1. 关于成长环境与传承的初心 可以说，我的血脉里就流淌着花丝的韵律。童年不是在游乐场，而是在父亲的工作台边度过的。记忆中最深刻的不是某个惊天动地的瞬间，而是无数个平凡的日夜：看着父亲在灯下一坐就是几个小时，用镊子将比头发丝还细的金银丝编织成繁复的图案，那种极致的专注和耐心，就像一种无声的教诲。空气中弥漫着金属和焊药的味道，敲打、拉拔、编织的声音就是我童年的背景音乐。 真正让我下定决心传承的，是看到父亲修复一件清代花丝文物时的场景。那件器物残损严重，近乎一堆乱丝。但父亲没有急躁，他用放大镜一点点辨认原有的纹样和结构，再用同样的技法一丝丝地复原。当那件器物最终重现而父亲正是那个连接古今的摆渡人。那一刻我意识到，如果我不接桨，这门流淌了千年的技艺可能就在我们这一代断流了。这种文化传承的使命感，远比任何宏大的口号都更具体、更沉重，也更有力量。 2. 关于学艺过程中的挑战与坚持 印象最深刻的，恰恰是最基础的“花丝拉制”。要把一块银锭，通过一次次拉拔，变成粗细均匀、截面完美的细丝，这个过程极其枯燥且对体力要求很高。手臂酸痛、水泡磨破是家常便饭，最难的是对力道的精准控制。力道稍有不均，丝就会断，或者粗细不一，前功尽弃。我曾经连续拉坏了好几天的料，挫败感极强，确实怀疑过自己是不是这块料。 能坚持下来，一是父亲的言传身教。他从不苛责，只是默默地把断掉的丝接好，或者重新开始，用行动告诉我“工匠的字典里没有‘放弃’二字”。二是在无数次失败后，终于拉出一根从头到尾均匀光滑、符合标准的丝时，那种无与伦比的成就感。它让我明白，手艺的修炼没有捷径，就是与材料、与工具、与自己心性的反复磨合。跨过这个坎，我才真正踏入了花丝镶嵌的门槛。 3. 关于父亲的创新精神与“上疏篱”的探索 父亲将花丝镶嵌与景泰蓝结合的“银烧蓝”，对我影响至深。它让我看到，传统不是僵化的标本，而是可以呼吸、可以与其他优秀文化对话的活态生命。这种创新思维，是父亲留给我最宝贵的财富之一。 在创立“上疏篱”后，我们也在做类似的尝试。比如，我们尝试将花丝工艺与更现代的材质结合，例如用纤细的花丝包裹天然水晶或异形珍珠，让古典的精细与现代的灵动产生碰撞。我们也探索过更抽象、极简的设计语言，让花丝作为点缀或结构，出现在日常佩戴的饰品中，而不仅仅是复刻传统的龙凤呈祥。 最大的挑战在于“度”的把握。跨界不是简单的拼接，如何让融合不显得突兀，既保留花丝的神韵，又能被现代审美自然接纳，这需要反复的试错和调整。每一次新尝试，都像是在走钢丝。 4. 关于品牌打造中的“举步维艰” 挫败感的时刻很多。最记忆犹新的是我们精心设计了一款融合了现代几何元素的花丝吊坠，自认为平衡得很好。但推向市场后，反馈两极：传统爱好者觉得它“丢了魂”，不够传统；而年轻消费者却觉得“还是老气”，“价格太高不如买时尚品牌”。那段时间，销量惨淡，质疑声四起，我一度陷入深深的自我怀疑：是不是我的审美出了问题？我们坚持的方向到底对不对？ 那是一次沉重的打击，但也让我冷静下来反思。我意识到，平衡不是简单的“各取一半”，而是要找到传统技艺与现代需求之间那个真正的“共鸣点”。我们不能只改变外在形式，更要思考现代人佩戴首饰的情感诉求和使用场景。 5. 关于“从皇室到日常”的转变 这正是“上疏篱”的核心课题。我们做了很多努力：在产品上，推出了诸如花丝耳钉、简约胸针、小挂坠等轻量化的饰品，以及书签、茶则等文房雅器和生活实用物。在场景设计上，我们强调其日常搭配的可能性，通过社交媒体展示它们与现代服装、生活方式的融合。 市场反馈是逐步向好的。一开始确实艰难，但近年来，随着国潮兴起和消费者对文化内涵产品的需求增加，开始有越来越多的年轻人，特别是那些追求个性、注重精神消费的群体，开始欣赏并购买我们的产品。他们看中的正是手艺背后的故事和独特性。 最难突破的，我认为是价值认知的转变。过去花丝镶嵌的价值体现在“皇家”、“重工”、“珍贵材料”上。如今要走进日常，我们必须建立起新的价值体系：它的价值在于“手作的温度”、“独一无二的设计”和“承载的文化故事”。要让消费者为这份匠心和文化附加值买单，而非仅仅计算金银的重量，这是一个漫长的市场教育过程。 6. 关于传承人断层问题与解决办法 “招不到人，留不住人”是常态。年轻人面临现实的生存压力，花丝镶嵌学习周期长、初期收入低，确实很难吸引和留住人才。 我的思考是，不能只靠“情怀”绑架。首先，作为品牌负责人，我要努力让品牌活得好，只有品牌产生良性收益，才能为传承人提供有尊严的、稳定的待遇和发展空间，这是基础。其次，在培养方式上，我们尝试模块化教学，让学习者能更快地掌握部分技能并参与到生产环节中，获得即时成就感，而不是必须苦熬多年才能出师。同时，我们也希望让年轻人看到，掌握这门技艺后，不仅有做工匠一条路，还可以向设计师、工艺导师等多元化方向发展。 7. 关于“高端定制”与“大众消费”的路径选择 这两者的创作逻辑截然不同。高端定制（如为元首定制、复刻文物）更侧重于工艺的极致展现、文化的深度表达和作品的唯一性，是技艺的“天花板”，它不计成本，追求的是艺术价值和历史意义。而 “大众消费” 产品，则更注重设计的亲和力、佩戴的舒适性、价格的合理性以及生产的效率，是技艺的“普及版”，追求的是让技艺“活”在当下。 我认为这两条路径并非对立，而是相辅相成的。高端定制是品牌的“灯塔”，树立了技艺的高度和权威性，为品牌背书；而大众消费是品牌的“根基”，扩大了技艺的受众面，保证了传承的广度和可持续性。没有“灯塔”，技艺会失去方向沦为普通商品；没有“根基”，“灯塔”也会成为无人问津的孤岛。 8. 关于“坚守工艺”与“迎合市场”的平衡 这是每天都要面对的课题。我们确实遇到过这样的两难，比如有渠道商建议我们使用替代材料或简化某些内部结构以显著降低成本。 我们的平衡原则是：核心技艺和品质底线绝不妥协，但在设计题材和表现形式上保持开放和灵活。 例如，我们坚持手工完成最核心的花丝编织和镶嵌步骤，保证作品的灵魂；但在一些辅助部件或基础造型上，会合理引入现代工具提高效率。我们不会为了猎奇而设计违背花丝美学本质的产品，但会积极研究现代流行色、潮流元素，将其优雅地转化到设计中。归根结底，我们迎合的不是一时的潮流，而是时代背景下人们真实的、向上的审美和情感需求。 9. 关于入驻版权平台与IP赋能的期待 入驻中国版权链平台，对我们来说是一个重要的里程碑。我们最希望获得的是规范的版权保护和更广阔的跨界合作机会。花丝镶嵌设计极易被模仿甚至低劣复刻，平台能帮助我们更好地保护原创设计。同时，我们也期待能通过平台接触到更多优秀的IP方、设计师，甚至是科技、游戏、影视等领域的企业，探索“花丝+”的无限可能。比如，将花丝技艺与知名文化IP、动漫形象结合，开发联名产品，让传统技艺以全新的、年轻人喜爱的方式呈现。 10. 最后的信念与寄语 支撑我的信念很简单：我相信美的事物和用心的手艺，永远有直抵人心的力量。 花丝镶嵌的千年之美，不应该只存在于博物馆的展柜里。看着经由我手做出的作品，能被一位普通的年轻人喜爱并佩戴，融入他们的生活，讲述他们的故事，这就是我最大的动力。这种连接古今、传递美好的价值感，是任何困难都无法磨灭的。 对于同行者，我想说：坚持很苦，但你我并不孤单。 我们都在各自的领域里，为传统文化的当代转化而努力。每一次微小的尝试，每一次勇敢的突破，都在共同改变着潮水的方向。不必气馁，互相取暖，共同前行。 对于感兴趣的年轻人，我想说：不要被“传统”二字吓倒。 欢迎你们先以一颗好奇的心来接触它、了解它。可以从欣赏开始，也可以从学习简单的技法入手。这门技艺需要沉静，但也能给予你无比的内心充盈。它或许不能让你立刻暴富，但能赋予你创造美的能力和一份深厚的文化底气。这片古老的园地，需要你们年轻的力量和想象力来浇灌，让它开出属于这个时代的新花。 再次感谢您的问题，让我有机会梳理和分享这些想法。路虽远，行则将至。与所有同行者共勉。

开场独白： 这是《中国版权链版权创意服务平台》与艺术家的small talk的第九期， 不知道大家还记得吗？之前艺术家宝松先生在华侨艺术博物馆的精彩分享，而今天做客直播间的，正是宝松先生的徒弟 —— 艺术家王健行老师。 提到健行老师的作品，不管是他那组引发很多共鸣的《婴瞳・消费咒符》，还是过往那些交织着传统文化基因与当代思考的创作，总能让人在视觉冲击之外，忍不住停下来琢磨背后的故事。​ 就像我们之前和很多艺术家聊到的，好的作品从来不是孤立的 —— 可能是一笔意外的笔触让作品有了新生命，可能是某次街头观察成了灵感起点，也可能是在传承师傅理念时，突然找到属于自己的艺术标识。而今天，我们就想和健行老师一起，聊聊创作里那些 “不完美” 的小惊喜，聊聊他怎么把日常小事变成艺术线索，更聊聊年轻艺术家该如何在 “深度” 与 “大众认可” 之间找到平衡。​ 如果你也对艺术创作背后的巧思好奇，对 “传统文化怎么现代表达” 感兴趣，或者自己也在探索创意之路，那这一期千万别走开！接下来，就让我们掌声欢迎王健行老师，和我们一起开启这场有温度的艺术对话～ 开始： 1、王健行老师，当我们谈论一件能让人记住的艺术作品时，“情感共鸣” 往往是关键。在您的系列作品和往期创作里，有没有哪一个瞬间或细节，是您刻意注入个人情感或观察，最终让观众产生强烈共鸣的？比如某件作品里的符号、色彩，背后是否藏着您自己的生活故事或对世界的细腻感知？​ 2、国外采访艺术家时，常会聊到 “创作中的‘不完美’”—— 可能是一次意外的笔触、材料的突发反应，却反而让作品有了新的生命力。您在创作过程中，有没有遇到过类似的 “不完美”？这些 “意外” 最终如何影响了您的作品，甚至改变了您对某类主题或技法的理解？​ 3、很多时尚媒体都很关注 “艺术与当下生活的连接”，您的作品既包含对传统的思考，也可能触及当代人的生存状态。比如在您的某件往期作品中，是否有对现代人 “孤独感”“信息过载” 这类普遍情绪的表达？您认为艺术在缓解或解读这些当代人共同的困境时，能扮演怎样的角色？​ 4、作为宝松先生的徒弟，外界可能会自然地将你们的作品放在一起比较。但国外采访中更看重 “艺术家的自我突破”—— 您在传承师傅艺术理念的同时，是如何找到属于自己的 “艺术标识” 的？比如在系列作品中，有没有某个创作方向或表达方式，是您明确觉得 “这是我和师傅不一样的地方”，并且为此坚定探索的？​ 5、很多人觉得艺术 “有距离感”，但潮流艺术、当代艺术其实一直在尝试拉近与大众的距离。您在创作时，会考虑 “大众的接受度” 吗？比如在设计作品的视觉符号、选择创作载体时，是更倾向于坚持纯粹的艺术表达，还是会主动加入让大众更容易读懂的 “线索”？您如何平衡艺术的 “专业性” 与 “大众化”？​ 6、在国外采访常问艺术家 “创作之外的灵感来源”—— 可能是一部电影、一首音乐、一次街头观察，甚至是日常饮食。您的系列作品和往期创作中，有没有哪件作品的灵感，不是来自艺术领域，而是源于这些 “非艺术” 的日常体验？能和我们具体分享一下这个灵感转化的过程吗？​ 7、宝松先生此前在华侨艺术博物馆的采访中，提到了 “文化传承” 的重要性。而您的作品里也有传统文化元素的影子，比如某件往期作品可能用到了传统纹样、工艺。但您眼中的 “传承” 不是复制，而是 “再创造”—— 对比早期和近期作品，您对 “传统文化再创造” 的理解发生了哪些变化？比如现在会更注重 “传统元素的当代转译”，还是更强调 “传统精神的现代表达”？​ 8、时尚领域常说 “风格会过时，但品味不会”，艺术领域其实也类似 —— 技法、潮流会变，但好的艺术作品总有不变的内核。您认为您的系列作品和往期创作中，那个 “不变的内核” 是什么？是对 “真” 的追求，对 “美” 的坚持，还是对 “问题” 的追问？这个内核如何支撑您在不同阶段的创作？​ 9、当观众站在您的作品前，您最希望他们先注意到什么？是第一眼的视觉冲击，还是需要慢慢品味的细节？比如在您的某件代表作品中，您希望观众先被色彩或构图吸引，再去读懂背后的主题；还是希望他们先感受到主题的重量，再去欣赏艺术语言的精妙？这种 “观看顺序” 的设计，对您来说重要吗？​ 10、最后，我们聊聊 “未来”—— 国外采访喜欢问艺术家 “对年轻创作者的建议”。现在很多年轻艺术家既想做有深度的作品，又想获得市场和大众的认可，容易陷入焦虑。结合您自己从创作初期到现在的经历，有没有一句真心话或一个实用的建议，想送给这些正在探索的年轻创作者？比如 “坚持某件事” 或 “放下某件事”，可能对他们更有帮助。​

1、您的 3D 街画作品总能给观众带来强烈的视觉震撼，这种 “欺骗眼睛” 的艺术背后，需要精准的空间计算与透视把握，您是如何练就这种 “空间魔法” 的？有没有哪个早期作品让您彻底掌握了其中的诀窍？​ 2、在公共空间创作时，环境本身（比如老建筑的斑驳墙面、城市角落的特殊结构）会对您的构思产生多大影响？比如面对一面有裂缝的墙，您会刻意放大这种 “不完美”，还是用作品将其转化为独特的艺术语言？​ 3、您曾为不同城市创作过在地性涂鸦，比如结合当地历史传说或民俗符号，这种 “定制化” 创作中，最让您头疼的文化调研环节是什么？如何确保作品既能融入当地，又不失个人风格？​ 4、街画艺术常被贴上 “反叛”“小众” 的标签，而您的作品却多次进入主流视野，比如参与城市更新项目，这种 “从边缘到中心” 的转变，是否让您对艺术的社会功能有了新的理解？​ 5、您的作品《一带一路・丝路金桥》用 3D街画展现了文明交融，创作时如何在宏大叙事与个人艺术表达之间找到平衡点？会不会担心题材过大导致作品流于空泛？​ 6、面对市场对 “齐兴华风格” 的模仿，您是否会在创作中刻意加入 “防伪标识”？比如某种独特的线条处理或符号运用，这种自我突破会不会带来创作压力？​ 7、您曾说 “好的街画艺术能让冷漠的城市产生温度”，在您看来，这种 “温度” 具体体现在哪些互动场景中？比如路人驻足拍照时的对话，或是孩子触摸作品时的反应。​ 8、从街画到美术馆，作品的展示方式发生了变化，创作心态是否也会跟着调整？比如在美术馆创作时，会不会更在意灯光、展墙材质等细节对作品效果的影响？​ 9、您如何看待 “数字街画” 与传统街画的关系？是否尝试过用 VR 技术让观众 “走进” 您的 3D 作品，这种虚拟体验能否替代街画艺术的现场感？​ 10、如果让您为年轻创作者推荐一本影响您艺术观的书或一部纪录片，您会选什么？其中哪个观点至今仍在影响您的创作？​

2025 年 以他的个展为核心的「奇点回响」装置艺术展在成都许燎源现代设计艺术博物馆开幕，展览持续至 5 月 7 日。该展览以 “奇点回响” 为主题，探讨了从科技发展到生态危机，从意识迷思到传统文化智慧再生等内容，旨在通过艺术语言探索当下世界的痛点，引发跨领域的深度对话。 并身兼空间造景设计师、草月流一级花道家等身份，曾为Guerlain、Dior 等知名品牌提供植物与空间造型服务，其作品多次在国内外重要展览中亮相，如在中国出版创意产业基地、国家版权创新基地的OFA「REBORN」重获新生 北京站·艺术双月展中展出等。 Q： 1、您的作品常常涉及对自然素材及日常物件的重组与解构，像在 [具体作品名称] 中，您为什么会选择那些特定的自然素材与物件？在重组和解构过程中，您遵循着怎样独特的创作思路，从而让作品与观者产生微妙互动，探讨被忽略的人生议题？​ 2、从您早期作品到近期在「奇点回响」装置艺术展中的创作，能看到明显的风格演变。在这个过程中，哪些关键事件、经历或者思潮对您艺术风格的转变起到了决定性作用？您认为自己的艺术风格在未来还会朝着什么方向继续发展？​ 3、在您诸多作品中，蝴蝶与菩提树等元素频繁出现，如在作品「菩提」里，蝴蝶与非有机生命的树产生独特交互。这些元素对您而言有着怎样的象征意义？它们在不同作品中又是如何随着您创作理念的变化而被赋予新内涵的？​ 4、您作为装置与多媒体艺术家，也身兼空间造景设计师等多重身份。不同身份所接触的领域和思维方式，是怎样相互影响、交融，进而为您的艺术创作提供养分的？以 [某个具体项目] 为例，讲讲这些身份在其中发挥的协同作用。​ 5、当下科技迅猛发展，AI 对艺术创作的影响日益显著。您在创作时常常思考与人工智能的相处模式，并在作品中有所表达，比如 [相关作品]。您认为在未来，AI 会在哪些方面重塑艺术创作的生态，而人类艺术家的独特价值又将如何在这种环境下得以凸显？​ 您的作品多次在国内外重要展览中亮相，如许燎源当代美术馆双年展等。在参与这些跨地域展览的过程中，您觉得不同地区观众对您作品的理解和反馈有哪些差异？这些差异有没有促使您对创作做出一些调整或新的思考？​ 6、作为草月流一级花道家，植物与空间造型设计是您艺术表达的一部分。在将植物元素融入艺术创作时，您如何平衡植物自身的自然生长特性与作品想要传达的观念和形式美感？这种对植物的运用与传统花艺艺术相比，有哪些创新之处？​ 7、您为众多知名品牌如 guerlain、dior 等提供植物与空间造型服务，同时也进行纯粹的艺术创作。在商业项目与个人艺术创作之间，您是怎样找到平衡点的？商业合作有没有为您的个人创作带来一些新的灵感或技术突破？​ 8、中国版权链版权创意服务平台具备一站式版权服务体系，能为原创作品提供从确权到维权的全流程保障。在您看来，对于艺术创作者而言，版权保护在当下的艺术环境中具有怎样的重要性？您在创作生涯中，是否遇到过版权相关问题，又是如何应对的？​ 9、对于年轻一代有抱负的艺术家，您从自己丰富的创作经验出发，认为他们在起步阶段最需要注重培养哪些方面的能力和素养？在艺术风格探索、建立个人品牌以及应对市场挑战等方面，您有什么建议可以分享？​

开场：蜘蛛，自1995年开始模型收藏，并于众多模玩论坛担任版主； 2003年起，作为国内最早一批原型师、从事手办原型创作及设计（蜘蛛工房）； 2003年起，通过个人博客、微博、小红书等各类社区平台分享发布大量手办原型制作教程，为中国手办原型领域培养了大量新人设计师； 原型创作大赛 2010年开始，组织国内手办原型创作交流大赛，至今有数千名设计师参加各届比赛活动，包括： ——2010年，蜘蛛工房首届模型创作大赛； ——2014年，蜘蛛工房模型大赛第二季-造物； ——2016年，造物原型创作大赛第三季“中国神话”； ——2017年，52TOYS原型创作大赛“王者匠临”（52TOYS联合王者荣耀）； ——2018年，52TOYS原型创作大赛“文物超活化”； ——2019年，52TOYS原型创作大赛“科幻纪元” ——2020年，52TOYS原型创作大赛“动物狂欢节” ——2021年，52TOYS原型创作大赛“奥特曼怪兽超进击” 原型展览活动 运营规划各届原型创作大赛线下活动，通过线上与线下结合的形式对品牌及作品、设计师、产品进行立体布局，每年均有组织参与各类大型展会、规划自有活动进行整合运营： ——2015年4月，蜘蛛工房模型大赛第二季-造物，参展第十六届中国国际模型博览会； ——2016年6月，造物原型创作大赛第三季“中国神话”,参展北京漫控潮流博览会BJCC； ——2016年11月，造物原型创作大赛第三季优秀作品，参展上海漫控潮流博览会SHCC； ——2017年10月，造物原型创作大赛参展上海漫控潮流博览会SHCC，“王者匠临”原型创作大赛开启； ——2018年5月，“王者匠临”原型大赛设计师及作品参展摩点网组织的上海摩擦大会； ——2018年8月，“王者匠临”原型大赛特邀设计师作品出展上海ChinaJoy展，获奖作品于腾讯王者荣耀展台进行现场颁奖。 ——2019年，“文物超活化”原型大赛优质作品挑选10件于摩点网开启创意评选，6月落地上海WF展会现场，同年8月大奖作品青铜小分队在摩点网开启众筹，最终以接近70W达成。 ——2020年10月，“科幻纪元”原型大赛落地上海WF展会现场，未来事务管理局及众多评委到场与设计师交流科幻作品创作心得。 ——2021年6月，“动物狂欢节”原型大赛落地上海WF展会现场。 ——2022年“奥特曼怪兽超进击”特邀艺术家作品展落地北京三里屯52TOYS收藏玩具馆展。 原型玩具展会 ——2017年6月，组织规划DreamFair，北京国际原创艺术与设计师玩具展，展会落地北京798尤伦斯当代艺术中心，到场设计师过百人，参展观众近7000人； ——2021年7月，组织规划“DreamFair 2021”落地北京农展馆，内容涵盖潮玩、雕像、GK、机甲、可动人形、手作、插画等丰富内容，展会现场盛况空前，日均人数过万。同期“动物狂欢节”在展会现场展示优选作品，“奥特曼怪兽超进击”原型大赛开启，奥特曼表演及相关怪兽及文化展同时落地展会。 Q 以下内容，更多是关于这些问题的大致回答方向，如有问题可以随时探讨 1、从 1995 年模型收藏到 2003 年转型原型师，哪个瞬间让你觉得「必须自己动手做」？ 2、作为国内最早一批原型师，2003 年刚入行时遇到的最大技术瓶颈是什么？当时如何突破？ 3、在博客 / 微博分享教程时，有没有哪条留言或反馈让你觉得「坚持分享是对的」？ 4、蜘蛛工房的教程体系从文字到视频不断迭代，你认为新手入门原型制作的「核心三件套」是什么？ 这个问题感觉好像后面推荐新手入门跟前面的没啥关联，这个问题是不是对于想要进入手办原型设计领域的新人，有哪些建议？会引导至数码雕塑和传统雕塑的区别，审美的积累，确立属于自己的艺术风格并不断提升之类的。 5、2010 年发起首届模型创作大赛时， 这部分不是目标，之前的资料中是至今？中途遇到过哪些资金 / 资源难题？ 在那个年代，这个行业才刚刚兴起，普通玩家多是尝试的心态跟着教程学习，但是一个行业的发展，需要每一个人能够对这件事付出更多的时间和关注，也就是更认真，通过赛事和活动，在一个固定时间内产出完成的作品，并促进大家彼此认识，通过作品进行对话和交流，引发更多人的参与和关注，更能推动行业的持续发展，而更多的关注和话题也更能促进独立设计师提升自信，慢慢从爱好走向专业的个人品牌运营，并且愿意花费更多时间去不断提升个人能力，更长远的规划和发展。 6、「中国神话」主题大赛中，如何引导设计师避免「符号堆砌」，做出有现代感的传统题材作品？ 我们当时安排发布了很多关于山海经、中国传说和神话内容、图片的分享内容，也包括一些国内艺术家、画师的作品分享，在Q群内，日常就这类主题进行探讨，对创作中的作品也会进行一定范围的创作探讨。后来爆火的“秋鸾-广寒宫”和原型师袁星亮，就是这一届的大奖得主，之后他还以这一题材和形制创作了春夏秋冬四个作品，每一个作品都收获了大量用户的喜爱和收藏。 7、「文物超活化」大赛中，青铜器转化为潮玩的过程里，最需要平衡的「文物严谨性」与「设计创意性」如何取舍？ 2019年恰逢文物、文创类产品话题度很高的时段，当我们与陕西历史博物馆探讨原型大赛的内容时，就文物如何主动走出博物馆，以什么样的形式打动观众，将中国传统的文化内涵传达给更多受众进行了很多探讨，在大赛期间，我们也对一些优秀且具有一定知名度的文物进行了介绍，更是带着一些优秀的设计师参观了博物馆，由馆方对文物进行了深度介绍，青铜小分队的成功，除了设计师本人的造型能力和对文物的理解以外，更重要的是他将文物标志性的形状和纹样通过个人的艺术加工，以一种诙谐幽默和更富有性格的形态做成了盲盒玩具，用大众理解和习惯接受的形式讲有趣的故事，避免了传统文化知识传播枯燥且平面的问题。 8、「王者匠临」大赛与《王者荣耀》合作时，游戏 IP 的造型限制是否曾让设计师「束手束脚」？如何激发破局创意？ 王者荣耀作为国民级手机游戏，其中那些形象早已深入人心，在原型大赛合作的过程中，版权方也以一种开放包容的态度，放宽形象创作的限制边界，我们也在原型大赛进行的过程中就各个形象的性格、能力、背景进行了介绍和引导，希望设计师在对游戏角色的理解和热爱的基础上，结合自己所擅长的生物、科技、古风等风格和内容与形象进行有机融合，说实话这一届大赛产出的作品也真的是让人眼界大开，我认为，将自己积累和学习的内容，灵活且巧妙地运用在作品创作中，是每一个创作者的必修课，这届大赛特邀作品、由李赛争创作的白起，以生物骨骼的风格重塑了杀神白起，令版权方眼前一亮，最终除了在官方渠道进行雕像销售以外，也令版权方以此形象为灵感，制作了一版白起的新皮肤。 9、DreamFair 选址北京 798 尤伦斯当代艺术中心时，如何说服艺术机构接纳「潮玩展览」的商业属性？ 2017年的时候，国内关于潮玩的概念还不是特别普及，而DreamFair展的核心至今也并不是定位于纯潮玩，在整个原创艺术与设计师玩具，Designer Toys或Art toys领域，不同的材质和创作风格可以创造无限可能，当我们带着这样的理念，在北京当代艺术的核心区域，798艺术区，当我们将设计师丰富的作品类型和创作理念展现给尤伦斯当代艺术中心，他们秉承艺术可以深入生活、跨越边界的理念，我相信其实在很多理念上大家是相通的，也得到了馆方的大力支持，如何为广大的观众带来丰富内容的艺术向展览，是我们都在共同努力的方向；就像几十年前，当我跟美院的老师（虽然我不是美院毕业）们探讨动画漫画游戏是不是艺术的时候，谁也不会想到N年之后，大众开始接受电视、漫画、电子游戏等被称为第九艺术，其他八个是绘画、雕塑、建筑、音乐、文学、舞蹈、戏剧、电影，更多的有兴趣的朋友可以自行去检索了解下，我就不跟这里乱说了。 10、从 2010 年到 2023 年，你观察到国内原型师的创作趋势发生了哪些变化？年轻设计师最缺乏的能力是什么？ 其实这里，我仍然要说，原型师本来也是个外来词，当年更多的是指代从事或者热爱手办或者玩具原型创作的人，而随着行业不断发展，各类展会的推动，各种各样的“原型”或者原创造型物开始涌现，我就假设大家都是原型师； 行业的发展越来越广泛，不同设计风格和媒材不断涌现，设计师之间的交流越来越便捷，线上线下的活动也促进了更多互动，其实我看到的更多的是一种自信，这从文化、设计语言、技法、内容等方面都展现出来，不像我们那个年代，大家做个东西都狠羞涩，总觉得自己还跟国际水平差很远，不停的在家抠，甚至不好意思分享，现在的年轻人这方面完全没有问题，别在意我说“年轻人“这个词，并不是说我资历老，而是我真的老了哈哈。 但是随着行业快速发展，也诞生了一些问题，那就是在成熟的商业模式和作品风格面前，设计师容易陷入一种学习和借鉴的模式，甚至一眼望去大片作品都大同小异，当然这种情况在所有创作领域都普遍存在，而我和很多同好则持续在各种机会在尝试呼吁大家做自己擅长的事，而这件事其实也是大家各自的选择，也没办法强求，无论是当年在52TOYS规划和组织的DreamFair还是如今正在做的Amazing Toy Show，我们都希望从场景和活动组织上，给到更多丰富多彩的原创内容更多的展示机会和自信，这样大家才能勇往直前。 这里可能要引导下版权的事，要不话太多了 其实随着原创设计内容的不断丰富，设计师的不断涌现，版权问题一直是大家所关注的热点，版权意识在国内正在不断被提及和关注，越来越多的行业机构、通路都在慢慢成熟，而这件事相信也是需要时间的，像如今版权证书的申请、时间戳的完善，版权注册和协助也变得越来越方便，我也希望能够有更多的机会促进设计师与版权中心的沟通，共同开脑洞，不断发展和升级，持续推动整体原创氛围的维护，保护每一个创作者的智力劳动成果，这样才会有更多人愿意进行创作，付出更多的时间，敢于原创。

主持人：phoebe 监制：小姜 开场： 这里是《艺术笔记》与艺术家的small talk， 由《中国版权链版权服务平台》提供优质的IP、品牌、企业、非遗、艺术家、创业者资源 我们想与你分享在近百家合作项目中的哪些点点滴滴， 通过对话的方式邀请嘉宾探讨个人IP和品牌IP的孵化 、打造 、变现等等幕前和幕后的一切故事， 也希望能给你带来看待IP和营销背后的新思考新视角。 前言： 杨絮子，深耕艺术商业领域多年的资深策展人， 专注于艺术 IP 的孵化与商业化探索， 在文化创意产业界颇具影响力。 她以敏锐的艺术洞察力和卓越的商业策划能力， 成功搭建起艺术与市场之间的桥梁， 推动众多艺术 IP 实现破圈发展。 在与《中国版权链版权创意服务平台》的合作中，杨絮子凭借丰富的策展经验，深度参与平台 IP 库的项目策划与运营，主导策划了多个极具话题性与商业价值的艺术 IP 项目。无论是助力非遗艺术 IP 突破传统传播边界，还是为国潮艺术 IP 打造跨界联名方案，她都能精准把握市场脉搏，挖掘艺术 IP 的独特文化内核，实现艺术价值与商业价值的双重提升。 杨絮子始终致力于探索艺术 IP 商业化的创新路径， 善于运用区块链等前沿技术为艺术版权保驾护航， 推动艺术产业的可持续发展。 此次做客小宇宙播客「艺术笔记」节目， 她将分享自己在艺术策展、IP 商业化、版权保护等领域的实战经验与深刻见解， 为听众带来一场干货满满的艺术商业盛宴。 Hello，絮子，好久不见，来跟我们的听众粉丝们打个招呼吧 Q:絮子，你曾经也算是我的半个同行，是时尚媒体人，服务过时尚集团《芭莎艺术》《精品传媒集团》，合作过众多奢侈品牌和时尚品牌的商业跨界项目，这是不是也是你后来成为艺术策展人的一个很好的祭奠与奇迹？ Α： 1. 从策展人视角看，当下艺术 IP 商业化面临的最大机遇与挑战是什么？ Α 2. 您在策划艺术商业项目时，如何平衡艺术创作的纯粹性与商业市场的需求？能否以合作过的 IP 为例，谈谈具体策略？ Α 3. 数字时代，区块链技术对艺术策展和 IP 运营产生了哪些颠覆性改变？它是否重构了艺术价值的评估体系？ Α 4. 非遗类艺术 IP（如金氏宫廷风筝）的商业化路径往往受制于「传统」与「创新」的博弈，您认为策展人该如何帮助这类 IP 突破文化表达的边界？ Α 5. 年轻艺术家的 IP 孵化常面临「流量焦虑」，您如何看待「网红化」与「艺术性」的冲突？策展人在其中应扮演「引导者」还是「迎合者」？ Α 6. 在跨领域联名（如国潮艺术家歪歪 × 梅见）中，策展人如何挖掘艺术 IP 与商业品牌的深层文化共鸣点？这种共鸣对 IP 长线运营有何意义？ Α 7. 版权保护意识的提升，是否正在改变艺术策展的合作模式？例如，艺术家、平台、品牌三方的权益分配机制发生了哪些变化？ Α 8. 未来艺术 IP 的商业化是否会更依赖「沉浸式体验」（如元宇宙、线下展陈融合）？策展人需要具备哪些新技能来应对这种趋势？ Α 9. 您认为艺术 IP 的「地域文化属性」（如中国传统元素）在全球化传播中是优势还是限制？如何通过策展让本土艺术 IP 突破文化圈层？ Α 10. 站在行业未来十年的节点，您希望看到中国版权链这类平台为艺术策展生态带来哪些变革？艺术 IP 的价值衡量标准可能发生怎样的进化？ Α 结束语： Q:絮子那么节目的最后，做为中国文化行业资深的前辈，有没有对我们在从事这个行业以及未来准备要投身艺术事业的粉丝们的一些宝贵意见呢？ Α 感谢，絮子做客，期待我们今年可以一起做一场艺术展 期待... 小宇宙的听众朋友们我们下期再见！拜拜～

《艺术笔记》与艺术家的small talk 播客脚本： 主持人开场： 这里是《艺术笔记》与艺术家的small talk，由《中国版权链版权服务平台》提供优质的IP、品牌、企业、非遗、艺术家、创业者资源，我们想与你分享在近百家合作项目中的哪些点点滴滴，通过对话的方式邀请嘉宾探讨个人IP和品牌IP的孵化 、打造 、变现等等幕前和幕后的一切故事， 也希望能给你带来看待IP和营销背后的新思考新视角。 品牌赞助： “和好久没见的朋友，喝杯好酒梅见” 感谢“梅见”青梅酒，对本栏目的鼎力支持；梅见，致力于打造优质梅酒品牌。 正文： 江瑞老师，是我非常仰慕的一位国家一级评茶艺技师， 她作为茶研习人；分享了申时七碗茶、廿四节气茶、宋代点茶等 的一些茶文化普及分享；她想让更多的人识茶，爱茶。 跟她的缘起，是在23年冬天为国内时尚杂志拍摄的现场，您作为非遗传承的项目特邀嘉宾，当时为我们分享了很多跟茶有关的入门级知识分享， 首次见面，就深深感受到了她自身所散发的能量场，再拍摄嘈杂及恶劣的天气下，依然保持稳定的情绪，我想这应该就是跟她所从事与茶有关的工作渊源吧 秦老师说：每次活动前我都会提前做准备，因为会重视每一场相聚，或许我的某次分享和呈现就会为一个人心里种下茶的种子呢，当时室外拍摄很冷，但是每一个人都为拍摄付出全部的热情，我们都是在做自己热爱的事情，所以外界的因素自然就会减少影响，茶的能量本身就是强大的，自然里生长，炒锅中涅槃，高温下发散，我们在每天的泡茶中不断体会拿起和放下，心态自然就变的平和稳定了... 秦老师旁白： 我进入“茶”行业已经有十余年的时间，学“茶”对我来说是一个不断探索向上的过程，十年间的习茶路，从历史到文化，从药用到饮用，从身体到精神，为我打开了一扇通往茶世界的大门，期间我结识的大部分人都是因“茶”而结缘，在茶行业的这么多年，因茶受益太多太多，茶也是我将不断坚持的一个终身事业。 我最开始习茶算是一个野路子，只是单纯的买卖销售茶叶，或许是自己与茶的缘分非常深，一直有老师提携跟传授，我开始专门去茶山拜访制茶师，深入了解茶的生态和制作技艺，同时开始学习报考评茶师等各种行业证书，结合我自己对茶的认知，研习中也总结出一些系列知识与课程，近几年一直在开设课程分享茶文化...我不断坚持的原因除了自己本身喜爱，还有一种责任感，茶的历史悠久，传承和创新也是我们这一代需要去不断延续的。茶文化起源地为中国，是茶的故乡，从神农尝百草发现茶，到唐宋时期文人墨客以茶会友、吟诗作对，茶早已深深扎根在华夏大地。 随时北京中轴线申遗成功，在这样的一个时代，我更加有信心作为一位文化行业的从业者，接力弘扬为文化传承！ --------------------------------------------------------------------------------------------------- 【与茶对话】 Q:当下疗愈茶会为何如此流行？ A:在这个加速变化的时代，尤其这两年我们大家都面临着压力和挑战，渴望寻求一种解压和放松，平稳自己的心态，更好的面对生活，而喝茶就是一个很好的选择，我在2018年开始研习卢仝的七碗茶诗，借由卢仝品茶过程的感受，从茶的对人的物理作用一直到心灵体验，茶对他一种并非只是口腹之饮，而是一种精神世界，我并非是第一个开展七碗茶会的人，很多前辈有不同内容和形式的七碗茶会，而我根据自己对茶的理解，在百场七碗茶会中不断完善，每一期的七碗茶会也有不同主题，比如：正念七碗茶会，寺院的禅修七碗茶会，茶室的一期一会七碗茶，申时七碗茶等等，我在每一次茶会前期都会根据要参加的茶友人群定不同的主题，不局限于一套某次总结的引导词，这是我个人茶会的特色，也是百场茶会后得到不同身份茶友的肯定。希望有机会能邀请您一次参加，感受一次与茶对话，与自己对话的过程。 Q:为何现在年轻人的‘喝茶基因’开始觉醒？ A:饮茶习惯对很多人是从小就有的，我是北方人，从小接触茉莉花茶和铁观音，小的时候不懂茶，一味地要求妈妈给自己加冰糖，要甜滋味的同时，享受那一口清爽的茶香，直到毕业后工作接触茶，慢慢刷新对茶的认知，我也把不一样的茶生活带给亲朋好友，带给更多和我一样的年轻人，喝茶开始年轻化，也是我们悠久茶文化的强势回归，茶离不开每个人的生活，我们以茶为媒，结交朋友，连接友谊，慢下脚步，体验一种健康的生活习惯~深刻了解茶厚重的文化。 Q:如何优雅喝茶，怎么把茶喝出仪式感？ A:其实喝茶可大可小，如果能腾出时间，选一套趁手的茶器，择一处安静的空间，哪怕是家里的阳台或书桌，放上绿植或鲜花，动作缓下来，注意力集中在泡茶这件小事上，茶叶随着水和器的搭配，在我们手中呈现最适合的滋味，一人饮茶得闲，三五好友得趣，这怎么不算是中国人独有的浪漫呢，喝什么茶不重要，重要的是喝茶，你的一生也许会遇到很多杯茶，但你面前的这一杯茶一生只为你一个人而来。 Q:和茶对我们的生活会有改变吗？ A:其实对大部分人来讲喝茶并不能给生活带来根本的改变，但是茶喝多了，身体会越发通透，气场能量会更舒适，更轻松，心态也更平稳，我们尝尝讲，因为爱喝茶，你的气质里，藏着你喝过的茶，读过的书，走过的路，所以与众不同，而流动的茶汤中，获得对生活更鲜活的体验和了解，也因此多了许多包容和洒脱，少了一些偏见与执着 结尾： 茶艺，是一种文化和生活艺术。是一场视觉与味觉的双重盛宴。 它着重在泡茶的技艺、品茶的艺术，例如不同茶叶的冲泡水温、冲泡时间、茶具选择等都有讲究。 茶艺萌芽于唐，发扬于宋，改革于明，极盛于清，有相当的长历史渊源，自成系统。 非常感谢秦老师做客我们2025年第一期节目，期待后面跟您继续有更多深度合作； 和好久没见的朋友喝杯好酒梅见~ 再次 感谢梅见青梅酒，对本栏目的鼎力支持；梅见，致力于打造优质梅酒品牌。 新展展讯： 2025 艺术，春游季 了不起的，她们 女性艺术家联展“春漾” 北京站·东进国际中心 展期：2025.3.1-2025.4.19（50天） 展览统筹：Phoebe 展览地址：北京市朝阳区南磨房乡东四环窑洼湖桥东侧东进国际中心A座（B 1文化长廊） 小宇宙的听众朋友们我们下期再见 后期：小姜

jammie，时尚艺术产业投资人、策展人 毕业于英国莱斯特大学，媒体与广告学硕士，拥有10年国内外时尚传媒行业工作经历MYOUNG 艺术时装周@上海总策划，CYBERYOUNG 时尚媒体平台创始人 OFA WORLD AWARD 新锐艺术设计大奖 创始人&主席 YOUNGS 奕斯教育 全球行业背景提升平台。 时尚艺术产业投资人，重点投资方向—新锐艺术家、全球设计师品牌以及时尚零售业等，孵化众多优秀的设计师品牌 她说：探索时尚设计，结合艺术创意，无时无刻不是相互交融，锻造出商业价值的新高度，打造品牌IP，孵化原创艺术和设计，是我近十年不断追寻的路径。 今天第二期，与艺术家的small talk，我们有幸邀请到了这位有着多重身份的艺术从业者 Jammie，并且她从伦敦漂洋过海带回来的：2023-2024 OFA WORLD AWARD 新锐艺术设计大奖—北京站·东进国际中心「REBORN 重获新生」艺术双月展 也即将在《中国出版创意产业基地》《国家版权创新基地》进行展览。 在z时代，策展人链接着艺术家与观众，本期就让我们与艺术时尚行业策展人进行一对一的深度访谈对话 Q1:在一场展览中，策展人充当着类似于导演的角色，围绕着艺术家的作品来进行策划、文字梳理、展现与执行，Jammie，你认为策展人跟艺术家的角色是谁应该听谁的呢？ Q2: 策展已经被互联网大众化了，现在有一种说法：人人都可以是策展人，这一点你怎么看？ Q3:《徐冰：艺术卫星----首部在太空拍摄的动画影片》《穿梭时空---第三届元宇宙艺术年度展》也是华人第一女策展人“陈蓉之”收官之作，Jammie你为听众朋友们推荐一位你心中的策展人吧？ OFA WORLD AWARD 「REBORN」重获新生 OFA北京站·艺术双月展（东进国际） 也是今年的压轴收官展 欢迎大家来 与22位全球艺术家一起重新定义“新生” 新锐艺术设计大奖—北京站·东进国际中心 REBORN 重获新生 艺术双月展 展期：2024.11.30-2025.1.25 策展人：Jammie 展览统筹：Phoebe 展览地址：北京市朝阳区南磨房乡东四环窑洼湖桥东侧东进国际中心A座（B1文化长廊）

无问东西——国潮艺术家歪歪个展 展期：2024年9月29-11月29日 位置：北京市朝阳区东四环化工路东进国际中心B1层 本期嘉宾： 歪歪，“国潮艺术”领域最重要的艺术家之一 《清华大学》美术学院（原中央工艺美术学院），大院出生长大，在成长过程中深受国家级艺术家常沙娜、张仃等前辈的熏陶，使他他对传统文化的热爱与理解逐渐深入。 成长中期，歪歪远赴纽约亨特学院（Hunter College）求学进修，（这所学院也是著名艺术家“陈逸飞”在纽约时就读的学院）并获得了艺术学院的双硕士证书。这段跨文化的学术经历，让他的艺术视野更加开阔，创作手法更加多元。 2018年，回国后，他对艺术的追求也从未停歇。 并将求学期间接触到西方自由、奔放的表达方式与中国传统文化相结合， 探索全新的艺术语言。 今天第一期，与艺术家的small talk，我们就有幸邀请到了这位有个性的艺术家 歪歪老师，并且此刻他的个人巡展无问东西EAST OR WEST NO MATTER WHAT “艺术、文学双月展”也在中国出版创意产业基地 国家版权创新基地同期展览中。 让我们欢迎歪歪老师：hello，歪歪跟我们平台的听众小伙伴们打个招呼吧 品牌主理人：phoebe 主持人：慧明 采访者：国潮艺术家-歪歪 脚本：Phoebe 后期：小姜 校对：菲菲 助理：小甘