 甜与权力：英国工人喝下加糖热茶意味着社会的彻底重塑 51:16 为什么端茶杯必须翘起小指？ 58:25 梁山伯与朱丽叶、孔子与纣王：英国把茶叶故事一锅烩 63:43 英国下午茶空间是女性的权力空间 78:00 从维多利亚女王和正山小种，探讨什么是“好茶”？ 89:23 中国创造了奢侈品，英国创造了奢侈品牌 94:33 胡塞尔的现象学，帮我们发现饮茶的多元乐趣 - 制作团队 – 美术设计子鹤 后期制作孙称 图为矗立在伦敦街头，拥有300年品牌历史的川宁茶博物馆。门的上方为两位清朝人的形象。 布里斯托的茶商乔治·哈里斯在商业卡片上将中英茶贸易中的两个重要港口城市连接在一起，广州和伦敦的意向同时出现在图案中。珠江和泰晤士和融为一体，为爱茶者构建起中英茶文化交流互鉴的想象空间。 图为位于里士满的汉姆别墅，劳德代尔公爵夫人在这里喝茶、待客。图中的家具生产于1675年左右，有一个印度茶桌，一个涂漆的靠背椅，底部是藤条。当时的英国与荷兰贸易往来密切，很多家具设计都是风格混合的，茶桌多数是进口的。图中的茶桌应当为中国常见的可以放置在床榻上的小桌。被加长了高度，以适应英国的高足坐具。 图为茶叶皇后。传说葡萄牙公主凯瑟琳・布拉甘扎在1662 年远嫁英国国王查理二世时，嫁妆中包括 来自中国的茶叶和茶具。茶文化以这样的方式进入英国宫廷，让上层人士趋之若鹜。 理查德·科林斯的《品茗的三口之家》 在英国人对中国茶文化的接受和理解，很大程度上源自于一种想象。“杨柳纹样”就是基于东方想象的经典故事。19世纪中期，几乎每个英国家庭都拥有一个画有杨柳纹样的瓷盘。纹样的背后，是一个罗密欧与朱丽叶私奔后化作燕子在柳叶间穿梭的故事。 图为蒙太古夫人。蒙太古夫人是英国著名的书信作家、诗人、旅行家，也是女性主义的重要倡导者。她所创办的蓝袜社作为18世纪著名的茶空间极大地推动了女性教育，同时为后来女性主义思想的发展和社会实践奠定了重要的基础。 图为克里莫内园场景。有学者认为，不同社会阶层汇集在此类公共空间饮茶，促使了不同阶层的知识交流，由此引发了社会经验的重组和社会文化心理的变化，并推动了工业革命的产生。

至元八年，蒙古人兴建元大都的过程中，刨开了一座有着170年历史的辽代白塔，在地宫里发现了佛舍利和大量的法器。这次意外发现，引来了忽必烈的亲自检视，并邀请尼泊尔的大匠师阿尼哥，在白塔之外又修建一层白塔，用厚重的墙壁把辽代白塔包裹在内，更好地保护地宫里的神圣遗物 —— 这就是如今中国最古老的藏式佛塔，白塔的由来。 之后的几百年里，白塔之外的世界经历了沧海桑田的变化：塔外的寺庙首先在元末的天火中被夷为平地，就在同一年，明军攻占了大都；到了明代，紧邻白塔的皇家道观“朝天宫”拔地而起，似乎预示一个全新的信仰时代，然而这座庞然大物很快在另一场大火中陨落，伴随它一起陨落的，还有整个大明王朝；到了清代，出于怀柔蒙古、西藏的目的，有着浓郁藏传佛教色彩的白塔再一次受到重视；1937年的 “七七事变” 期间，北京市民罗德俊写下一封手书，记录了日军的暴行和北京生灵涂炭的惨状，藏在白塔缝隙之中，这封书信在1978年修葺的过程中，又重见天日。 如今的阜成门内大街车流滚滚、行人匆匆，新的生活，覆压在过去的生活之上，组成了我们熟悉的世界。今天我们要进入白塔寺的山门，首先要通过一条向下的斜坡，这是因为数百年的城市发展，致使地坪抬高了1.2米。想必每一段历史、每一个时代，都有属于自己的地层。古都的岁月沧桑，就压缩在厚度1.2米的泥土之中。而白塔就像一个静止的时间胶囊，默默见证了人世间无数的兴亡起落。 本期节目，我们邀请艺术史和考古学专家李纬文老师，一起从墙缝中、地层里、以及文献的字里行间里，寻找类似白塔这样穿越时空的坐标，穿透北京层层叠叠的历史结构，解读古都真正的奥秘。 内容包括： 04:12 北京、西安、洛阳…古人为何不断在这些城址建都 13:04 首都的弥散：多个都城共存恰是古代中国的常态 18:07 风水和王气的科学解释：资源循环与城市寿命 31:05 北京简史：从蓟城到新中国首都的沧海桑田 36:15 王朝会更迭，建筑会损毁，但城市的肌理长存 46:58 遗痕：矗立的白塔和消失的朝天宫 58:39 变形：隆福寺皇家香火院的陨落和商业空间的崛起 80:14 语讹语，名初名，“京师人尤其狡猾”的心理动机 85:21 庆寿寺双塔：长安街上的违章建筑 87:41 “长安街”作为中华第一街却不是笔直的 94:21 消灭古迹的不是贫穷，而是革故鼎新的冲动 114:46 为什么文物保护不能是审美问题？ 123:12 作为文化现象和心理暗示的“大院”影响深远 133:14 城市的本质是妥协 - 制作团队 – 美术设计 子鹤 后期制作 孙称

公元666年，唐高宗李治在泰山举行封禅之礼，向上天汇报天子的政绩并祈求赐福。本次封禅的特殊之处在于，这是历史上第一次由皇后参与的封禅活动。当时武则天带领朝中有封号的女子共同加入了这次祭祀，开创了历史先河。很多历史学家都认为武则天的泰山封禅是她称帝之路上的标志性事件。事实上，在武则天登基之后，继续在泰山致祭、立碑、造像，包括多次举行名为“投龙”的道教神秘仪式，利用泰山来支撑武周政权的合法性。 汉语中“泰山北斗”是崇高的代名词。这座耸立在山东半岛的庞然大物仿佛是天上神权、人间王权以及生活中各种礼制、道德的具象，时刻提醒人们，世上有一些东西不容僭越。 正是这样的神圣性，让泰山成为诸子建构的古史传说中，昭示功业的权力之山；儒生眼中，和孔子形象重叠的文化之山；道教观念中，通向神仙世界的福地仙山；以及佛教传说中，连接阴司地府的神秘之境。而在我们的民俗信仰里，泰山又化作保佑妇女和孩童健康的女神；在更古老的传说中，它还是一位身份不明的东夷神明，执掌生死的东方主宰。 因此，泰山就犹如大地上的北斗星，作为永恒的坐标不断被历史所诠释。而几千年来，泰山的多重面相，既是是一部中国人造神的历史，也是一份人类精神演化的概览。本期节目，我们邀请《栖云文化》联合创始人、清华大学人文学院的博士凌彤老师，一起探索泰山内涵的流变。 内容包括 02:50 作为边境的泰山：东夷人的神话和迁徙 08:04 山东半岛的地貌是泰山的神圣之源 13:25 西周的三种分封和华夏的武装殖民 16:50 八主信仰与齐鲁之学：泰山纳入华夏认知版图 26:18 先秦诸子的泰山修辞，让泰山脱颖而出 31:00 孔子与泰山：两大文化顶流的捆绑与叠合 35:42 四方和四岳是现实，五行与五岳是理想 40:53 “四岳”是人还是山？神话与历史的记忆错位 46:36 东岳何以成为五岳之尊？ 50:14 从秦地畤祭到失败封禅：秦始皇的山岳政治 56:46 汉武帝回收五岳，大一统的想象成为现实 62:23 刘秀和武则天：泰山认证的天命之子 69:21 宋真宗封禅：神圣的消解和送子女神的诞生 72:03 泰山地狱：主宰生死的冥府判官 80:19 道教的神仙领域和泰山神圣家族 88:06 写给天神的信：从三官手书到投龙仪 97:11 游走在灰色地带的泰山“淫祀” 102:17 慈爱温柔的泰山奶奶成为最受亲近的神格 - 制作团队 – 美术设计 子鹤 后期制作 孙称 神圣山岳 山东半岛自西向东横卧着由泰山、蒙山、鲁山、沂山组成的泰沂山脉。泰山就处在海岱地区的中部，主峰在泰安市境内，海拔1545米，是海岱地区第一高峰。从空间的角度看，最高的山顶离天最近，而且处在中心位置，有一种神圣的向心力。自然而然会让四周仰望，受到周边地区人们的崇拜。 海岱地区的古代文明萌芽于后李文化时期，经过北辛文化、大汶口文化早期，到大汶口文化中晚期和龙山文化早期，进入文明时代。大汶口文化距今约6100多年到4600多年。考古证据显示，大汶口文化时期就有信仰、崇拜山岳的活动，非常有名的大汶口陶尊上的 “山” 形符号就是一个例子，这个 “山” 就是泰山。 图为：刻有山形符号的大汶口陶尊 山东殖民和八神祭祀 西周分封诸侯，把姜太公分封到了营丘，建立了齐国；把周公旦分封到了曲阜，建立鲁国。从此以后，海岱本地的东夷人和迁徙而来的周人开始了漫长的对抗和融合。期间东夷族对周王朝有过多次反抗，西周诸王也先后征伐，在青铜铭文里，都用东夷称呼他们。之所以姜太公被封到齐国，是考虑到要姜太公去部署东线防务。姜太公本来就是东海上人，所以这也是一种“以夷治夷”的策略。一直到春秋时代，外来殖民者和东夷原住民之间持续好几个世纪的冲突才终告结束。 在融合过程中，泰山从东夷文化的信仰中心变成了新兴齐鲁文化的信仰中心。而齐地祭祀也在一定程度保存了上古时期东夷人的信仰，“八神祭祀”就是显著的代表。 所谓八神（八主），包括天主、地主、兵主、阴主、阳主、月主、日主、四时主。其中天、地、人是空间结构；日月、阴阳、四时是时间结构，两两相对又有阴阳属性；兵为杀主西方，四时主是一岁之始，在东方。因此这套信仰包含了天地、阴阳、东西相对的时空认知。 这套源自上古的祭祀体系，一直到秦始皇、汉武帝的时代还有所沿用。 图为：泰山梁父山，传说中地主祠的所在地。 黄帝合鬼神于泰山 随着齐国势力影响的扩张和齐鲁之学（六经和儒、墨之学）的传播，齐鲁大地上最受重视的泰山，成为一种独特的政治文化资源。与泰山相关的古史传说也被建构出来了。“黄帝合鬼神于泰山”就是其中一例。 《韩非子》说，黄帝在泰山与各方鬼神会和。当时有蛟龙拉着车，蚩尤在前面开道，风伯、雨师清扫道路，虎狼列队前进，凤凰在天空飞翔，同时还演奏着叫做《清角》的音乐。 我们今天看这个描述，感觉像某种古代祭祀游行。它展示了黄帝作为部落联盟首领的地位。与各方鬼神的会合，也寓意着他得到了天地神灵的支持。 在春秋时代，人们普遍认为姬姓是黄帝的子孙，在周成王以前，姬姓的势力从来没有达到山东的痕迹，所以黄帝不可能到达泰山。而战国时代，由于黄帝族的后裔特别发达，很多帝系故事都以黄帝为中心，这时黄帝的足迹才可能扩展到全国。 图为：山东嘉祥武梁祠西壁，迄今发现最早的黄帝像 诸子的“泰山修辞” 嘉宾统计了春秋战国诸子文献“泰(太)山”的修辞特征。由此可以看出，泰山修辞首先被齐鲁两地的儒生以及墨家学者使用；随着齐鲁之学文化影响力的扩展，三晋地区的儒家、法家、纵横家文献；燕、赵国地区的文献；甚至秦国、荆楚的文献中，也频繁地把泰山，而不是他们的本地高山，作为习语，来形容高大、厚重、崇高的意象。这就从文献的角度印证了泰山的影响力，在春秋战国时期从山东半岛扩散到全国，从地方性的山岳变成了全国性的山岳。 孔子和泰山 秦汉学者在拟托齐、鲁故事时，经常把场景设置于泰山。在更晚的传说中，“孔子”和“泰山”叠合在一起出现，形成了独特的“孔子游泰山”的文化空间记忆。例如，荣启期向孔子传道的故事，就是被汉代学者特意把空间放置在泰山。 儒家文献一直将孔子与泰山相类比。因为泰山在齐鲁有着高不可攀之尊，所以自然被用来象征心目中的圣人。有子、子贡、孟子都用泰山比喻孔子。孟子说：“孔子登东山而小鲁，登泰山而小天下。故观于海者难为水，游于圣人之门者难为言。”子贡说：“臣誉仲尼，譬犹两手捧土而附泰山，其无益亦明矣。”孔子甚至也以泰山自喻自伤。他说：“泰山其颓乎！梁木其坏乎！哲人其萎乎!” 更晚近的文献中，还有孔子为攀登泰山（也是为自己）所作的《丘陵之歌》，在诗歌中，“泰山”是孔子可望不可即的高山，一路上荆棘滋蔓，正如孔子在传道过程中经历的磨难。 “四岳” “岳”在商代卜辞中指一个地域之内地位最高的山，有时称为“岳宗”，隐含着祖先的涵义。 西周时期，“岳”被视为姜姓的祖先。《国语·周语》记载：“祚四岳国，命以侯伯，赐姓曰姜，氏曰有吕”。《周语》讲述大禹治水的时候说，“四岳”是水神共工的从孙，辅佐大禹治水，因有功而受封侯伯，其姓为姜，其氏为吕。《尚书》中，尧屡次咨询“四岳”谁来治理洪水、谁来接替帝位；舜还接受“四岳”朝见，问“四岳”谁来总领百官辅佐朝政、谁来主持礼典。此时的“四岳”既指代一位姜姓的先祖，似乎也指代某一座山。 后来，四岳被分化成东、西、南、北的四方山岳，舜东巡守至岱宗、南巡守至南岳、西巡守至西岳、北巡守至北岳。此类模糊不清的历史记叙，体现了上古历史和神话之间的含糊边界。而尧舜禹和“四岳”之间的君臣关系，也暗示了周代中央统摄四方的理想政治格局。 图为：发现于殷墟的亚长牛尊局部，“亞”形符号暗喻了中央辐射四方的意味。 五岳真形图 葛洪在《抱朴子内篇》中提到了《五岳真形图》，这是一种道教重要的符图。道教所谓的“真形”，就是指得道者经过修炼形成的不朽的仙真之形，是一种异化或者说变形。《五岳真形图》就是五岳的变形，不仅记载了五岳的地形和地貌，还可以作为入山求药访仙者的地图，还被视为入山必备重要的辟邪祈福的符箓。 对《五岳真形图》历来有很多解读，有看法认为，其中蕴含了等高线制图法的地图绘制思想，所以这个符箓可能在人类的地图学史上也占有一席之地 。 图为：《五岳真形图》和明代《道藏》所录的《东岳真形图》（另一种版本） 投龙 在先秦的山川祭祀中，就有升山、瘗地、沉川的传统。东汉末年，瘟疫频发。以五斗米教为代表的道教思想认为病就是天罚，因此要通过“三官手书” 向神明悔罪。所谓“三官”，是上元一品赐福天官紫微大帝、中元二品赦罪地官清虚大帝、下元三品解厄水官洞阴大帝；后来又演变为天官紫微大帝、地官清虚大帝、水官扶桑大帝。具体做法是祝祷后书写三通文书，上有患者姓名和服罪之意，然后投于山、埋于地、沉于水。成为投龙仪的前奏。 随着唐代道教成为国教，投龙仪作为国家仪式被用来告祭五岳唐代的帝王会在祭祀天地山川岳渎之后, 把写有祈请者消罪愿望的文简和玉璧、金龙、金钮用青丝捆扎起来，分成三简：山简、土简、水简。山简封投在灵山的诸天洞府绝崖之中，奏告天官上元；土简埋在地里，告地官中元；水简投于潭洞水府，告水官下元。这天地水三官又称三元。唐代帝王曾至少举行投龙仪式78次，非常重视这种仪式。 图为：发现于嵩山峻极峰的武则天投龙金简；发现于西湖湖底的北宋金龙 泰山地狱 泰山地处大陆东方的日出之地，或许在先民的想象中，是泰山的力量，推动了昼与夜的更替，而昼夜又被引申为生死。所以泰山也隐喻着执掌生死的东方主宰。 东汉晚期，泰山就成为亡魂归处。乐府诗里说“齐度游四方，各系太山录。人间乐未央，忽然归东岳”。《后汉书》记载方士许曼生病三年不愈，他去泰山请命，最后痊愈。说明泰山跟人的疾病生死有关。东汉镇墓文里有很多“生人属西长安，死人属东泰山”的话。泰山和死后归处形成了关联。 随着佛教进入中国，为了让更多本土人接受外来的陌生宗教，佛经会常用中土本有的名词或者概念代替佛经语言。东汉时期西域安息国安世高翻译的《佛说分别善恶所起经》最早把佛教阎罗地狱观和泰山紧密结合。经文将地狱译作“太山地狱”。佛经中地狱的统治者为阎罗，对应中国本土的身份就被赋予了泰山府君。佛教在中土系统化的冥界十王观中，太山王占据了一席之地，成为和第五王阎罗王平起平坐的第七王。 因此钱钟书《管锥编》里说“经来白马，泰山更成为地狱之别名”。说的就是因为佛教的传入，泰山承担起了佛教中地狱的功能。 图为：元陆仲渊款，十王图之泰山大王图轴 泰山神圣家族 唐玄宗封禅泰山，把泰山神封为“天齐王”；宋真宗封禅泰山时，泰山又被封为“天齐仁圣帝”，确认了“东岳大帝”的身份，从此行祠遍布全国。在宋代的时候，泰山有了自己的生日，到宋哲宗的时，泰山的五个儿子和夫人构成的泰山神圣家族，都已经加封完毕，也是在北宋，群众性的泰山庙会也形成了。元代泰山又被封为“天齐大生仁圣帝”。直到明太祖朱元璋，他要厘正祀典，才终止了加封号这种行为，就叫最简单淳朴的“东岳泰山之神”。东岳庙就是专门祭祀泰山神的祠庙。 自古以来，对五岳四渎的祭祀需要天子亲自的参与（或授权），才能合法开展，否则就被视为“淫祀”。但明代帝王对教信仰采取了实用主义策略，一定程度上允许百姓参与到泰山祭祀中来。明英宗认为，南郊和山川坛祭祀泰山是天子才能举行的礼仪，但他在北京重建的东岳庙，也允许百姓祭拜。 图为：北京东岳庙 碧霞元君 曹操《气出唱》里说“东到泰山，仙人玉女，下来翱游”，描绘了神仙思想下的泰山玉女。宋真宗封禅期间，专门奉祀玉女，并在随后成功得到子嗣。泰山玉女送子的传说从此深入人心。到了元代，泰山玉女与东岳大帝的父女关系确立下来，名正言顺地与东岳大帝及其五子一起承受泰山神的香火，纳入道教的范畴。道教徒给予泰山玉女的封号是“天仙玉女碧霞元君之神”。 或许因为传统上的东岳大帝具有“主死”的意味，而碧霞元君“主生”，所以她在民间信仰中影响力不断攀升，到了万历年间编纂的《灵应泰山娘娘宝卷》中，东岳大帝所有的职能都被碧霞元君所取代。 作为生育女神，碧霞元君信仰的主体最初主要是女性。这种职能，受到了宫廷的认可，嘉靖十一年皇太后还曾派遣太子太保到泰山致祭碧霞元君，为嘉靖皇帝求子。清代的时候，康熙、乾隆也向碧霞元君行礼。 起初，有大臣批评碧霞元君是淫祀，但是上到皇帝后妃，下到黎民百姓，都认可碧霞元君。所以这个信仰虽然不属于国家祀典，但也可以算作一种准国家祭祀礼仪。至于民间的泰山庙会，也主要是围绕碧霞元君信仰展开，甚至还有佛教的寺庙也要靠供奉碧霞元君才能够维持生计。

有人说要全面认识中国的古典艺术，就需要经历从家具、建筑；到瓷器、青铜器；再到绘画；最后到书法这样一个由浅入深，门槛越来越高的过程。在这个言论中，书法位于中国艺术的核心与顶端。 而李泽厚先生论述中国书法为何不同于阿拉伯书法、拉丁文美术字时也曾说道：书法的独特性在于，它脱胎于象形文字，是一种对自然世界的图画模拟；但在模拟过程之中又超越了物象，被提炼为抽象线条。因此这种线条之美兼具图案花纹的形式美、装饰美，以及富有生命暗示和表现力的美。行云流水，骨力追风，柔中带刚，方圆适度 —— 书法中的每一字、每一篇都可以有个性的创造。而运笔的轻重、疾涩、虚实、强弱、转折顿挫、节奏韵律，同中国的音乐、舞蹈、绘画、雕刻一脉相承又相互彰显，共同构成了中国各类造型艺术和表现艺术的魂灵。 向世界传播这样一套独特的美学秩序，并非易事，每个时代都有优秀的文化学者前赴后继地推动这项事业。张梅驹老师就是这样一位在旧金山设帐授徒的书法家。本期节目，我们邀请张老师聊一聊他在美国教书法的故事。 内容包括： 04:17 为什么世界各国的人们热衷学习中国书法？ 10:11 青铜器铸造和作为审美对象的文字 15:12 理解中国古典艺术关键不在血统 19:40 何为阴阳？美的秩序来自对自然规律的模拟 24:58 张梅驹老师的三管齐下教学法 28:28 解构笔法神话：用笔有无数方法，正道只有一条？ 42:19 从甲骨文、金文到五种书体的演变和相应的笔法 47:25 张老师详细推荐书法入门路径和字帖 70:57 风格化的书写：探讨技术之外，书法抒情达性的一面 83:56 从弘一法师到井上有一：无数支流汇聚书法的大江大河 - 制作团队 – 美术设计 子鹤 后期制作 孙称 张梅驹老师推荐的书法入门路径 一. 以楷书入门 •首先以颜真卿的《多宝塔碑》打基础 •进而学习赵孟頫的《三门记》和《胆巴碑》 •学习智永的《楷书千字文》 •学习柳公权、褚遂良为代表的各家唐楷 上图依次为：《多宝塔碑》、《胆巴碑》、《真草千字文》 二. 在楷书的基础上增加隶书，学习枯涩的笔法和古朴的审美 •先学最经典的孔庙三碑《乙瑛碑》、《礼器碑》、《史晨碑》 •穿插学习《张迁碑》、《石门颂》、《郙阁颂》等高古字帖和邓石如、吴让之、何绍基等清代隶书 上图依次为：《乙瑛碑》、翁同龢临《张迁碑》 三. 在楷书、隶书的基础上，增加小行书拓展笔法 •先学赵孟頫的《赤壁赋》、《洛神赋》 •结合经典字帖的特点和自己的短板进行专项训练。如通过颜真卿的《祭侄文稿》训练绞转。 上图依次为：《赤壁赋》、《祭侄文稿》 四. 增加篆书。用隶书、行书、篆书的笔法反哺楷书。 •先学习邓石如、吴让之、吴昌硕、杨沂孙、黄牧甫等清朝的篆书； •再学习李阳冰的《三坟记》以及《袁安碑》、《袁敞碑》、《峄山碑》等经典作品 上图依次为：邓石如《篆书心经》、《袁安碑》 五. 用楷书、隶书、行书、篆书的基础学习草书 •重点学习智永的《草书千字文》，怀素的《自叙帖》和孙过庭的《书谱》 上图为：《自叙帖》、《书谱》 明轩 明轩，又名阿斯特庭院，是位于美国纽约大都会艺术博物馆的一座中国古典庭院。明轩仿苏州网师园殿春簃建造而成，是中美两国之间首个永久性文化交流项目，开启了中国“园林出口”的先河。 明轩由著名艺术史学家方闻先生，携手陈从周、贝聿铭这些园林、建筑领域的泰斗联袂打造。通过搭建一个真实的中国古典场景，呈现中国文化中园林、家具、绘画、书法等等不同的品类相互补充、又相互彰显，共同构成的独特的中式美学。 图为：明轩 线的艺术 早在新石器时代，世界各地的人们就会绘制一些几何图形、花卉、动物纹样对陶器进行装饰。这些纹饰，后来成为了各地绘画美术的重要起源。而中国的特异之处在于，到了青铜时代，我们开始在金属上大量刻写铭文，通过文字的线条和排布，呈现出原本绘画图案才有的美感。在此过程中，文字线条经过了千锤百炼的净化和提纯，同时具有了装饰线条的形体姿态之美，秩序比例之美，自由多样之美；以及文字符号的情感、意兴、气势力量——这种线条的艺术，正是书法美学的历史来源。 图为：马家窑文化彩陶舞蹈纹盆，散氏盘 书肇于自然 “书肇于自然 ，自然既立，阴阳生焉，阴阳既生，形势出矣” —— 这句话出蔡邕的《九势》，长期以来被视为中国书法的总纲和第一块理论基石。 它的大意是：书法是对天地自然的再现。用笔的轻重快慢，点画的粗细方圆，章法的疏密虚实，用墨的枯湿浓淡，都对应着自然界的阴阳关系。而阴阳转换的千变万化，在书写中则落实为“形”与“势”之间的对立统一。 中国古典文化极大地脱胎于上古先民对自然宇宙的观察和模仿。例如“阴阳”，目前考古发现最早对阴阳观念的形象表达“太极图纹”，就来自距今4000多年的石家河遗址群集的陶纺轮。有学者推测，太极是对一年之中昼夜消长的抽象模拟 ——以白色代表白昼的阳，在夏至日达到顶峰；以黑色代表黑夜的阴，在冬至日达到顶峰；阴阳（昼夜）的连续消长和不断平衡，就形成太极的形象（详见附图）。石家河作为长江中游地区的稻作农业文明，从农业种植的规律中总结出太极，也许并非偶然。 事实上，全球各地人类的美学经验，普遍源于改造自然的劳动经验。节奏、韵律、对称、均衡、连续、间隔、重叠、单独、粗细、疏密，这些美的秩序，都和劳动中合规律性的需求密切相关。基于共同的源头，我们相信即便是书法这样一种极度中国化的艺术，依然可以被全世界的人们理解和欣赏。 图为：画有太极纹的新时期时代陶纺轮；太极如何模拟一年中的昼夜消长示意图 井上有一临摹的颜真卿 张梅驹老师的书法作品

大家在形容中国人——特别是汉民族——种种美德的时候，通常不会使用“能歌善舞”这个词语。但如果把目光转向丝绸之路，敦煌、云冈、麦积山、响堂山... 那些在壁画和雕塑中自由翱翔的飞天伎乐，反弹琵琶的婀娜舞姿，琳琅满目的乐器乐团，分明为我们揭开了一副乐舞繁荣的画卷： 在盛唐乃至于更古老的过去，不同肤色、不同语言的族群，在丝路上汇聚，吹拉弹唱、翩翩起舞。 虽然粟特、龟兹、楼兰、高昌... 这些古老的国家和族群早就不复存在，但是他们的乐舞基因，在西乐东渐的过程中与华夏相融合，构成了中华民族能歌善舞的一面。直到19、20世纪初，对西域各国考古大发现的浪潮中，人们又在佛教石窟里发现了失传的乐器、乐谱和舞蹈的美术图像，为我们揭开更多被黄沙掩埋的古老故事。 本期节目，我们很高兴地邀请《乐舞之美》一书的主编王凯老师，带我们一起走进丝路石窟中的乐舞世界。 内容包括： 04:36 丝路副产品，至今联结千年前的遥远世界 08:00 乐舞，无言讲述贯穿人类文明的故事 11:17 斯坦因的西域冒险让米兰飞天重临人间 22:18 神圣歌唱：从雅利安祷文到黑神话悟空 28:06 汉地古乐，雅乐之外也有异彩纷呈的一面 32:42 华夏正声vs戎华兼采：南朝北朝谁更代表华夏？ 35:48 十部乐：大唐国土汇集印度到日本的天下乐舞 42:13 胡旋舞、胡腾舞和粟特人的神奇征途 54:50 柘枝令、苏幕遮和汉地文学的西域渊源 59:19 从现实乐器到神奇幻想：佛窟乐器的五种类型 73:15 舶来乐舞：长安教坊的西方生活方式 86:30 克孜尔的废墟：粉碎的乐舞造像讲述黑暗往事 102:36 丝路永恒的沙石尘土，陪伴两千年来的求索者 - 制作团队 – 美术设计 子鹤 后期制作 孙称 《我，堂吉诃德》 《我，堂吉诃德》是一部妙语连珠、笑中有泪的喜剧，一曲理想主义的颂歌，也是20世纪音乐剧的殿堂作品。它被被翻译成30多种语言，在全球40多个国家和地区表演， 50多年经久不衰。目前，由七幕人生出品的音乐剧《我，堂吉诃德》十周年版封箱轮正在火热上演。 时间：10/25-11/17 地点：北京·二七剧场 购买链接：https://ticket.antank.cn/ws/EV8iQ9ibAjSb � 早鸟返场「专属」优惠： � 880 / 680 单张半价； � 1080第二张半价 � 购买1080票档，每张赠送本轮官摄纪念U盘、场刊、随机纪念品（徽章、主题书包、票根等，随机纪念品，数量有限赠完为止） 欢迎大家购票观看！ 有翼的天使 1907年斯坦因在位于新疆巴音郭勒蒙古自治州的若羌县，探索楼兰王国的佛塔遗址。发现了一组高鼻深目，皮肤白皙，具有欧罗巴人相貌特征的半身像，背后还长有健硕的翅膀。这一图像风格类似公元前12至公元前8世纪荷马时期的古希腊彩陶瓶的天使形象。而荷马时期距离楼兰古国已经有2000年的历史。壁画绘制者署名为“提图斯”，当为罗马工匠。 图为：米兰飞天 粟特乐舞 粟特是曾经在中亚活跃的古民族，沿着丝绸之路迁徙、经商的历史超过1200年。因为长期受强邻控制而没有形成统一的帝国，但是他们的文化，包括乐舞，随着丝绸之路蔓延传播。大唐十部乐中的安国乐和康国乐都来自粟特。 图为：安伽墓、史君墓、虞弘墓中出土的粟特乐舞图像 伎乐飞天 1978年，麦积山石窟文物保护所的工作人员在清理开凿于北魏的第78窟的佛座周围的碎石垃圾时，意外发现了北周时期的绘制伎乐飞天图像。飞天顶束高髻，长发披肩，面容清秀，细眉大眼，有八字小须。上身袒露，戴项圈，臂钏。伎乐怀抱四弦曲颈琵琶，左手按品位，右手持捍拨，作演奏状。伎乐面部及袒露的肌肤均施白粉，飞扬的绿色飘带和流畅的卷云表现出轻盈的意态。1500年之后，依然保留着轻盈灵动的笔触，浓烈艳丽的色彩，让人惊叹不已。 佛窟乐器 丝路佛窟中的乐器图像，主要可以分为法器类、道具类、变型类、象征类、实质类和不鼓自鸣类这六大种类。其中有些乐器是对现实乐舞的记录，有些则是对极乐天国的想象。 图为：两头笛、义觜笛、花边阮、不鼓自鸣乐器 日本收藏的中国乐器 日本奈良东大寺正仓院中收藏着一些珍贵的传世乐器，也即丝路佛窟中乐舞图像的原型乐器，上图分别为唐代的螺钿紫檀五弦琵琶和唐代的笙。 音乐窟 云冈石窟第12窟其闻名于窟中可见的47件乐器雕塑。既有中国本土乐器的筝、排箫、横笛、琴，亦有西域龟兹的五弦琴、西亚波斯的竖箜篌、天竺的梵贝等外来乐器，是当时社会各民族乐舞艺术大融合的真实写照。 克孜尔石窟 图为新疆克孜尔石窟第一百二十九窟主室的穹窿顶在20世纪初经德国探险队切割破坏后的惨状。这些精美壁画被切割后带回德国，收藏在皇家民族学博物馆。其后多数在二战中被炮火破坏，少量至今收藏在德国柏林亚洲博物馆和俄罗斯的冬宫。 沙石尘土 王老师团队在制作《乐舞之美》过程中，收集了“敦煌沙”、“龙门石”、“麦积土”、“云冈尘”，为读者奉献一份独具信仰与力量的周边。 《乐舞之美》 古代佛教乐舞从印度次大陆、中亚腹地，与佛教经典、造像艺术一同进入西域诸国，传播至华夏中原大地。这一路上融合了不同民族的元素、不同地域的特色，不同国家的审美，不断地进行艺术蜕变与演化。 《乐舞之美》一书汇集了多位在考古学、音乐史、舞蹈史、民族器乐等学术界卓有成绩的学者专家，按不同主题，从不同角度撰写了既有学术性，又通俗易懂的学术文章；遴选出300多幅光影独特，细腻动人的摄影作品，作为配图；书中的12章节，分别对应到音乐上的 、佛教里的十二因缘、易经上的十二消息卦、还有天文上的十二北斗星象，体现华夏文化里处处相通，处处调和的特色。本书刚刚获得2024年“伦敦国际设计大奖”，欢迎大家关注。

2022年周杰伦发布单曲《最伟大的作品》，通过和梵高、莫奈、马蒂斯这些旧时代的艺术家同行，进行了一种自我经典化的塑造。相对于2024年的流行音乐，周杰伦已经成为一种经典。但如果我们回顾20多年前周杰伦刚刚进入人们视野的时期，贴在他身上的，恰恰是 “口齿不清” 、 “桀骜不驯” 和 “叛逆” 这些先锋标签。 事实上，哪怕梵高、莫奈甚至达芬奇这样具有毋庸置疑经典地位的艺术大师，在他们的活跃的时代里，往往也被人们视作标新立异的先锋派。因此艺术的过程，其实就是一个先锋不断成为经典的过程。而经典的意义，也在过程之中不断被重新定义。 此外，相信很多人都认同周杰伦的音乐是一种经典，但如果把它归入古典 ，恐怕就难以让人信服。但问题是，西方艺术中的“古典”和“经典”都来自同一个词语： classical 。所以到底什么是classical？它具有何种力量，让古往今来的国王权贵、文化领袖和艺术大家都为之着迷，心心念念让自己也成为经典？ 本期节目，我们邀请来自中央美术学院人文学院的于润生老师带大家踏上一段时空穿越之旅 —— 从古代的希腊、罗马；到文艺复兴；再到17世纪的封建君权时代；直至18世纪伴随法国大革命而来的世界变革时代 —— 我们将一同寻访：经典（古典）的意涵如何贯穿这些迥然不同的历史时期？古典的精神，在艺术上有着怎样的呈现？古典的沉浮，又如何主宰了我们的美学从繁琐富丽的宫廷审美到简洁多元的现代审美之间的变迁？ 内容包括： 00:28 从凡尔赛宫、维也纳音乐厅到你的客厅：美学从繁琐走向轻盈 06:20 先锋、流行、还是经典？解读周杰伦的话语，是权力的话语 16:57 孔子和达芬奇都是复古主义的创新者 30:40 通向神的道路：古希腊哲学奠定艺术的根本追求 33:59 光与暗的倒转：文艺复兴是古典精神的重生 38:04 文艺复兴所复兴的理想时代，或许从未存在过 42:28 新教改革、法国崛起和17世纪欧洲艺术中心的变迁 53:05 太阳神的隐喻：调停新旧阶层冲突的专制君王 56:14 奢华但可笑：莫里哀讽刺凡尔赛宫的宫廷生活 60:26 启蒙运动：人生而平等的理念在根本上重塑艺术 65:12 庞贝古城的考古和拿破仑的远征带来古代景观的重生 70:45 从皇室私藏到国家宝藏，博物馆制度改变人对国宝的认知 75:46 高贵的单纯，静穆的伟大：新古典主义运动是对巴洛克的反叛 85:27 大卫：风起云涌的革命年代和艺术家漂泊无定的际遇 99:43 安格尔：被新古典主义否定的画家，扛起了新古典主义的大旗 103:34 乌东：用雕塑把伏尔泰、华盛顿装扮成古代哲人、将军 107:48 布雷：用理性主义的秩序为牛顿打造衣冠冢 114:35 早期音乐：奉献给神的咏唱和失落的乡间小调 118:09 海顿、莫扎特、贝多芬：维也纳大师重塑音乐 122:57 从献给拿破仑到献给理想英雄：第三交响曲和时代的转折 129:36 上帝死了：古典的终结和现代意识的诞生 - 制作团队 – 美术设计 子鹤 后期制作 孙称 Bose SoundLink Home蓝牙扬声器 Bose最新推出的SoundLink Home蓝牙扬声器是美学与声音的结合体。Bose希望通过结合古典美学的优雅庄重和现代生活的简洁舒适，为人们打造一个既有历史传承又符合当代审美的家居和音乐空间。SoundLink Home蓝牙扬声器传承了Bose一贯出众的声音效果，在全音域的驱动单元和被动双膜共振技术的加持下，以清晰明亮的音效和浑厚的低音，打造出理想的收听体验。 9月25日-10月10日期间，在天猫、京东搜索Bose，向旗舰店客服报暗号 “剧谈社” ，即可获得50元新品专属优惠券（有效期至10月10日）。 秩序之美 古希腊雕塑家波利克里托斯一心追求从数学规律中探索对人体最完美的表现。他认为人类最均衡的头身比应当为1：7，并且归纳整理出著作《规范》（Kanon），其内容表现了人体解剖学与人体美学的典型，由此可以看出希腊人注重理性的特质。《持矛者》是波利克里托斯的作品，雕像的人体比例表现出十分完美，成为后人追求理想化人体比例的标准。 图为：藏于那不勒斯国立考古博物馆的持矛者大理石仿制品。 巴洛克艺术 巴洛克是17世纪风行欧洲的艺术风格。它上接文艺复兴风格，下启洛可可风格，以强烈冲击力、运动感、感染力和绚烂豪华的视觉风格为人们熟知。 巴洛克诞生于16世纪末的“反宗教改革”运动之中。当时的罗马天主教会在新教运动的冲击下，发起了大规模的宣传运动，以留住仍然忠于他们的天主教徒。他们号召艺术家以极致的热情，把上帝之美具象化，透过无所不用其极的造型美、雕琢美、具象美来和简陋的新教艺术品作对比，在这种反差下吸引更多人加入天主教会。节目中提到的吕利的音乐、凡尔赛宫镜厅的装修，贝尼尼的雕塑，均具有强烈的巴洛克风格。 图为：凡尔赛宫的镜厅；贝尼尼的《阿波罗与黛芙妮》 普桑 普桑是17世纪的法国画家。他的创作被视为连接巴洛克和古典主义风格的重要过渡。从17世纪20年代到40年代的作品，呈现出从有具有强烈动感、感染力和视觉冲击力的风格，向克制、冷静、隐晦的方向发展。 普桑对深奥的文学典故有极大的兴趣，不少绘画如同字谜。他的代表作《阿尔卡迪的牧人》，表现了在阿卡迪亚，这样一个古希腊传说中的乐土，四个身着古代服饰的人物围着一座石碑仿佛在讨论着什么问题。石碑上写着：“Et in Arcadia ego”——“即使在阿卡迪亚，我也存在”。有人认为，这里的“我”，指的是死神。 图为：《阿尔卡迪的牧人》 太阳神，太阳王 凡尔赛宫镜厅的天顶壁画由路易十四的御用画师查尔斯·勒布伦创作。在这些绘画展现了路易十四在其亲政期间文治武功的光辉历史。勒布伦并没有对历史事件进行单纯的纪实性的描绘，而是结合了一种充满神话色彩的表达。在画中，现实的事件和神话的场景融为一体，路易十四和太阳神并肩而行，引领法国军队驾云凯旋，而他的手下败将们则纷纷跪倒在脚下。 此种表达属于古典主义的叙事；而太阳神在古希腊文化中也有着秩序和理性的隐喻。但镜厅本身金碧辉煌的装修风格是巴洛克的。这就说明，古典主义对巴洛克的替代并非一蹴而就，而是有一个漫长的过程。而凡尔赛宫的镜厅，正是这一过程的具象化。 图为：镜厅天顶壁画局部 帝国风格 帝国风格指一种19世纪早期，流行于建筑、家具、装饰艺术和视觉艺术的设计风格。随着拿破仑登基称帝和法兰西第一帝国的扩张，他希望通过一种全新的艺术风格，来和波旁王朝的艺术划清界限，美化自己的个人魅力并且激发法国人的爱国之心。这种风格大量地借鉴了包括狮身人面像、方尖碑、希腊陶器等来自古代埃及、希腊和罗马共和国遗址的考古发掘的样式和图案，用色饱和而浓重，风格流畅而华美。 图为：巴黎旺多姆广场的石柱；约瑟芬皇后的卧室；帝国风格的小桌 雅克-路易·大卫 雅克-路易·大卫是新古典主义绘画的奠基人和杰出代表，他的一系列历史画标志着法国艺术由洛可可风格向古典主义的转变。大卫活跃在法国革命风起云涌的年代，他首先是受王室资助的保王党；也是罗伯斯庇尔的朋友、雅各宾派的一员；罗伯斯庇尔失势之后，又投靠拿破仑；拿破仑失势后，自我流放到布鲁塞尔，并终老于此。 大卫的许多绘画作品，都是对时事的重要映射：《荷拉斯兄弟之誓》和《处死自己儿子的布鲁图斯》是歌颂为了捍卫共和，不惜牺牲家庭的品格；《马拉之死》将马拉描绘成为共和理想而殉道的英雄；《萨宾妇女》讲述同属罗马的拉丁人和萨宾人化解仇怨，这是对大革命后法国残酷政治斗争的注脚，号召革命同志不要手足相残；他为拿破仑加冕创作的巨型油画，更是新古典主义运动中的旷世巨作。 图为：《荷拉斯兄弟之誓》、《处死自己儿子的布鲁图斯》 图为：《马拉之死》姿态对比米开朗基罗的《圣觞》 图为：《拿破仑加冕》、《萨宾妇女》 让·奥古斯特·多米尼克·安格尔 安格尔自认为是普桑和大卫绘画传统的忠实捍卫者，但在生涯早期却得不到古典主义艺术评论家的认可。因为当时的评论者普遍认为，绘画的发展是一种从线性风格向图绘性风格发展的过程。文艺复兴以来所发展出的，通过细小的笔触和块面，实现人/物体边缘和背景自然过渡，是绘画进步的重要体现。而安格尔的绘画特别重视线条，笔下的形象仿佛勾勒了一圈硬边。有评论人认为，这是中世纪加洛林风格的表现。 到19世纪后半叶，安格尔的古典主义特质才得到人们的普遍肯定。他在代表作《大宫女》、《泉》等代表作中，出于视觉完美的原则，而修改了人体真实的比例，体现出他在理想和现实之间，所持有的艺术取向。 晚年的安格尔，作为新古典主义绘画风格的旗手，对抗着方兴未艾的浪漫主义风潮，成为了德拉克洛瓦的对立面。我们可以在安格尔这样一个画家身上，看到新古典主义这个概念的丰富和多样性——被新古典主义所否认一个画家，最后扛起了新古典主义艺术的大旗。 图为：《大宫女》、《泉》 让-安托万·乌东 乌东是法国新古典主义的雕塑家。他的著名作品包括为当时许多伟人创作的塑像，并在这些作品中对原型进行古典化的塑造。例如，他为伏尔泰制作的坐像中，伏尔泰身着一件仿古的罗马式的长袍，端坐在罗马式的扶手椅里边。这是把伏尔泰这样一位当代学者，塑造成充满智慧的古罗马哲学家形象。 他为华盛顿创作雕像中，华盛顿虽然身穿美国军装，但是身旁有一根古典立柱，外部还有罗马束棒的纹样，和古代罗马风格的斗篷。这是把华盛顿这样一位当代领袖，按照古罗马将军的形象塑造。 图为：《伏尔泰》、《华盛顿》 庞贝的末日 《庞贝的末日》是俄国画家卡尔·巴甫洛维奇·布留洛夫的作品，表现了庞贝古城在火山袭击下被毁灭的惨状。《庞贝的末日》没有讲述一个故事 ——它没有因，也没有果——一种不可捉摸的自然力量让人们陷入灾难，所有的一切都发生于偶然的自然规律之中。 对比古典主义时期，那些充满教育意义的绘画。《庞贝的末日》显示出19世纪以来，随着人们对世界认识的进步，古典时代那种一个永恒价值的信念已经逐步坍塌。艺术开始大量表现人的内在、梦境、本能、冲动这些非理性的因素。这些超越古典认识的思考和尝试，使得艺术走向了现代主义，走向了今天。 图为：《庞贝的末日》

电影《死亡诗社》中有一段十分著名的台词。大意是：医学、法律、商业、工程可以支撑我们活着，但诗歌、浪漫、爱情和美才是活着的意义。城市充斥愚昧，生活在其中意义何在？答案是，因为你的存在。伟大的戏剧正在上演，而你可以奉献一首诗。 在这段叙述里，诗歌是一种极为特殊的人类活动，它不能给生活带来直接的帮助，却是生活的意义所在。人之所以为人，之所以和动物、机器有所区别，正因为我们可以通过读诗、写诗这样无用的审美活动来彰显人性。 可是人工智能赫然耸现，在很大程度上挑战了这种认识。AI不但在医学、法律、工程这些工具领域大放异彩，同样也能够胜任许多立足于人类情感的活动。网上有个段子说，科技的方向是不是搞错了？我本来以为机器人会帮我扫地、洗碗，让我去写诗、画画。没想到现在的AI都在写诗、画画，我还在扫地、洗碗。 事实上，AI的文学创造力，在它最擅长的体裁上，已经可以媲美专业人士。但是比之李白、杜甫这样顶尖的大文豪，始终还有一段差距。而这一小段的差距，恰好构成了机器和人类之间的鸿沟，文学的本质也全然蕴含在其中。 本期节目，我们邀请剧谈社的老朋友，中国社科院古代文学博士王悦笛老师，通过这一小段差距，为大家揭示什么是文学。 内容包括： 03:18 旧体诗三首：杜甫、吴伟业和AI的 “登高” 诗，优劣几何？ 23:45 词汇陌生、意象跳跃、诗意朦胧：AI新诗几可乱真 29:45 王国维评述AI短板：写诗也是人情世故 33:54 AI写诗简史：从刘慈欣、稻香居到九歌、诗三百 37:56 读不懂就不能是好诗吗？李商隐不以为然 39:00 分寸感和信任感，是AI拟人路上难以跨越的鸿沟 45:35 李白杜甫谁更优秀一点点？盘点历代诗家评价 54:10 从心所欲不逾矩：晚年杜甫达到返璞归真的境界 62:52 AI能征服围棋却不能征服诗：文学和其他活动差别何在 67:59 对于诗歌的三种传统定义：没有AI的容身之地 73:48 接受美学和独立说：现代文论承认AI的文学价值 92:58 穿越初唐霸占李杜诗歌，我能成为一代文豪吗？ 97:09 唐诗vs清诗：为什么文学在进步，但杜甫从未被超越？ 98:05 钱钟书的十大诗人排名，为何把李白、苏轼排除在外 106:51可以代替保姆，但不能代替母亲：从AI写诗谈诗的未来 - 制作团队 – 美术设计 子鹤 后期制作 孙称 以下是本期节目提到的一些诗歌。想了解更多嘉宾王悦笛对诗歌的评述，欢迎关注王老师的视频号“悦笛说”。 《登高》 杜甫（唐） 风急天高猿啸哀，渚清沙白鸟飞回。 无边落木萧萧下，不尽长江滚滚来。 万里悲秋常作客，百年多病独登台。 艰难苦恨繁霜鬓，潦倒新停浊酒杯。 《过淮阴有感》 吴伟业（清） 登高怅望八公山，琪树丹崖未可攀。 莫想阴符遇黄石，好将鸿宝驻朱颜。 浮生所欠只一死，尘世无繇拾九还。 我本淮王旧鸡犬，不随仙去落人间。 《登高》 AI 秋色萧条天地间，登临何处是乡关。 黄云白草迷秦塞，落日西风满汉山。 万古兴亡同逝水，百年身世等浮寰。 平高欲问当时事，惟有寒鸦自往还。 《独不见》 沈佺期（唐） 卢家少妇郁金堂，海燕双栖玳瑁梁。 九月寒砧催木叶，十年征戍忆辽阳。 白狼河北音书断，丹凤城南秋夜长。 谁为含愁独不见，更教明月照流黄。 《和贾舍人早朝大明宫之作》 王维（唐） 绛帻鸡人报晓筹，尚衣方进翠云裘。 九天阊阖开宫殿，万国衣冠拜冕旒。 日色才临仙掌动，香烟欲傍衮龙浮。 朝罢须裁五色诏，佩声归向凤池头。 《咸阳城东楼》 许浑（唐） 一上高城万里愁，蒹葭杨柳似汀洲。 溪云初起日沉阁，山雨欲来风满楼。 鸟下绿芜秦苑夕，蝉鸣黄叶汉宫秋。 行人莫问当年事，故国东来渭水流。 《爱情》 AI 用一种意志把自己拿开， 我将在静默中得到你， 你不能逃离我的凝视。 来吧，我给你看， 嚼食沙漠的仙人掌， 爱情深藏的枯地。 《锦瑟》 李商隐（唐） 锦瑟无端五十弦，一弦一柱思华年。 庄生晓梦迷蝴蝶，望帝春心托杜鹃。 沧海月明珠有泪，蓝田日暖玉生烟。 此情可待成追忆，只是当时已惘然。 《客夜》 杜甫（唐） 客睡何曾著，秋天不肯明。 卷帘残月影，高枕远江声。 计拙无衣食，途穷仗友生。 老妻书数纸，应悉未归情。 《月夜》 杜甫（唐） 今夜鄜州月，闺中只独看。 遥怜小儿女，未解忆长安。 香雾云鬟湿，清辉玉臂寒。 何时倚虚幌，双照泪痕干。 《江畔独步寻花》 杜甫（唐） 黄四娘家花满蹊，千朵万朵压枝低。 留连戏蝶时时舞，自在娇莺恰恰啼。 《江上值水如海势聊短述》 杜甫（唐） 为人性僻耽佳句，语不惊人死不休。 老去诗篇浑漫与，春来花鸟莫深愁。 新添水槛供垂钓，故着浮槎替入舟。 焉得思如陶谢手，令渠述作与同游。 《遣闷戏呈路十九曹长》 杜甫（唐） 江浦雷声喧昨夜，春城雨色动微寒。 黄鹂并坐交愁湿，白鹭群飞太剧干。 晚节渐于诗律细，谁家数去酒杯宽。 惟君最爱清狂客，百遍相看意未阑。 《赶时间的人》 王计兵 （现代） 从空气里赶出风，从风里赶出刀子， 从骨头里赶出火，从火里赶出水。 赶时间的人没有四季，只有一站和下一站。 世界是一个地名，王庄村也是。 每天我都能遇到，一个个飞奔的外卖员。 用双脚锤击大地，在这个人间不断地淬火。 《关于漏水的艺术成分》 王悦笛（现代） 水管坏欲空，万法宁无漏。 听似肖邦弹，雨滴鸣前奏。 初视泪几点，后汇而为龙。 一条屋漏痕，蜿蜒行中锋。 庸手不可到，顿挫鲁公笔。 墙粉随剥落，水洇白雪密。 水粉涂地开，深浅山高下。 孰云老破小，吾得琴书画。

《穿Prada的女王》里，安妮海瑟薇饰演的小助理对时尚的价值将信将疑。作为回应，时尚杂志的主编米兰达，贡献了一段非常出圈的台词：de la Renta设计了天蓝色晚礼服，YSL设计了天蓝色夹克衫，从此天蓝色成为其他8位设计师的挚爱，在他们的商店出售。经过时间淘洗，这种蓝色最终出现在打折市场被大众购买。你以为蓝色平平无奇，其实它价值千金，耗费心血无数；你以为自己和时尚无关，其实时尚业早就帮你选好了衣服。 这段意气风发的演说，不仅仅是对下属的PUA。20世纪初，社会学家齐美尔提出了时尚变迁理论，核心正是：时尚的过程就是社会底层模仿社会精英的过程。齐美尔认为，上层社会在挑选服装的同时,设定了审美和趣味的道德性和社会价值。服装又是全社会最显著的消费形式。所以上层的选择在向下沉淀的过程中，会潜移默化地塑造整个社会文化，最终导致世界上不同的文明、不同的族群呈现出千姿百态的面貌。 所以我们衣橱里的服装，不仅仅是服装，也是社会等级最显著的标志；身份认同最直观的彰显；是不同族群各色的表情；也可以维护、乃至于颠覆权力边界 —— 在扁平的现代社会尚且如此，在秩序森严的古代社会，就更加如此。 目前嘉德艺术中心正在举办《国采与宫色——清代宫廷织绣服饰色彩展》展出了来自故宫博物院的近百件清代宫廷织绣服饰和沈阳故宫博物院藏的相关展品，为我们打开了清代宫廷衣橱。本期节目，我们邀请展览的策展人，来自故宫博物院宫廷历史部的章新老师，为我们讲解三百年来中华锦绣的魅力；也为我们揭示这些美轮美奂的服装与色彩如何连接遥远的上古时代和我们的现代生活 ，其中又牵连了怎样的文化渊源。 内容包括： 04:13 熟悉又陌生的色彩，贯穿古今东西所有的文明 09:07华夏与丝绸：从嫘祖传说到西阴村蚕茧 15:09 清宫三百年服色变迁：从关外生活到世界潮流 28:33 渔猎生活、蒙古设计、汉族理念共同塑造后金服饰 35:22 黄色的逆袭：廉价印染还是皇家尊色？ 38:16 八旗演化和清初政局：服色制度不仅关乎于服色 45:12 天地日月的颜色与天子的祭祀礼服 49:51 中华锦绣的魅力和江南织造的沉浮 59:13 蜀锦、漳绒、潞绸：盘点失落的辉煌工艺 64:54 八宝、八仙、十二章：乾隆华服上的儒释道 69:55 龙与龙袍： 时代的诠释和君主的隐喻 81:27 北京宫廷汇集全球织物，折射帝国的尺度 86:31 机械和化学的革命与晚清在贸易战中的节节败退 94:03 旗袍并非宫廷服饰，而是现代化的产物 98:16 庄士敦斥责溥仪的西服难登大雅之堂 100:57 古代遗产融入现代生活，仰赖于创造而非继承 - 制作团队 – 美术设计 子鹤 后期制作 孙称 最亲近的文物 在古人的眼里，衣服可以代表人。清朝宫廷有时会把帝后的礼、吉服供奉在神座上代表人的存在。同样我们也可以从历史人物留下的服装，看到他们的身量乃至于神采。结合极高的规格、高大的体型（身长148厘米，两袖通长193厘米）和蒙古的元素，我们推测这件古铜色八团金龙纹妆花缎女夹龙袍是孝庄太后的礼服。 图为：古铜色八团金龙纹妆花缎女夹龙袍。女龙袍圆领，右衽大襟，裾左右开。领、袖以及左右臂中部花接袖都以石青地金龙纹妆花缎为饰。袍为定织的古铜色地团龙纹妆花缎料，团龙花样用色不同于一般，金线以外以青、蓝、绿、白为主，间以红色点缀，连火珠、火焰纹都用绿色。袍带黄条，墨书：“嘉庆十二年十二月初四日收敬事房。” 此袍在古铜色缎地上强调了蓝绿色的装饰感，又以团纹中的红彩和珊瑚纽扣跳脱于沉着的古铜色之上，使得这件女龙袍低调但并不沉闷。 五色礼神制帛 帛，最古老的丝织品通称。《论语》中记孔子的发问：“礼云礼云，玉帛云乎哉？”说明帛自上古就是礼仪的重要物质载体。中华数千年历史中，各王朝也承袭着玉帛祭祀的传统。明清两代较高等级的大祀、中祀均用制帛作为祭品。而皇家在南京设立的江宁织造则有专为皇家提供礼仪织物的神帛堂和专用织机。 《大清会典》记载了：祭祀则供制帛。制帛之等七，一、郊祀帛，二、告祀帛，三、奉先帛，四、礼神帛，五、展亲帛，六、报功帛，七、素帛。自报功帛以上皆织清、汉文于帛端，惟素帛无文。礼神帛有天青、黄、红、元、白五色。郊祀帛、告祀帛有黄色及天青色。奉先帛、展亲帛、报功帛俱白色。这样的礼制一直延续到20世纪初，清末宣统帝的小朝廷于1911年逊位，留下了一批没来得及使用的祭祀制帛。当时江南织造的神帛堂早已在光绪三十年（1904年）被裁撤，这批神帛为杭州织造臣所织办，但在王朝末日之际，礼崩乐坏，坛庙倾颓，这批五色礼神制帛遂在内府角落遗存下来。 图为: 五色礼神制帛 黄色的逆袭 黄色本来是很易染得的衣色。自中古隋唐帝王起，渐渐为统治者服制所专断。陈桥驿一人黄袍加身，便成就三百年赵宋天下。黄色成为了代表皇权的特殊色彩，并进而成为中华正统的象征。 辽、金、元、清等北方少数民族入主中原后，都沿袭了以黄为尊的文化传统，清代统治者在政权建立和巩固的一百多年过程中，不断汲取和利用中华丝绸染织等物质成果和文化传统，发展和丰富皇权体系中用黄的制度，明黄、杏黄、金黄、香黄，在服色礼制中等级明晰，此外还有鹅黄、米色、葵黄、秋香、韭黄、泥金等诸彩更丰富了生活服饰，给中华衣彩带来更多光明。 依次为：明黄色缂丝彩云金龙纹男单朝袍；明黄色缂丝彩云蝠金龙纹女夹朝袍；杏黄色纱绣彩云蓝龙纹女夹龙袍；香色缎绣彩云金龙纹女夹龙袍；米黄色绸绣浅彩梅蝶纹衬衣面料 云锦妆花 康熙时代，随着战乱的平息、造办处的设立和江南织造局体系的恢复，许多明代以来的织造工艺得到了继承和发展，其中云锦妆花就是典型的代表。甚至乾隆朝的内务府官员都认为，就以云锦妆花的技术而言，“乾隆不如雍正、雍正不如康熙”。 图为：运用妆花工艺的青色折枝花蝶纹妆花缎女帔。女帔对襟，阔袖，缀白绫直领，裾左右开，衣长及膝，衬湖绿色云纹绫里，胸前钉系带两条。帔前后衣身的纹样一致，以八团大折枝牡丹、梅花等花卉为骨架，前胸后背的折枝牡丹更有湖石相称，小折枝石榴、香橼、桃花、菊花、石竹花、秋海棠花等各种花卉以及各色大小蝴蝶散布其间，整体采用非对称的体量均衡式布局，生动写实，生机盎然。 此帔衣料为康熙年间苏州织造局之贡品，纹样丰富多姿，布局舒朗生动，设色艳丽而和谐，极具匠心，堪称妆花织物之珍品。深色女帔为戏中老旦穿用，如《宇宙锋》之赵艳容、《贺后骂殿》之贺后等。 天地日月色 按照华夏古礼， 玄色是天的颜色、纁色是地的颜色，因此天子祭祀应当“玄衣纁裳”，以对应天地玄黄。清代统治者在基本沿袭华夏祭祀制度的基础上，对祭祀礼服进行了改革创新：以石青色祭天，明黄色祭地，大红色祭日，月白色祭月，体现了满族人对色彩的高度自觉。 图为：蓝色缂丝金龙纹男夹朝袍。朝袍圆领，大襟右衽，马蹄袖，石青色披领绣彩云金龙纹，明黄色绦带背云，上衣下裳相连。袍以蓝色缂丝为地，用二色圆金线缂织金龙纹如制，五彩丝线织祥云、八宝平水及海水江崖等纹饰，衣身列十二章。此朝袍缂工细密，色彩丰富，层次分明。根据清代典制，此蓝色朝袍应是皇帝在南郊祈谷、雩祭场合时所穿用。 图为：明黄色纳纱金龙纹男单朝袍。朝袍圆领，大襟右衽，马蹄袖，石青色披领绣彩云金龙纹。上衣下裳相连，周身镶饰青色描金衣缘。袍在明黄色纱地上纳纱盘金绣龙纹，以五彩丝绒绣彩云及海水江崖等纹饰。衣身列十二章，不过下裳右前后藻、火二章位置对调，说明乾隆年十二章排布位置有过改动。色彩丰富，层次分明。根据大清会典，此种纱料的明黄色夏朝服正是夏至时分皇帝亲往北郊地坛，祀地祭礼中穿用的祭服。 图为：大红色缂丝金龙纹男夹朝袍。朝袍圆领，大襟右衽，缀铜鎏金錾花扣五，马蹄袖，上衣下裳相连属，裾左开，唯缺披肩。袍面以缂丝工艺织青绿祥云、金龙纹、火珠和海水江崖纹等纹样，以及有虞十二章纹等。此件大红祭服身形短小，纹样也为晚清风格，应是为同治小皇帝定织的朝日祭服。 大红色朝袍为清代皇帝祭服之一。皇帝春分当日在日坛，卯时（早六时左右）祭日穿用的祭服。朝日属中祀级别中最重要者，凡遇天干在甲、丙、戊、庚、壬的年岁，皇帝要亲往朝阳门外东郊登坛行礼，其余年份则可派遣官员致祭。朝日祀典上，皇帝御大红礼服，即与乐舞生的红色销金花服同色系了。 图为： 月白色缂丝金龙纹男夹朝袍。朝袍圆领，大襟右衽，马蹄袖，上衣下裳相连属，裾左开，这是清代礼服也是祭服的基本形制。此朝袍月白色，缂丝彩云金龙等纹样，应是皇帝亲祭夕月坛时所穿着祭服。 月白色是清代服饰色彩中最普遍也最重要的衣色，其淡蓝色相呈现确实与月色相关，在古文献中又被称为“月色”或“玉色”。月色不仅是皇帝夕月礼的祭服色，也是很多朝服和吉服的衣里色。在平素宫廷生活中，清静高雅的月白色更是受到喜爱。皇家祭祀坛庙大多在黎明时分行礼，唯独夕月坛祭在秋分日酉时（晚六时左右）。凡遇地支在丑、辰、未、戌的年岁，皇帝要亲往阜成门外西郊登坛行礼，其余年份则派遣官员致祭。 十二章 十二章是起源于华夏远古的十二种纹样。根据《尚书》记载，舜帝（有虞氏）和大禹讨论天地之道时说：“予欲观古人之象，日、月、星辰、山、龙、华虫，作会；宗彝、藻、火、粉米、黼、黻，�绣，以五彩彰施于五色，作服。”因此也叫“有虞十二章“。 十二章内涵丰富：日、月、星辰，取其照临之意；山，取其稳重、镇定之意；龙，取其神异、变幻之意；华虫，羽毛五色，甚美，取其有文彩之意；宗彝，取供奉、孝养之意；藻，取其洁净之意；火，取其明亮之意；粉米，取有所养之意；黼，取割断、果断之意；黻，取其辨别、明察、背恶向善之意。这些都是王者的美德。自周代以来，中国确立了贵族礼服包含十二章的服章制度，一直延续到清代。 图为：明黄色纳纱金龙纹男单朝袍上的十二章细节。根据大清会典，此种纱料的明黄色夏朝服正是夏至时分皇帝亲往北郊地坛，祀地祭礼中穿用的祭服。袍在明黄色纱地上纳纱盘金绣龙纹，以五彩丝绒绣彩云及海水江崖等纹饰。衣身列十二章，不过下裳右前后藻、火二章位置对调，说明乾隆年十二章排布位置有过改动。色彩丰富，层次分明。 锦绣和文房 清代宫廷用锦以宋锦为风雅，以洋锦为时尚，以花锦为绮丽，以金锦为荣华。锦装遍布宫室、戏台、佛堂、书斋，与收藏珍玩的库房。清代锦承袭明锦，而在康雍乾三朝皇帝督促官营织造用心的经营下，创新颇多，形成了清代织锦的独特风格和新的时代面貌。 清代历朝帝王大多是参禅礼佛的虔信者。而每逢年节机暇，正是他们游于诗文经论之时。清帝抄写最多的是《般若波罗蜜多心经》，每月初一、十五朔望二日以及四月初八浴佛日，以及皇帝生日万寿节，常常要薰香沐手，敬写佛经。御笔写经的装潢也讲究庄严胜妙，纸墨上乘，经文前后常绘制精美的佛像，经折外及函套常装裱金锦。因历朝帝王写经较为规律，所以不同时期，经折上装裱的各式宫锦遂成织锦历史的一系标本，足供赏鉴。 而“蒋溥紫塞清光图中秋帖子词卷“ 是乾隆皇帝珍藏的君臣唱和中秋帖子词一套十卷中的第二卷。《中秋帖子词》手卷外缂丝月白色地杏林春燕图包首，在锦纹地上缂绘春日里，双燕翻舞于一树杏花间。开卷引首御题“紫塞清光”四字。其后在描绘宋花边的金粟笺藏经纸上御笔“丙寅中秋帖子词”并序。附图由吏部侍郎蒋溥设色绘巴彦河洛围场中秋景。后幅为梁诗正、蒋溥酬和的诗章。 “国采与宫色——清代宫廷织绣服饰色彩展” 由故宫博物院和嘉德艺术中心联合主办、沈阳故宫博物院特邀支持的“国采与宫色——清代宫廷织绣服饰色彩展” 正在对公众开放。此次展览将集中展示故宫博物院收藏的近百件珍稀清代宫廷织绣服饰展品。同时，亦有沈阳故宫博物院精彩展品呈现。此次展览近九成展品皆为首次展出，力图全方位展示中华传统“高定”的巧夺天工！清沿明制，大清衣冠，是于今未远的中华传统服饰，是中国古代丝绸最后的辉煌，也是中国古代植物染业最后的华彩。嘉德艺术中心与故宫博物院第六次联袂，倾力推出难得一见的清代宫廷织绣服饰色彩大展。

《世说新语》记载了一个小故事：曹操进爵成魏王后，匈奴使者前来朝见。曹操觉得自己身材矮小，相貌平平，无法在外族面前展示中原人物的风采；而下属崔琰容貌端庄，身材魁梧，很有气派，于是让崔琰假扮魏王接见来使，而自己扮作魏王的侍从，持刀站立在旁。会见结束后，曹操让人向匈奴使臣打探，你看魏王这人怎样？匈奴说，魏王形象好，很有风采，但是他身边拿刀的人，才是真正的英雄。 这个很大概率由后世伪造的故事经常被人引用，形成了捉刀人的典故。匈奴使者到底怎么看出曹操才是真英雄？书上没有记载，我们也不得而知。现实生活中，如果我们没有匈奴使者的慧眼，就只能依赖一些比较表层的指标，去品评人物 —— 气质挺拔，声音洪亮，这是领导的样子；仙风道骨，飘飘出尘，这是道士的样子；宝相庄严，慈悲肃穆，这是和尚的样子… 而今天的主题，艺术家，其实在大家的心目中也有一套艺术家该有的样子。 正如了解佛教道教理论的人很少，了解和尚道士样子的人很多；了解艺术内在价值的人也很少，而了解艺术家样子的人很多。所以人们往往只能通过表面的样子，判断艺术家能否走向成功。而市场和舆论，则以成功艺术家的样子为起点，逆向建构了一系列通向成功的路径——通过价格、存量、流动性，展览、奖项、著录，甚至于艺术家的外形、气质、性格，这些KPI 来量化一个艺术家成功之路上的进度。当这些KPI经过充分研究，甚至演化出一门指导艺术家如何成功的学问，也即“艺术成功学”。 本期节目我们邀请资深艺术从业者渣克周老师，尝试采用一种尽可能严谨的方式，探讨“艺术成功学”这个看上去好像不是那么严肃的话题。通过对于这些KPI有效性以及背后原理的分析，我们希望能够启发大家，去穿透艺术的样子，直击艺术的本体，像匈奴使者看破曹操一样，在本质的层面上体验艺术。 内容包括： 03:54 东亚成功学传统：先秦诸子热衷于教你成功 08:31 笑的理论：人是重叠灵性与机械性的矛盾体 17:30 反讽“艺术成功学“，小丑竟是我自己 23:38 离开成功学指标，我们还能沟通艺术吗？ 27:24 成功的景观：艺术“三像“理论 31:09 作品本体维度的五条成功学建议 42:40 为什么说“艺术无关于表达“？ 48:22 艺术家个人维度的五条成功学建议 55:47 经过杜尚和博伊斯，艺术走向虚无 58:33 左右艺术家成功的四种外部力量 67:30 签约艺术家和签约艺人的逻辑高度一致？ 72:52 艺术本体绕开前额叶，直接作用于丘脑 84:47 艺术最好的状态是业余 - 制作团队 – 美术设计 子鹤 后期制作 孙称

九重深宫从来都笼罩在重重迷雾之中，蕴藏着数不清的秘密。不管是精心雕琢的官方史书，还是捕风捉影的笔记传言，都只是间接的记载，且难免包含主观的演绎。幸运的是，这些深宫秘事，还有一位亲身见证者，始终存在于我们身边，这就是北京皇城的建筑与空间本身。 本期节目我们邀请艺术史和考古学专家李纬文老师，以他的博士论文为基础，为我们还原那些今天依然存在的建筑、门墙的背后，令人惊叹的昔日景象，揭示古老北京城最深处的故事： 蒙古与汉族之间迥异的祭祀、婚俗、生活习惯，如何在帝国的中心共存？这片特殊的领域，为何能让天子这个至高权力者禁足？正德逃离皇城的游戏，背后是怎样精密计划和真实逻辑？嘉靖又如何巧妙地隐身于皇城之中，建立自己的帝乡，成为比天子更自由的人？ 皇城里的后妃、内监受到怎样的管束，又拥有哪些意想不到的自由？宫里宫外的人员和物质如何流动往来？ 通过审视那些似曾相识的园林、庙坛、离宫别馆、内府机关；观察各种设施和仪典如何在截然不同的空间里交互配合，我们将走进皇城居民的真实生活，并且窥见重大历史事件的背后，当事人隐秘的心理世界。 内容包括： 02:32 北京宫城图：旅游产品为何暴露深宫布局 07:26 何谓皇城？区隔深宫与市井的夹层空间 16:31 明清宫城面积不及古代，是进步还是退行？ 19:39 金中都：湿地上的北京城 21:36 宫帐、跑马、人墙：元代都城的草原景观 28:19 太庙和烧饭园：缅怀祖先的两种方法 34:09 从徐达到明英宗——北京的定位悬而未决 40:23 离宫别馆和工坊府库：皇城容纳小世界 46:10 大礼议的背后，是嘉靖得寸进尺的皇城改造 54:15 求嗣和修仙：紫禁城里无法达成的心愿 61:36 礼制的牢笼和明武宗逃离皇城的游戏 71:51 走向园居：权力总在不为人知的深邃之地运作 86:00 皇家生活：移宫制度、元顺帝的爱妃和自留地 102:24 宦官如何竞争上岗？如何组建家庭？ 107:05 明清宫廷，谁的生活更奢华？ 121:13 游人与市集：外面的世界如何渗入宫廷？ - 制作团队 – 美术设计 子鹤 后期制作 孙称 《北京宫城图》 大英博物馆藏收藏 的《北京宫城图》用鸟瞰视角表现了紫禁城在16世纪的情形：最外层是正阳门的城楼下方聚集着身穿常服的官员和车马随从；上方的承天门（今天的天安门）位置，站立着一位异常高大、身穿红色礼服，手持笏板的官员；再往内的宫城，则被表现成层层叠叠的宫殿笼罩在云雾之中。 不同于大众对于紫禁城建筑的熟知，关于紫禁城的文献图像资料极为稀少。因此目前分散在世界各地博物馆中的五张“宫城图”所记录的影像尤为珍贵。对它们的研究，也成为艺术史上的经典课题。例如许多人认为承天门旁站立的巨人是明初紫禁城的设计者蒯祥；也有学者认为，此类宫城图是一种批量制作的“旅游产品”，为宦游京城的外地官员留下影像纪念。而笼罩在迷雾中的深宫，为建筑考古解开一些谜题的同时，也留下了更多的谜团。 元代皇城图 这张“元代皇城图 ”由本期节目的嘉宾李纬文绘制。以下说明摘自《隐没的皇城》： “元代皇城不仅没有留下舆图，连表现它的画作都无处可寻。我们如今对它的了解，极大地依赖于有限的几种文献。读者在阅读此图时，需要注意： 1）如果读者发现这幅元代皇城图比明代皇城图显得格局简明，这固然在一定程度上是因为元代皇城建置疏朗，但更大程度上还是因为关于元代皇城的文献格局粗略。在图中被表现为空白的部分，并不意味着在现实中真的是空白。所以笔者在本图上安排了更大面积的“历史的迷雾”，以表达元代宫苑研究现阶段某种“雾里看花”的氛围。 2）元大都中轴线、元代宫城的四至在现代北京城市肌理上的位置仍在广泛讨论中。本书无意深入探讨这些问题，本图中的中轴线位置按目前学界主流认识——元明清三代轴线重合——表现，宫城四至则调和文献与学界各说表现。 “ 明代皇城图 这张“明代皇城图 ”由本期节目的嘉宾李纬文绘制。以下说明摘自《隐没的皇城》： “明代皇城一定曾经有过详尽的舆图，可惜没有任何一幅留存至今。而文字叙述空间则往往随心所至，移天缩地。为了让读者在阅读时能将书中的内容与皇城空间格局对应，体会“左图右书”的访古雅趣，笔者绘制了这幅《明代皇城图》。我们很难想象明人曾以什么笔触在舆图上描摹他们的宫禁，只能试图整合存世文献和各种史家推测来弥补这一缺憾。读者在阅读此图时，仍需注意以下几点： 明代皇城是一个动态演变的过程，营建、拆撤、改造、废毁随时都在发生。故而本图并没有选取某一个时间点来表现，而是尽可能将皇城各个部分最有历史代表性的状态表现出来。例如，图中的西内永寿宫实际上从来没有与万岁山寿皇殿同时存在过；而北台乾德殿也没有遇见过琼华岛广寒殿。 由于文献的有限，我们难以了解皇城中所有建筑的形制与色彩，例如它们的瓦色，尤其是那些存在时间较短的建筑。故而本图在一些建筑的色彩上难免有推测的成分。当古人难得地用画笔描绘他们的阙庭殿堂时，往往会用云雾将其中最重要的部分遮盖起来。这种留白惜墨与他们在文字描述中所体现的谨慎拘束如出一辙。在本图上，读者也可以看到一些“历史的迷雾”横亘在皇城上空。这绝不是笔者的黑色幽默，它们都好心地让开了那些本书所论述的地点，仅仅希望传达古人那一点令人扶额莞尔的狡黠。 最后一点，也是必须提醒读者的一点：任何舆图都必然意味着对空间现实的简化与理想化。在这一意义上，本图绝不足以向读者传达一座活着的皇城，因为它无法表现城中那些居民日常。要了解一座真实的皇城，终究还是要钻进史料的云雾中，慢慢把这幅图的空白与缝除补全。“ 《隐没的皇城：北京元明皇城的建筑与生活图景》 本书通过梳理元明两代皇城的沿革，查考每个时代在论证、利用和改造前朝遗存时所采用的策略。除了识别与定位皇城主要建筑的建置，作者还探索了隐藏在这些演变背后的皇室及其服务者的生活方式。在此基础上，作者揭示了这样一个事实：在已经拥有宫城的基础上，皇室仍然需要一座皇城，这绝不仅仅是简单的空间需求，而是源自一种对一处更自由、更私密、更包容领域的渴求。在皇城夹层里所能实现的，是一种与大内的逻辑全然不同的营造与生活。本书为我们描绘一幅幅精细的皇城画卷，元明皇城各个历史阶段的建筑面貌及生活图景一一展现，并在字里行间讲述了一篇篇生动的故事，让读者沉浸在那些或诙谐或引人动容的逸闻琐记之中。在作者的笔下，冰冷冷的建筑具有了历史的温度，隐没在市井中的元明两代300余年皇城得以重现昔日辉煌。 作者简介：李纬文，艺术史与考古学博士，比较文学硕士。师从顾乃安（Antoine Gournay）教授，毕业于巴黎索邦大学，研究方向为北京城市史与元、明建筑史。长期关注北京城市规划与文化遗产保护。著有“隐没的皇城-北京元明皇城的建筑与生活图景”，译著“论中国建筑-18世纪法国传教士笔下的中国建筑”“新建筑与包豪斯”等。

作为《茶经》的作者，陆羽在今天是家喻户晓的茶圣。然而事实上 “茶圣”一词用来形容陆羽，直到新中国成立后才成为主流。在更漫长的时期里，陆羽往往和“茶神“这个称呼相绑定。“茶神”和“茶圣”之间，虽然仅有一字之差，却暗示了一千多年来，茶文化在内涵上所经历的天翻地覆的变迁。 按照文明分层理论，“神”是初级文明的产物。在蒙昧时代，人们认为自然现象的背后，都有一个人格化的形象掌握它们的权能。人们渴望神力来关照茶农的种植、茶商的生意，于是就诞生了“茶神陆羽”。 而圣贤的概念，只有更发达的文明才能孕育，它是智慧和品格的化身。如果把茶视是做一种文化，视作我们传承文明、连接世界的载体，那寄托着知识和价值观的“茶圣陆羽”，才是更好的代言人。 所以 “茶圣”作为中国茶的品牌形象，背后其实不是陆羽一个人，而是一千年来层层累加的文化结晶。本期节目，我们将为大家解读陆羽为何在公元780年这个的时点，成为恰逢其时的 “茶神” ，又为何在新中国成立的时点成为恰逢其时的 “茶圣” ；以及在这一千年里所形成的“茶文化”的底层逻辑 —— 也就是以百丈禅师、赵州和尚为代表的僧侣群体；以卢仝、白居易、苏东坡为代表的文人群体；和以宋徽宗、乾隆为代表的帝王群体，如何从各自的角度，为茶的世界注入超越一般饮料的精神内涵，共同建构了中国 “茶圣” 这个美好想象。 内容包括： 02:20 茶人、茶神、茶圣：三个符号折射三种对茶的需求和想象 10:38 “难从陆羽毁茶论”：茶文化最重要的建设者为什么要毁茶？ 18:01 从景帝贡茶到李白茶诗：陆羽前的“茶之事” 21:28 “楚人茶经虚得名”：同期知识界为何吐槽陆羽虚有其名？ 27:43 禅宗顿悟法门彻底改变人们对修行、世界和茶的理解 37:24 君子远庖厨：古代知识分子绝少亲自动手泡茶 40:21 歌舞伎乐、昼夜相欢：白居易营造美好的人间茶生活 46:00 茶是开悟高僧的教学道具：三段和茶有关的禅宗公案 61:21 另一位茶圣：卢仝为茶注入心忧天下的圣贤思想 68:47 苏东坡：全能文化冠军，整合古代自相矛盾的茶理念 80:59 徽宗建立的中国茶品牌，千年后依然让日本肃然起敬 89:48 乾隆皇帝和航海时代：到底是谁让茶走向国际？ 108:31 为什么说茶禅同味？满足大脑的幻梦，也指向人心 - 制作团队 – 美术设计 子鹤 后期制作 孙称

《剧谈社》首次尝试把声音艺术作品装进播客之中，搭配剧谈社《Vol. 65 从好听的音乐到难听的艺术：漫谈人类对声音的驯化和解放》服用。 声音相比图像虽然更为抽象，但却更具渗透性和感染力，因此在媒介快速转换的当下，十分适合成为当代艺术家表达观念的载体。 《日与夜》是声音艺术家娄能斌老师的作品。他从包括《天使艾米莉》、《哈利·波特》、《燃烧》、《黑暗荣耀》、《谍影重重》、《爱乐之城》等200部涉及古今中外不同题材的电影中，截取了酒吧、酒店、客栈、咖啡厅等场景，去除其中的音乐、音效、人物对话，仅保留这些场景里的环境噪音。然后进行拼接，放在真实的咖啡馆里播放，从而完成了这件作品。 这件作品探讨了现实与虚拟之间的置换。我们常把看得见、摸得着的东西定义为现实。但真正的现实正在不断与影视、文学、游戏、互联网、二次元、元宇宙这些虚拟之物相融合。这个时候，如何判定真假？或者说生活的实感从何而来？与其说来自于思考，不如说来自于直觉 —— 环境的噪音、合理的气味、细微的空气流通 —— 这些不易察觉的东西构成了人的舒适区，搭建了身处现实之中的安全感。大脑在潜意识里，依据这些信息帮助你建立此时或放松、或警戒的心理状态。而《日与夜》这件作品，通过一个叙事的诡辩，让原本清晰的东西变得模糊：现实是可以在你几乎无法察觉的情况下被置换的。 此时，声音勾勒了现实的边界，把幻想的世界融入到生活之中 —— 这是艺术家的叙事。而幻想的故事，怎么和现实串联？你在哪一个瞬间，识破了艺术家的诡计（例如出戏的马的嘶鸣）？你当下的注意力会停留在哪一个瞬间？—— 这一切则是由每一个观众自己完成的。以上都是声音所具有的独特力量。 这期特别节目，正是希望借助播客这一特殊媒介，拆解画廊白盒子空间的范式。让展厅回归每个人的日常，让听众体验碎片化的艺术。欢迎大家独自在咖啡馆和酒吧，佩戴耳机，播放这件声音作品，进入哈利波特、或是谍影重重的世界，体会空间置换，亦幻亦真的世界。

评价音乐作品的好坏，人们最本能的标准首先是“好听”与“不好听”。 但熟悉音乐的朋友都会注意到，音乐史的轨迹并非不断朝着好听的方向发展。从巴赫、贝多芬、莫扎特到马勒、肖斯塔科维奇、勋伯格，音乐似乎是越来越难听了。直到最有代表性的声音艺术家约翰凯奇，更是热衷以杂音、噪音甚至于无声来创作离经叛道的作品。 音乐并非自然之物，而是从混沌中人为提取的秩序。人类用数万年的漫长岁月把“声”驯化为“音”，创造出萨满的祭祀舞乐、圣人的春秋礼乐、教堂的上帝福音，服务于每一个社会现实。而近100年世界剧变，古典权力秩序土崩瓦解，此时噪音就成为一种武器，人通过把 “音” 还原为 “声” 来介入社会变革，塑造新的世界。 本期节目，我们邀请艺术家娄能斌老师为大家介绍几万年来，围绕声音的艺术发展历程：人们如何驯化声音建立最初的文明秩序？去中心化的祭祀为何演变成中心化的舞台？一代又一代的人类智慧如何凝结成尽善尽美的古典音乐？庄严的音乐，又如何在社会变革中被解构？浪漫主义、极简主义、未来主义、新古典主义、包豪斯运动、激浪派… 这些脍炙人口的艺术概念，如何在声音上体现？声音艺术如何推动社会变革以及塑造我们的影视文化生活？ 以上问题都会在本期节目解答。 内容包括： 00:30 水上漫步，把生活原封不动搬到艺术之中 05:38 什么是声音？人类文明万年进程的因果 13:18 从礼记到吕氏春秋：以音乐秩序比拟文明秩序 21:09 古代声音研究：毕达哥拉斯的完美世界 23:42 近代音乐发展的过程，是一个不断解放不和谐音的过程 33:53 从1812序曲到噪音艺术：量变引起质变 39:00 声音艺术、极简主义和禅 43:00 激浪派：拆解细腻艺术的宣言 47:09 未来主义：聆听科技与未来之声 53:52 工业号角交响曲：警笛和国际歌响彻苏维埃 63:11 肖斯塔科维奇第九交响曲：癫僧在欢宴上啜泣 65:11 从库布里克到维伦纽瓦：电影里的声音艺术 82:21 当代声音艺术：战争的呜咽和十字路口的枪声 91:07艺术家亲自讲解他的三件声音作品 - 制作团队 – 美术设计 子鹤 后期制作 孙称 节目中提到的声音艺术作品： 约翰·凯奇，《Water Walk》 约翰·凯奇，《4分33秒》 约翰·凯奇，《灵岩寺》（Ryoanji） 激浪派：“钢琴行动“ 阿曼卢西耶：《为一个表演者做的音乐》 《I am sitting in a room》 《Clapping music》 《工业号角交响曲》（警报交响曲） 肖斯塔科维奇 ，《第九交响曲》 利盖蒂，《大气层》 Max Richter “25% 的四季“ 塔里克·阿图伊，《采风器》 苏珊·菲利普斯，《破碎的合奏》 娄能斌，《古舟的孩子们》 娄能斌，《日与夜》 娄能斌，《水磨》 Water Walk 约翰凯奇的声音艺术作品。约翰凯奇搭建了一个美国中产阶级生活的舞台，包括三角钢琴、电话、录音机、浴缸 、玫瑰花、红酒、电动搅拌器、苏打水吸管、冰块、洒水壶等日常用品。并且撰写了一套脚本。演员可以按照艺术家的要求，使用这些日常之物进行演奏。因此，有艺术评论认为，凯奇把生活的场景原封不动地搬到艺术里，让生活的声音组成了一曲看似杂乱，实则别有韵律的交响乐。人生的起伏，城市的喧嚣，心灵的碰撞，都随着生活的音符在节律中流淌。 图为: Water Walk 演出现场 礼乐 从新石器时代开始，中国的先民就就模仿天空上的昼夜变换、月相盈亏；大地上的四季更替、草木枯荣这些自然规律，逐步建构人间的秩序。最终建立了一套可以分别尊卑、贵贱、亲疏的社会制度。到了西周，这套制度经过大规模的整理，以文献的形式留存，成为我们熟悉的周礼。 而在这套秩序中，一个人从出生、成年、婚配、到祭祀祖先、从事各种军事、农业活动，参加各种会见领导、朋友，一直到去世，都有各种礼仪的约束。在这套认知下，以和谐的音乐恰好对应了尊卑有序的和谐社会。因此不同等级的礼，也就搭配了不同等级的乐，使得这些等级关系更加难以僭越。所以乐是对礼的彰显，是国家的意识形态和社会秩序的具象，也是一种权力。 图为：禹贡九州山川图、《周禮》所记王畿与九服邦国之关系模型图 毕达哥拉斯的和弦研究 毕达哥拉斯坚信数字和谐、声音和谐与灵魂和谐，这三者必然相统一。因此，他断定一个和弦之所以能悦耳，是因为它的每个构成音的弦长比例吻合了特定的整数比。但是他并没有找到有说服力的比例关系。 现代声学破解了和谐音的奥秘。一个和弦是否和谐，取决于其中每个构成音波长的最小公倍数是否适宜 —— 公倍数过小则会单调， 过大则会刺耳。 而和谐的弦长比例关系，不是整数间的比例，而是接近等比数列的比例关系——这也就是十二平均律的原理。 图为：拉斐尔的湿壁画《雅典学院》，很多人认为一排左起第二位穿红色上衣跪坐的就是毕达哥拉斯。 解放不和谐音 过去两千年，无数的作曲家、演奏家，乃至于科学家、发明家和建筑师等各行各业的人们，贡献自己的知识和技能，为音乐的世界添砖加瓦，创造出各种和声、复调、配器法、曲式结构和舞台表现方法，最终打造出古典音乐这个文明的瑰宝。 但是近代以来，包括马勒、斯特拉文斯基、肖斯塔科维奇和勋伯格在内的一系列天马行空的作曲家开始尝试挣脱这套“尽善尽美”的古典方法，摆脱巴赫、贝多芬、莫扎特这些古典大师对自己的创作束缚。在自己的作品中，有意无意地开始融入不和谐的噪音元素，并且从中开发出不和谐声音的审美魅力。所以有人认为，近代音乐发展就是一个不断解放不和谐音程的过程。 这些创新原本是纯粹的技术探索，但是在社会变革的大时代里，被赋予了破旧立新，解构古典秩序的特殊意义。于是越来越多的人加入了解构古典乐的队伍中，“以疯狂反对规律；以激进反对怀古；以噪音反对程式；以直觉反对理智”。这就是噪音艺术的来源。 图为：阿诺德·勋伯格。勋伯格在作曲风格及和声方面的创新对20世纪音乐思想产生了深远的影响，被广泛认为是20世纪最有影响力的作曲家之一。他的名字也成为开创无调性音乐的代表。 约翰凯奇 约翰凯奇是美国先锋艺术家。尽管作为勋伯格的学生，有着严肃的古典音乐背景，约翰凯奇热衷于创造离经叛道的作品。 例如 Water Walk对环境音、杂音乃至噪音的运用；《4分33秒》，全曲有三个乐章，却没有任何一个音符。意在请观众认真聆听演奏的寂静，体会在寂静之中由偶然所带来的一切——这也代表了凯奇一个重要的音乐哲学观点：音乐的最基本元素不是演奏。再比如，约翰凯奇在创作时，经常会利用抛掷硬币，或者说随机打开《易经》当中的一页，通过这种偶然性和概率来决定创作的走向。这些古怪的做法，彻底背离了作曲的基本规律。但也从全新的角度，用声音诠释了生活，开启了人们的审美思维。所以小野洋子认为“声音艺术”始于约翰凯奇。 凯奇的音乐深受禅宗影响。1940年，约翰凯奇在黑山学院听到了铃木大拙关于佛教和禅学的演讲，大受震撼，很快就成为了禅宗追随者，从此一直探索如何用音乐去表现禅学的思想。节目中播出的作品《灵岩寺》，原本是京都著名的禅寺和枯山水花园。凯奇使用五件乐器，跟随石头的形态，演绎了一种缓慢的、滑动的音乐轨迹。建造了一个冥想的场景。 图为：灵岩寺 激浪派 20世纪60年代以来，约翰凯奇对实验音乐的探索很大程度上启发了国际艺术组织激浪派的形成。“激浪”（Fluxus）一词代表冲击、变革和汹涌澎湃的激情。他们提倡自由、变革，反对体制的压迫，具有很强的政治意识。根据激浪派艺术家自己的宣言，他们“希望去清理人们过分渴望金钱、渴望知识、追求专业和商业文化的病态心理，清理世界上的死亡艺术，矫揉造作的人造艺术，抽象艺术，幻想艺术，数学艺术；清理世界上的 欧洲观念主义。” 激浪派的艺术具有强烈的达达主义态度，比如乘火车故意不买票，比如保持一天不说话，刮去所有体毛等等。以此来表达“反商业”和“反艺术”的态度。除凯奇外，激浪派的代表艺术家还包括白南准、小野洋子、博伊斯等。 节目中播放的《钢琴行动》是激浪派的代表性作品。其中，钢琴作为传统音乐和精致艺术的象征被破坏、肢解。这件作品常常被赋予革命性意味的解释。 图为：约翰凯奇 未来主义 未来主义是发端于20世纪的艺术流派，以对陈旧思想的憎恶和对速度、科技和暴力等元素的狂热喜爱为特征。未来主义最早出现于1908年，意大利作曲家弗鲁奇奥·布索尼的著作《新音乐审美概论》被看作未来主义的雏形。 当时的未来主义艺术宣言表示，“我们要竭尽全力的和那些过时的、盲信的、旧信仰做斗争。我们要反抗一切在时光流逝中肮脏和腐朽之物。这种反抗精神是年轻的、崭新的，最终是要毁灭旧的生活。” 所以早期的未来主义，常常社会达尔文主义和民族主义的观点。 但是随着时间流逝，其含义也在发生变化。包括我们今天熟悉的赛博朋克也属于未来主义的范畴。以赛博朋克为例，它继承了早期未来主义崇尚科学的美术风格以及未来主义的批判精神。但是批判的对象，反而变成了科技本身。这也是艺术史上非常有意思的一个发展。 图为：1909年，诗人菲利波·托马索·马里内蒂发表《未来主义者宣言》；攻壳机动队。 《警报交响曲》 《警报交响曲》，也叫《工业号角交响曲》。革命时期的巴库，是一个工业化的石油生产基地，工人与资本家冲突十分激烈。于是一系列的艺术家和当时的苏维埃的组织，尝试改造城市里的汽笛、汽车、烟囱以及重工业设备的发声装置，使它们的频率接近于《国际歌》。于是在某天早晨开工的时刻，资本家不知情的情况下，整个城市都响起《国际歌》。 1922年，为了庆祝十月革命的胜利，苏联作曲家A. Avraamov重新以《警报交响曲》的概念制作了先锋交响乐。演出由巴库市的工厂、海军、舰炮、汽笛和轮机共同完成。所有机器的响声最终同样汇成了《国际歌》的旋律。 台湾的艺术家林其蔚评论：“在所有艺术中，音乐是社会组织的最高力量，最古老的神话证明，从农业到军事的集体劳动，没有音乐是无法想象的… …资本主义的工厂里，每天早上，混乱的工业轰鸣声都会让人们感到室息。但是革命终于到来了。突然， 在一个令人难忘的夜晚，一个红色的彼得堡充满了成千上万的声音：汽笛和警报。作为回应, 数千辆满载士兵的军用卡车穿越城市，向空中鸣枪。再一次， 在没有任何一个声音的指挥和组织下， 警笛声和炮声响彻了整个俄罗斯。” 《警报交响曲》是声音艺术介入社会变革的重要案例。 图为：《警报交响曲》 《太空漫游2001》 《太空漫游2001》完整体现了库布里克对音乐史的理解和对前沿声音艺术的洞察，成为电影和声音艺术结合最为经典的案例。 受到德国作曲家齐默尔曼“球状时间观”的影响，《太空漫游2001》同样尝试打破时间的先后界限，展现时间并非单向流动性，而是可以表现为等距的球状结构。 《太空漫游2001》开场的前三幕分别表现了宇宙诞生、人类的祖先掌握工具、近未来的太空航行这三个时间顺序的场景。但是对应的配乐则分别是利盖蒂《大气层》、理查施特劳斯的《查拉图斯特拉如是说》和约翰·施特劳斯的《蓝色多瑙河》这三首时间逆序的作品。 尤其是利盖蒂《大气层》，是当时最先锋的声音艺术作品。它用乐团来模拟电流的声音；整个曲子的长度接近人类呼吸的极限时长；注重音质体验而非旋律体验；具有浓烈的科学气息和未来主义色彩。这件作品本身没有明确的指向性，但是搭配电影中隐喻创世之前的黑暗，暗示出库布里克对非线性时间的理解。 图为：《太空漫游2001》 《水磨》 2023年末开幕的“再回周庄 - 杨明义先生周庄艺术现场” ，对周庄这个水乡古镇本身的艺术元素进行提取，进而与现实世界的艺术融合。利用周庄的古戏台、曾经的酿酒作坊、昆曲、还有各种江南地区的日常生活场景去呈现我们熟悉的艺术。其中包括杨明义先生描绘江南水乡风物的绘画作品，也包括嘉宾娄能斌老师的声音艺术作品《水磨》。 艺术家首先用声纳收集了江南水乡水底的声音，再用定点降噪的方法去除水流声，只保留鱼、虾、螺、蛙等水底生物的声音。进而把这些压缩环境下的生物产生的信息，以一种类似秦汉“循石造型“的雕塑方法，按照音乐的原理进行小幅改造，让它们具有一定的韵律和节奏感，勾勒了原本只存在于潜意识中的水乡交响乐，从而完成了这件作品。 图为：“再回周庄 - 杨明义先生周庄艺术现场”

春节期间Sora的横空出世仿佛预示了一场人工智能的革命，有人断言它将彻底颠覆影视行业，打破无数从业者的饭碗。也有人坚信，人之所以为人，之所以和动物、机器有所分别，正是因为人类拥有感情和创造力，能够创造绘画、音乐、电影，创造各种美。或许AI可以代劳廉价的影视娱乐，但真正的严肃艺术——那些具有深刻批判性以及持久美学价值的作品，是AI无法企及的。 身在历史的洪流中，也许我们难以断言AI的未来。但是基于AI的艺术创作，却也不是全然陌生的类型。它所属的 “生成艺术” 与计算机相伴而生，从五十年代至今已经跨越了四个历史分期。从冯诺依曼、黑山学院到安迪沃霍尔；从MOMA到LACMA；从伦敦、纽约到北京—— 不同领域的个人和机构，在过去六七十年间，由各自的角度为它注入了包括哲学、数学、工程学、心理学、逻辑学、语言学以及音乐、舞蹈、文学、绘画、游戏等等多方面的生命力。 艺术往往是通过艺术史来成立：孤立的AI作品，或许难以评判其价值；安放在历史的坐标上，探讨就有据可依。本期节目，我们邀请新媒体艺术家、同时也是关注20世纪全球现代艺术的策展人和画廊主，吴亦深老师，为我们讲述生成艺术的历史。 本节目将同时解答：通过AI和计算机系统生成的作品，算得上艺术创作吗？AI 到底让创作变简单了还是变难了？机器只是人类的表达工具，还是说有朝一日也能夺过创作的主导权？在严肃艺术的领域，AI是否也具有人类所不具备的优势？这些机器生成的作品，是技术革命过程中昙花一现的产物，还是能够和全球艺术史相勾连，成为继古典艺术和现代艺术之后的新篇章？ 内容包括 04:28 “生成”和“艺术”自相矛盾的内涵：生成艺术如何定义？ 08:44 90年代新闻联播片头，是国民级的数字艺术作品 11:49 数字艺术可以成为大众理解新时代的辅助线 19:49 代码的诗歌：不是所有数字作品都叫生成艺术 25:30 计算机发展的四大里程碑，划分生成艺术的四个时代 28:56 先驱时代的计算机思想家，至今仍为AI创作指明方向 41:45 控制论的偶然性：生成艺术是自然、人文和形式科学的集合 49:23 个人计算机的发明开启生成艺术的“老大师“时代 55:39 书画、禅宗美学和计算艺术：全球化时代的东方焦点 59:20 “世界中的世界“：古典赏石和元宇宙 62:34 John Medea和Flash社群：开源的黄金时代 72:08 AI 艺术：无中生有还是传统艺术的分支？ 76:24 人人都是艺术家，那谁是更好的艺术家？ 78:40 超越五感直达觉知：AI 有望触及传统艺术可望不可及的领域 87:40 铜钱上的书法，纸币上的肖像画，数字货币如何视觉化？ - 制作团队 - 美术设计 子鹤 后期制作 孙称 生成艺术 生成艺术（generative art）指全部或部分使用自治系统创作的艺术品。所谓自治系统可以是机械结构，比如万花筒，通过旋转随机生成视觉结果。但是通常而言，生成艺术主要来自更为复杂的计算机系统。 生成艺术是程序指令的产物。就好比有人能把自然语言变成文学和诗歌。一些同时掌握了计算机技术和美学能力的人，出于审美而非实用的意图，对计算机的语言进行编织，让它超出人机交流的范畴，进入艺术的领域 —— 我们把这样的人，称为代码的诗人，把这样的作品，称为生成艺术。 生成艺术是计算艺术中最古老的门类，从20世纪50年代开始和集成电路的计算机系统相伴而生。近期火热的AI创作，则是生成艺术在当下最突出的代表。 嘉宾认为，和传统艺术一样，生成艺术同样强调对美的发现；对社会的批评和思考；以及对人的提升。和传统艺术不同的部分则是，生成艺术更适合在数字化的世界里呈现；更善于表达未来意识；可以成为人类从工业文明进入机器人时代的辅助线。 先驱时代 1952-1982。这个时期计算机大多被用于军用或大型商用。在许多早期计算机文献中，高度工业化的艺术类型和实验艺术成为现代艺术中非常重要的部分出现。1968年MOMA召开了著名的科技艺术大展，已经加入了部分计算机艺术的内容。这也为我们今天的探讨定下了基础。人类在那个阶段已经出现了第一批计算机艺术的先驱，生成艺术、代码艺术是这个时期主要的计算机艺术形态。早期的欧普艺术、机动艺术、黑山学院和部分极简主义都有和计算机艺术直接相关的表达，60-70年代之后，绘图仪出现，这成为记录那个时期计算机艺术很重要的另一种形态。同时，生成摄影是这个时期和计算机艺术关系最为紧密的类型之一，计算机语言已经出现了第一代诗人，华人亦有第一代先驱从各个角度参与到这个进程。 代表计算机语言：FORTRAN 代表作品、展览和文献：冯诺伊曼 《计算机与人脑》；Coded: Art enters the computer Age；控制论的偶然性（1969）； 计算机艺术 （1971） 个人计算机时代 1982-1990 。1982年，IBM选定比尔盖茨Microsoft的Basic作为其计算机的ROM-Basic，个人计算机这项改变人类命运的伟大发明出现。计算机的民用化，大大改变了计算机艺术的参与度和影响力。计算机语言、应用软件进入大发展的周期，伴随PS、3DMax等面向艺术家和设计师的应用类软件的推出，以Java为代表的，面向对象编程语言的出现，各类计算机艺术延续发展。 1995年由老一代算法艺术家Jean-pierre hebert、Roman Verostko等人组成的Algorists组织，为编码艺术（生成艺术）下了定义。中国本土出现了以齐东旭先生为代表的老一代数学和计算机图形先驱，他们出版了大量著作，还将Hans Dehlinger这样的早期生成艺术家介绍到中国，同时以冯梦波先生等代表的新媒体艺术家在国内外当代艺术领域崭露头角，欧美的美术馆和私人藏家中出现专业收藏计算机艺术的部门和代表人物，欧美大城市中专业经营电子艺术的画廊出现。 代表计算机语言：BASIC、C++ 代表作品、艺术家、展览和文献：Hans Dehlinger、Roman Verostko、Jean Pierre Hebert；理查德罗森布鲁姆； 齐东旭 《分形及其计算机生成》；冯梦波 Web 1时代 1990-2010。伴随万维网的出现，一种全新的用户连接形态不断加速计算机的更新换代，并成为之后最为庞大的母体，90年代，以John Medea为代表的第一代互联网艺术家社群出现，在2000年前后，他们以Flash为代表的第一代网页制作工具为手段，吸收之前各类计算机语言和生成艺术为代表的计算机艺术的优良传统，通过个人网站的交互实验和各类创新实践，迅速号召和聚集了全球一大批年轻的生成艺术爱好者，他们通过个人网站和开源代码为主要手段，打开了计算机艺术和生成艺术在万维网中的全新篇章。计算机艺术和生成艺术在这个时期，在互联网上找到了更大的生存环境。 John Medea的学生Casey Reas在吸收Flash AS和各种计算机语言的基础上，在2000年初期开发了专门为生成艺术而设计的编程软件Processing，这款软件也是今天网上广泛传播的生成艺术爱好者所非常熟悉的语言工具。 代表计算机语言：JAVA、Python、Flash AS、Processing 代表作品、艺术家、展览和文献：John Maeda 系列丛书， 中村勇吾、央美FLASH在中国 … 新网络时代 2010-2023。有关于这个阶段的定义，有多种说法，有偏向应用功能和区块链应用技术的Web 2、Web 3的分类，也有倾向于趣味和艺术方面的前后网络分类，也有偏向AI技术应用的时间节点分类等等，总之，伴随2010年前后手机计算机化的出现以及各类新技术的发展，整个计算机和互联网世界的发展确实表现出和Web 1时代门户网站和个人网站为主的截然不同的形态。在这个阶段，我国对于计算机艺术和生成艺术的参与度继续增加，出现了更多的活跃于全球专业社区的职业创作者，另外，在央美和国美新媒体为代表的学院派中，也培养了更多优秀的人才，伴随AI技术的出现，这一切还将向下一个方向前行。 代表计算机语言： WebGL、出现GAN的广泛应用以及AI 代表作品、艺术家：Refik Anadol、Robbie Barrat、郭锐文、 施政