生命的强大远超我们的想象，当一切被摧毁，她选择重新出发。 曾经的@Jessicadu2.0 是穿梭于天空与海洋的极限运动爱好者，一次意外却改写了她的人生，左手截肢后，她以机械手的女战士姿态出现在众人眼前。 当外界都在感叹她的坚强，内心的崩溃渐长只有自己知道，“那段时间我脾气很不好，有次回家，我发现妈妈对我小心翼翼......在我得到越来越多认可和关注的时候，居然成了nobody，不可以这样。”这个发现让她决定“慢”下来，多给自己一点时间重新出发。 从1.0版本到如今的2.0女骑士，她对于“新骑士精神”有了更深的理解：“勇气不仅仅是说你有多么的英勇无畏，多大胆，去冒险，能从飞机往下跳，它需要你敢于去面对生活的崩塌，敢于在低谷的时候重新站起来去战斗，敢于敬畏命运和生命。” -关于节目- [RE'VAN敢聊社] 设计师品牌RE'VAN推出的品牌播客，每期邀请不同领域的嘉宾，以多元文化视角解读品牌符号。在这里，真实观点自由碰撞，让思想在交流中自然生长。

社媒上的她是漂亮、幸运、古灵精怪的芭蕾女孩，但她相信独特比美丽更重要。 从小时候给自己的衣服进行remake，@尤那沙 就埋下了对独特的执着，“独特比漂亮更重要，漂亮是一个过于宽泛的概念，不丑的东西都可以算作漂亮，而独特却有一种直击人心的力量。” 尤那沙总说自己“幸运”，成为素人模特，转型自媒体，因舞蹈成就独特的时尚博主，每一次都恰好踩在风口。但在“幸运”的背后，是清晰的自我认知和敢于出发的勇敢。 她心目中的“新骑士”是像“堂吉柯德”那样，怀揣理想主义，坚持自我，不从众，不退让，虽然看起来有点傻傻的，但只要心中充满希望，幸运总会降临。 -关于节目- [RE'VAN敢聊社] 设计师品牌RE'VAN推出的品牌播客，每期邀请不同领域的嘉宾，以多元文化视角解读品牌符号。在这里，真实观点自由碰撞，让思想在交流中自然生长。

很多人听过她的歌声，却未必知道——那些旋律背后，是她敢出发、敢选择的人生。 从因语言和文化被排斥的留学生，到闯进奢侈品公司的毕业生，@迪娜dina阿迪 的破局方式很直接：主动出击。“当你自己变得足够强大，你反而不在乎他们怎么看了。” “我从小就喜欢唱歌，喜欢上台表演，这种热爱被别人看到了，那我至少给自己一次尝试的机会”，于是她毅然辞职回国追寻音乐梦，为热爱勇敢出发。 “敢于面对未知，并主动出击”，这便是独属于她自己的“新骑士精神”。 -关于节目- [RE'VAN敢聊社] 设计师品牌RE'VAN推出的品牌播客，每期邀请不同领域的嘉宾，以多元文化视角解读品牌符号。在这里，真实观点自由碰撞，让思想在交流中自然生长。

赵煜亚，1994年出生于四川，2020年于四川音乐学院川音成都美术学院水墨山水专业获硕士学位，2014年作为优秀使者赴美国夏威夷州檀香山市进行艺术文化访问，2018年游学旅居于泰国清迈进行文化艺术交流，外景行动发起人，现工作生活于上海。 [图片] 赵煜亚，《完美秩序》，综合材料，100×120厘米，2024年 她的作品以独特的个体视角出发，探索“社会结构与个体意志”之间的张力与悖论。她将自己定义为一个“置身其中的观察者”——既融入，又抽离。她说：“我先作为一个个体，融入社会与世界，再从中抽离出来，用一种俯瞰的视角去看待这一切，就像灵魂在观察人群。” 这种“沉浸与抽离”的双重观看方式，也成为她创作的精神内核。她的代表系列《完美秩序》《华丽苔藓》中，大量使用模具挤压的裱花、豹纹、亮片、纺织物等符号化元素。这些看似装饰性的材料，其实暗含社会隐喻——关于规训、美学、权力与个体消融。赵煜亚解释道：“这些裱花是被模具挤出来的，它们代表着在社会中被不断复制、被塑形的个体。我们越来越相似，差异被抹平，甚至慢慢丧失了个体意志。” 她的作品常以精致、华丽的形式包裹深刻的批判思考。她提到：“豹纹、羽毛、亮片，这些符号在不同的历史阶段都曾代表权力与地位。但当我重新使用它们时，其实是想质疑这种被赋权的符号系统——它真的是崇高的吗？还是只是另一种‘完美秩序’的幻觉？” 赵煜亚的创作带有强烈的哲思性，她喜欢在美的表象中植入“理性的不安”。她笑说：“我不是反对统一，而是在反思——极致的统一是否意味着个体的消失？在趋同的世界里，独特性该如何被看见？” 她的视觉语言融合了古典与当代的感性。身为水墨山水专业出身的艺术家，她对“绢”与“纺织”的痕迹有着深厚的情感连接。“我把绢从古画中抽离出来，让它进入新的语境。这不仅是材料的转化，更是一种文化记忆的重构。” 这种对材料、符号与精神性的交织探索，使她的作品在视觉上华丽，在思想上深刻。赵煜亚以女性艺术家的敏锐与理性，持续追问着一个时代性的问题：当美成为秩序，当个体融入群体，我们还剩下怎样的自由？

宋三土 当代艺术家 | 「宇宙之花」创作体系发起人 探索心灵生态学（Spiritual Ecology）的先锋艺术家 [图片] 宋三土，《宇宙档案馆-1917年4月6日-燃烧的小鸟》，油画，80×120厘米，2024年 宋三土以「宇宙之花」为核心创作体系，持续探索“心灵与生态”的整体关系。她的作品尝试在宏观宇宙能量与微观人类心灵之间建立一种动态的共生叙事——既是视觉艺术的实验，也是精神哲学的实践。 她的视觉体系由三个核心符号构成：眼睛、花朵与光。 在她看来，眼睛是感知天地万物的通道，光是赋予生命的能量，而花朵是生命之间的连接体。三者合一，构成她所称的“宇宙生态体系”。 “我一直坚信，心灵和生态之间是一体的，不可分割的。我们今天面对的生态危机，其实是人类内在心理危机的外化。因为我们恐惧、焦虑，与自然断裂，所以整个世界也随之破碎。” 她的作品体系并非单一画面，而是一场持续多年的“宇宙研究计划”。 从宏观的“宇宙档案馆”，到“宙之花心灵花卡”，再到她近年的“宇宙量子场”系列，每个项目都在构建一个完整的精神生态网络。 她希望观众能在她的作品空间中“体验到一个整体性的宇宙”—— 从星际能量的流动，到地球的花朵，再到个人心灵的震颤。 “我希望观众走进我的空间时，不只是看一幅画，而是进入一个多维的能量场。你能感受到宇宙的呼吸，也能听见自己心灵的声音。” 她以第一次世界大战为背景，探讨战争、能量与集体潜意识的关系。 “我坚信宇宙中存在一个巨大的系统，它影响着每一次历史事件的发生。每个行星的运行、每一次能量的转折，都会在社会中引发蝴蝶效应。” 她以一战的宇宙坐标为画面基点，将行星能量、火焰、花朵与人类面孔并置，形成一种超越现实的精神地图。“燃烧的小鸟代表美国，花瓶象征人类的集体潜意识，而女性身体、眼睛与花朵，则是生命能量的象征。它们在冲突与疗愈之间循环，像一次能量的重组。” 在她的心灵花卡系统中，红卡代表“原始能量”，黑卡代表“动态能量”。 “红卡有88张，每一张都象征你与生俱来的宇宙能量；而黑卡，是你此刻的能量频率和未来的走向。” 每一朵画中花，都对应现实世界中被她亲自采集的花朵样本。 “我去过湖南、福建、东北、甚至新加坡——每一朵花都有它的能量。 比如湖南杜鹃，它属于火星元素，是特立独行、锲而不舍的象征。 花不只是花，它们是能量的载体，是行星图谱的语言。” 她相信，每一次“寻花”的过程，都是一次与自然的心灵对话。 “我希望观众在空间里能有‘寻花’的体验。 你抽取的那一张花卡，就是你此刻的能量回应。” 宋三土的创作跨越艺术与精神的边界，她的作品像一场视觉的冥想，也是一种灵性考古。 “我的创作不是为了造一个‘梦’，而是去验证——人类、自然与宇宙本来就是一体的。我们只是暂时忘了。” “宇宙之花不是花，它是一种意识的重生。当你凝视它，你也在被它凝视。那一刻，宇宙、自然与心灵，重新合为一体。”

林璟，当代多媒体艺术家、青年学者、导演、摄影师和策展人。常驻纽约、上海、杭州，中国美术学院跨媒体艺术学院博士候选人，纽约视觉艺术学院硕士，中国美术学院学士。博士研究生国家奖学金获得者，曾获 ARTPOWER艺术家榜首、“共享的危机”9 天的行为艺术家提名、Aice Beck-Odette 奖学金、林风眠创作奖铜奖，连获三届浙江省研究生学业奖学金、两届林风眠奖学金等荣誉称号，多件作品被中国美术学院收藏。艺术实践涵善装置、影像、摄影、AI、声音、演出、交互、行为、书画、雕塑等多重领域，常以多元交融的形式呈现，将东方哲学与西方文化并置，新型科技与传统技术结合，探讨人类与机器、现实与虚拟、科技与自然、生存与死亡、性别、身份、种族等之间交错的边界议题。 [图片] 林璟，《赛博格狂欢》，影像（截帧），2分48秒，2018年 “我看世界的方式，是通过裂缝看世界。” 林璟这样形容自己的创作观。她始终对“边界”充满兴趣——人类与机器的界限，性别的界限，自然的界限。她认为，很多所谓的“边界”其实是社会人为划定的，是被定义出来的秩序。 “在我的世界里，这些边界都不该那么清晰。我的创作，其实就是在不断打破这些边界的过程。” 2017 年开始，林璟的研究逐渐延伸至“机器意识”议题。她在这一系列作品中，让机器本身成为创作者。 “人类在创作过程中只按下一个启动键，之后一切都交给机器。那这些画的作者，到底是人，还是机器？” 作品的创作过程被完整记录——算法与机械臂根据预设程序绘画，但在执行中，它们会出现偏离、错乱、甚至“错误”。 “我们常常用‘bug’来定义这些偏差，但在我看来，它何尝不是一种机器意识的闪现？” 在这组作品中，艺术家重新提出关于“主体性”的哲学问题：当机器拥有创作能力，人类的创作身份是否仍然独立？ “我在做的，其实是一个辩证的过程。它不仅是技术问题，更是意识问题。” 2018 年，她将研究进一步延伸为沉浸式多媒体装置——观众进入一个由现实与虚拟交融构成的“泡泡屋”，佩戴 AR 设备，与虚拟机器人共舞。 “那是一场未来世界的日常派对，一个人机共生的幻境。” 这一作品标志着她从“机器意识”转向“赛博格（Cyborg）”的哲学探索。 林璟认为，人类早已不是传统意义上的“人类”。 “我们其实已经是赛博格——一种人类与机器混合的存在。科技已经渗入我们的身体和思维，改变了人类的结构与自我认知。” 当 AI 成为“共生体” 近年，她的创作持续延展至 AI 议题。她坦言：“我对 AI 的兴趣不只在于工具，而在于它背后的观念。AI 的崛起正在重构人类社会的哲学结构与情感逻辑。” 她提出一个反思性的设问：“当 AI 取代人类创造力时，我们要如何理解自己？未来的世界，也许人不再需要证明‘自己是人’——因为我们早已在共存。” 在林璟看来，未来的人类不再被界定为“独立的生物体”，而是一种与 AI 共生的意识体。 “未来不是人与 AI 的对抗，而是融合。我们会成为新的物种，新的存在形态。” “我所做的艺术，并不是为了反乌托邦。相反，我在寻找一种新的诗意——当科技和人类的边界消融，我们如何在其中继续感知、继续爱、继续思考。”

应晶晶，1986年生于中国浙江嵊州，2015年研究生毕业于南京艺术学院油画专业，2015年至今，职业艺术家，游学旅居柏林、巴黎、纽约、上海。法国国家艺术基金支持艺术家，联合国儿童基金会UNICEF成员，2025瑞士达沃斯DAVOS人类未来艺术漫步特邀艺术家，2022北京冬奥会博览会特邀艺术家代表，胡润百富HURUN特聘艺术顾问。 [图片] 应晶晶，《Blobs No.33》，布面综合材料，150×120厘米，2023年 应晶晶在一次采访中这样说。她好奇不同创作者如何用感知去抵达那个“理解的瞬间”。对她来说，灵感并非来自宏大的主题，而常常藏在琐碎的日常里——菜市场、超市、一本书、一场电影、一次偶然的对话，甚至是一根蔬菜的形状。她笑着说：“有时候我会被一根青菜打动，那种‘被打动’的感觉，其实就像灵光突然照进生活。” 她的创作是开放的、流动的，带着一种从容的探索感。“当我进入工作室时，我更喜欢一个人安静地待着，那种纯粹的时间会让我进入一个更接近自然的状态。” 《BLOBS》系列 在《BLOBS》系列中，应晶晶以“泡泡”的意象延展对生命的思考。她解释道：“‘Blobs’这个词很好玩，听起来就像一个气泡在海洋里升起、膨胀，最后因为各种压力‘嘭’的一声爆开。” 这种从水、气、泡泡等自然形态出发的灵感，慢慢延伸到她对“人与自然关系”的持续研究——包括种子、细胞、珊瑚、星球……这些微观与宏观的生命体，在她笔下以圆形、卵形的视觉结构出现，既是生命的隐喻，也是一种永恒的能量循环。 “我常常在想，种子、细胞、星球，其实它们都在做着同一件事——诞生、成长、变化、延展。人也一样，我们都在一层又一层的演化之中。” 她的作品以鲜明的色彩和流动的笔触呈现出一种“书写性”的绘画质感，看似随性，实则充满理性思考。那是一种生态女性主义式的温柔：既关注自然与生命的连接，也强调个体在宇宙秩序中的位置与感受。 《克里希那的静寂荒野》 在这个系列中，应晶晶将目光投向宗教与精神性。她坦言：“我不是宗教徒，但我对宗教文化始终充满兴趣。”作品灵感源于她对神学与救赎的探讨，也融入了她在印度旅行期间的感受与思索。 她曾提到“荆棘冠”的意象：“我用线条去拉长它，让它变得更绘画、更柔软一些。那种血肉的痛感被延展成一种能量，它不再是苦难，而是关于爱、关于救赎的象征。” 在她的艺术世界中，宏大与细微、信仰与自然、理性与感性并行不悖。她用圆、泡泡、线条去描绘一个柔软而充满张力的宇宙。 “我觉得艺术最大的意义，就是让我们重新看到——原来平凡的事物，也有无穷的深意。”

徐子芸，2016年中国美术学院油画系本硕毕业，2024年上海美术学院美术学博士毕业，2012年赴美艺术考察和交流，2014年驻留法国巴黎艺术城，现工作生活于上海。艺术家的作品重构了景观社会的多维样貌，围绕空间生产、历史纵深、文化传承与个体存在意义展开深刻探索。艺术家以独特的艺术处理方式创造出一个虚拟的冥想空间，携观者进入过去、现在与未来时刻的共生之境，感受时间的流动，在时空错位之境中叩问自身的存在与身份认同。在徐子芸的作品前，观者的目光从对客观“空间”本身的凝视，转向对身处其中的 “人的主体性” 存在的反思——空间本身并非绝对核心，关键在于其中活动的个体及其所塑造的文化与价值。 [图片] 徐子芸，《有高度的风景》，布面综合材料（丙烯、沙粒），180×120厘米，2023年 徐子芸说：“我是90后，生活在从互联网时代到AI时代的交叠之间。我们这一代人对空间的错位感特别强，这种错位也成了我作品的出发点。” 她以建筑为切入点，重构上海这座城市的多重空间。作品中，民国时期石库门的圆拱门与现代建筑的玻璃幕墙、镜面反射交叠在一起——过去与未来、实体与虚像在同一画面中共生、闪烁。她解释道：“中间的门洞来自老上海的石库门建筑，而后面那层玻璃弧面是现代建筑的反光。我把它们叠加在一起，让不同时间的空间交错，就像一个虚拟的冥想空间。” 当观众走近作品时，镜面又映出他们的身影，新的空间再次生成——“观众在观看的过程中，会看到自己，好像也进入了这个错位空间。作品的空间就不再是画面，而是一种参与。” 这种错位与交叠，不仅是形式上的构成，更是她探寻“自我身份”的方式。她说：“每个艺术家的创作，其实都跟自己的成长经历有关。我出生在上海，从空间出发去创作，其实是在问自己——我是谁？我从哪里来？我要走向哪里？” 在材料选择上，她放弃了传统油画布，而使用光用的沙面布料——这是一种带有半透明质感的工业材料，能够捕捉光线与影像的细微变化。“我希望它有一种虚无缥缈的空间感，就像我们当下生活在现实与虚拟之间。”她笑着补充，“而不锈钢镜面，就是另一种空间的反射。一个透过去，一个反射回来，两个方向其实都在探讨空间。” 她在作品中也会加入历史的“肌理”——那些时间的斑驳、颜料的渗化与沙粒的沉淀，都像是城市记忆的沉积层。她说：“老建筑都有痕迹。我希望这些痕迹在画面上也能留下，像时间本身的呼吸。” 徐子芸的艺术，不是对空间的再现，而是一次关于存在的自省。她将建筑作为媒介，将城市作为容器，让观者在虚实之间重新感受“我在何处”。她认为：“空间并不是绝对的核心，关键在于其中活动的个体，以及他们所塑造的文化与价值。”

刘佳玲，本科毕业于天津美术学院版画系，研究生毕业于天津美术学院油画系，2019-2020就读于罗马美术学院版画系，现在创作生活于北京。她的作品关注身份、自然、身体，探索和讨论性别、家庭、人与自然的关系。作品类别涉及平面、雕塑、行为等，从2016年利用宣纸制作立体作品至今。 刘佳玲，《四个观众》，宣纸胶丙烯上色，91×48×9厘米，2022年 她的纸雕作品以草木为源——柔软、轻盈，却也能在层层叠叠的时间里凝成坚硬的形体。她说，“宣纸的草木属性暗含女性生生不息的韧性，它最后变硬的那一刻，是女性力量的张力。” 她的创作周期往往持续一年甚至更久。每一层宣纸碎片都像时间附着的痕迹，层叠成生命的厚度。她喜欢这种慢下来的过程：“一片一片贴上去的时候，我会想到植物的生长。它不是在追求完成，而是在生长本身里完成。” 佳玲老师常把人比作植物：“其实我觉得每个人跟植物是非常相似的。我们落在这个世界上，就像一棵树、一朵花——我们都是种子。虽然人是行走的，但本质上还是那种会枯萎、会归尘的生命。”她看着自己的纸雕说：“这些宣纸来自植物，我只是让它重新回到植物、木头的状态。这是一种新的物质状态，也是一种生命的轮回。” 她曾在国外生活多年，那段经历让她更清楚自己来自哪里—— “我以为我已经是一个现代人，一个受过西方教育、思维碎片化的人。但真的去了国外，我才意识到自己是中国人。我对土地的感觉是非常强烈的。我能接受现代性的思维，但我的身体，我的感受，其实都是棉麻的，是宣纸的。” 她笑说：“西方人是打印纸，我们是宣纸。打印纸是规则的、工业的；宣纸是棉麻的、有气孔、有呼吸的。宣纸就像东方人的性格——柔软地对抗世界，但那种柔软重复多次之后，会变得很坚强。” 这种柔韧与坚毅，也体现在她的作品语言中。她的纸雕造型常带有岩洞壁画的古拙与质朴，同时又有现代主义的解构感，像是在时间与文明之间，寻找一种持续的呼吸。她说：“我做的形态其实更像是一种‘身体’——它会有刺，会有防御，也会有光。”在她看来，这种冲突性正是生命的真相——“比如宣纸，你不会想到它是尖的，但它其实可以。就像我们以为柔软一定脆弱，但反复叠加之后，它会变得非常坚硬。” 她常常将纸团视作“个体的隐喻”：“十年前我开始团纸，我发现没有两个纸团是一样的。就像每一个普通人，他们可能在社会阶级上有差别，但当我们闭上眼睛，我们和一棵树、一片草其实是一样的。” 佳玲老师的世界观里，没有高低之分，只有生命的共性。她说：“在大地面前，我们都是一样的。松树可能卖得贵，小草很平凡，但在植物性上，它们是平等的。我的作品，就是去赞颂这种平凡的生命力。” 她的纸雕不仅是物质的转换，更是一种精神的修复——让人重新意识到，柔软不是脆弱，而是一种被时间淬炼后的坚强；艺术不是装饰，而是一种回到生命本身的方式。

赵峥，字非凡，号东四。独立艺术家，诗人、写作者、策展人，仓库CangkuArt主理人。摄影MFA，硕士毕业于美国萨凡纳艺术与设计学院SCAD。现居北京。作品涉及多种媒介，文字、摄影、版画、装置、行为、影像、新媒体等均有涉猎。研究方向为视觉表征对自我身份建构的影响及其能真实表征的可能性，专注传统工艺之于当代艺术的意义。曾多次在国内外各大画廊展出。曾被邀任教于三影堂摄影艺术中心、萨凡纳艺术与设计学院。曾获平遥国际摄影大展“鲲鹏奖”；作品入选EveryArt2022年度深度推广合作计划，并荣获ARTPOWER艺术家称号，长期担任ARTPOWER艺术委员会专家团成员。作品及展览发表于中国文联文艺研修院、中国摄影报、中摄协文化传媒、三联生活周刊、雅昌艺术网、影艺家等媒体。 [图片] 东四，《东四基础副食店-菠菜》，档案艺术微喷，20×25英寸，2022年 “艺术是赋魅的，”她说，“但生活也从未被祛魅。玫瑰和卷心菜的关系，就像艺术和生活的关系一样。副食店可以是展厅，水果蔬菜也可以做艺术品，浪漫永远来自寻常生活的每一个瞬间。” 在东四的作品中，“回到生活”并非退让，而是一种哲学姿态——一种从象征界返回实在界的召唤。她以诗意的方式质疑现实，又以日常的物件修复对现实的信任。 “恭喜大家从象征界回到实在界，回到生活，回到超市，回到副食店，回到蔬菜水果。”东四笑着说，“那一刻，我们终于不再只是‘看’，而是真正地‘在’。” 在代表作《东四基层副食店》中，她以蔬果为媒介，把“副食店”变为艺术现场。她反思消费社会中的符号与拟像——当我们看见一根香蕉，我们看到的是果实，还是被艺术史与流行文化包装后的幻影？东四用幽默而犀利的方式指出：艺术的意义，不在于制造神秘，而在于重新赋魅生活。 她的创作跨越文字、摄影、版画、装置、影像与新媒体，始终围绕一个核心问题： 她相信艺术不应悬浮于象牙塔，而该回到现实，回到超市与街角副食店。玫瑰与卷心菜的距离，正是艺术与生活的距离——看似遥远，其实只差一个注视的角度。对东四而言，浪漫并非稀缺之物，而是隐藏在每一个被忽略的日常瞬间中。

Anton Polinski（导演/ AI故事创作者）用狸猫涂鸦、小狗炸街、鲨鱼吐人等荒诞画面，探索叙事的无限可能。“一开始我做音乐，为了给自己的歌配影像才接触拍摄。没想到，从此迷上了用画面讲故事。”从音乐制作人、DJ到电影导演，再到AI视觉艺术家，Anton的创作从未被定义。用AI延续了童年记忆，二十年如一日为一只狗写邮件。 Anton Polinski 德国德累斯顿 导演 / AI 故事创作者 狸猫街头涂鸦、⼩狗开⻋炸街、鲨⻥⼝中钻出⼈类，“不按常理出牌”，不断尝试新的可能。不限定创作的方向，每一个在他创作下的角色都有自己的特色，或憨厚或鬼马。 他的短片不会有完成的一天，截止日期之后，仍然有意想不到的可能性，永远期待下一个故事的开始。 l 声音之外的世界：十三年的创作旅程 从音乐制作人、DJ，到电影导演，再到如今的AI视觉艺术家，Anton的创作生涯已走过十三年。“一开始我做音乐，为了给自己的歌配影像才接触拍摄。没想到，从此迷上了用画面讲故事。”他笑称自己曾是一人包揽全部的“独行侠”，从插画、平面设计到广告片都能做。而现在，AI给了他新的可能 ——“它像是一支新的画笔，但不是替代我的手，而是延伸了我的想象。” l AI：延伸想象的工具，而非替代 他不否认AI正在重塑行业，也理解某些艺术家的忧虑。“潘多拉的盒子已经打开，但我们不应该恐惧。就像3D技术并没有摧毁电影，我相信AI也不会 —— 它只会创造新的可能。”他建议创作者主动尝试，“把它看作是能力的放大器，而不是替代品。” 尽管AI能生成炫目至极的效果，Anton却始终清醒：真正打动人的，从来不是技术，而是故事的核心内容。“就像大卫·芬奇一个镜头拍90条，我也常为一个画面生成几十个版本。最后选择哪一帧，仍然是‘人’的决定。”他强调，“我们是为‘人’而创作。情感，才是让作品不‘像AI’的关键。” l 自由与实验的空间 与RE’VAN的合作，被他视为一次难得的默契。“他们给了我很大的自由，对我而言，这非常珍贵。”他欣赏品牌“Try Different”的理念，“就像爵士乐，先懂规则，再打破规则。”AI也是如此——越是试图强行控制，效果越差；给它自由空间，反而会带来意想不到的惊喜，这种意外常常激发新的创作灵感。 l 小狗与《My Love & Flow》 在创作中，他从RE’VAN的视觉历史中汲取灵感，构建出女性与狗之间充满流动感的画面。更让他惊喜的是，AI时常带来计划之外的馈赠——“它突然生成一个我从没想过的镜头，却让整个片子走向更有趣的地方。” l 服装即故事 私下里的Anton，与作品中绚烂的色彩相反，偏爱低调、无logo的衣着。“我希望别人注意到的是我的内在，而不是我穿了什么衣服或者是什么品牌。”但在创作中，他却极度重视服装对角色的塑造——“不管是嘻哈风还是Rick Owens的风格，都要贴合故事的主题。” l 温度、陪伴与选择的力量 如果RE’VAN是一个女性，在他心中，她就像是“开放、乐观，永远陪伴你经历高低起伏的人”。而这恰恰也是他希望通过作品传递的温度——不论技术如何变迁，真正留下的，是那些充满人性选择的瞬间。在本期合作的短片主题《My Love & Flow》中，他运用AI影像技术，呈现一位国际名模与童年毛绒玩具之间的内心连接，探索成长与自我认同的主题。“我选择小狗作为‘爱与流动’的象征，其实这带有一些很私人情感。”他温和地解释道，“小时候在俄罗斯我养过一只狗，后来移民德国，没能带它一起走。那份遗憾一直留在心底。”如今，他的T恤上就印着那只狗——像是把回忆穿在了身上，温柔而固执。

“我的画里，住着所有我见过的人。”Gabrielle（画家），一位住在巴黎的法国涂鸦师，她一度只画人体：“去掉衣服，才能更凸显姿态和情绪。”但后来她开始为角色“穿衣服”——只因为有人将她的裸体角色性化。“我给他们穿衣，是为了保护他们。” joann Armenia/亚美尼亚 AI艺术家与视觉叙事者 她创作了许多现实中不存在的混合生物，将不同动物融合在一起，用它们作为意象，表达她对于情侣、家庭关系的看法。用自己的视角重新解读既温柔又坚韧强大的女性。 擅长用气球打造膨胀的名胜古迹，打造一个穿梭于现实世界与理想乌托邦的世界。把接地气、熟悉的日常生活和大自然巧妙嫁接，把经典的童话和未来主义、超现实结合在一起，让作品同时带有古典和新潮的“反差感”。 l 童话 × 赛博朋克：灵感自由混搭 “我的灵感非常广泛，我从小就喜欢混搭。就像把迪士尼动画和赛博朋克放在同一个画面里，那种反差感让我着迷。”她笑着说。尽管她的作品中常常出现亚美尼亚的文化符号，但她坦言自己更深受动画、漫画与全球民间传说的影响。“我读科幻，也爱收集东欧的老童话，我关注T台时尚，也沉迷神秘学——所有这些，最终都成了我创作的养分。” Joann是一位难以被定义的创作者。她的灵感版图上，既有古典童话的温柔底色，又有未来主义的冷冽光芒；她痴迷于将看似冲突的元素糅合在一起——蕾丝与金属、童话与科幻、民俗与超现实——最终凝结成一种属于她的“意外美学”。 l 她把创作当作梦境重建 令人意外的是，这位创造出海豚跃日、蕾丝飞马、彩虹兔与荧光独角兽的艺术家，私下却自称“暗黑系”。“我的衣橱里只有黑与灰，极简得像修道院。但我的作品却绚烂得像糖果星球。”她并不否认这是一种对现实的逃离方式。“创作，就是我的梦境重建。AI帮我打开了那扇门。” Joann的创作之路早已有迹可循。早在AI尚未降临时，她就已在插画、绘画、平面设计甚至广告行业中摸索多年。“艺术是我生活的一部分，工具在变，但核心没变——从前是铅笔，后来是iPad，如今是AI。”她从容地说道，“AI只不过是我艺术工具箱里最新的一支笔。” l 被否定过的梦想，更值得实现 四年前，当前沿的AI技术仍处于“荒原期”，她已开始默默实验。“那时候没有教程，没有现成的模型，每一次出图都像在黑暗中猜谜。”她回忆道。如今，她不仅将AI用于创作，还写了自己的AI管理器，自动化处理琐碎工作。“我把时间留给更重要的事——比如做梦。” 小时候，Joann的父母并不支持她走艺术这条路。他们希望她成为外交官或律师，在他们眼里，艺术从来不是一份“真正的职业”。那段时间，她常常感到孤独和无助，认为自己心中热爱的事情似乎微不足道。然而，这份怀疑和不认同，却意外成了她前进的动力。她下定决心，用行动去证明自己。 随着时间流逝，父母渐渐理解并认可了她的选择。如今，他们相信Joann能够通过艺术实现自己的梦想。而那些曾经的质疑，也让Joann变得更加坚定和努力——它逼着她去探索、去成长，让她更清楚自己想要什么，也更有勇气去争取。 l 与AI的“猜词游戏” 尽管AI极易陷入“模板化审美”，Joann却始终坚持打破算法的偏见。“我不用训练好的模型，而是靠提示词不断试探系统的边界。”她形容这个过程如同“一场与机器的猜词游戏”，而她，既是玩家，也是规则的重写者。 与RE’VAN的合作，被她视为一次难得的“创作共振”。“他们给了我极大的自由，最终的作品也因此完整地代表了我。”她这样评价道。“我喜欢‘Try Different’这个概念——它不仅仅关乎审美，更是一种女性力量的表达：去尝试，哪怕只是一件小事，比如学游泳、换一种穿衣风格……勇敢跨出那一步，你就会不一样。” 最让她着迷的，是AI创作中那些意外而来的“惊喜”。她笑着说自己曾经是个控制狂，“直到运用AI，它教我学会了放手”。如今，她欣然接纳图像中的随机噪点、非常规构图，甚至“错误”的拼贴——“它们往往通向更有趣的出口。”正如她所说：“恐惧未知，是人们抗拒意外的原因。而当你放下控制，艺术才真正开始鲜活。” l 动物角色的生命力 在为三个主题配对动物角色时，她凭借的是纯粹的直觉。“独角兽代表神秘与力量，自然属于‘My Power’；而那只毛茸茸的彩虹兔，柔软得像爱本身——我就把它放在了‘My Love’。爱，就该是纯粹、无偏见的存在。”她作品中常出现的“混合生物”，也成为隐喻人与人之间关系的意象。

“视觉上的‘美’正在变得廉价，真正稀缺的是有态度、敢‘丑’也敢不同的观点。”JUNIE LAU （导演 & AI艺术先锋） 拆掉思维的墙，拒绝被定义——是学物理的艺术生，是拍时尚电影的导演，如今更是用AI构建情感宇宙的“造梦者”。 JUNIE LAU 英国伦敦/中国上海 导演 & AI艺术先锋 Junie是AI领域的中国⼥性创作者，勇于尝鲜探索创作的边界，以最先锋的AI技术，创作不⼀样的鲜活。她擅长用2d的形式创作影片，以独特的东⽅美学视⻆重新定义AI艺术的可能性。 l “美不再稀缺，态度才是力量” 面对“AI导致同质化审美”的质疑，Junie非常清醒。“视觉上的‘美’正在变得廉价，真正稀缺的是那些有态度、有感知、敢于‘丑’也敢于不同的观点。”她认为无论是艺术家还是品牌，核心竞争力始终来自于鲜明的价值观与世界观——“是AI能让视觉美更容易被创造，但美已不再稀缺。真正稀缺的是新奇的观点和独特性，哪怕是“丑”，也要展现独特态度。打动人心的作品，一定与观众产生强烈共鸣。” l AI不是画笔，更像一位懂我的伙伴 Junie是一位穿梭于虚拟与情感之间的AI视觉建筑师。她的作品柔软、流动，又带着超现实的诗意，仿佛梦境被赋形。在许多人还在争论“AI是不是工具”时，她已经把它当作最默契的共创伙伴 ——“它不只是画笔，更像一位懂我的伙伴。” 她的创作风格与她跨学科的成长轨迹密切相关。她笑称自己是个“学物理的艺术生”—— 小时候最擅长数学与物理，大学却转向服装设计，之后成为时尚电影导演，拍摄过大量MV与广告。她坦言，过去常因预算与资源限制无法实现想法，而AI的出现让她真正成为“影像的魔术师”，将脑海中的奇思妙想全都交付于视觉之中。 l 粉红兔的女性隐喻 当她第一次收到RE’VAN的三个主题——My Power、My Independence、My Love and Flow，并看到那一组动物角色时，她几乎毫不犹豫地将粉红色的兔子与“My Love and Flow”相连。“Junie说感觉这就像一种直觉反应。AI影片从一个女孩变成兔子的视角展开，隐喻女性在现实中常常被动承担的角色，以及她们依然积极迎接身份流动的勇气。“我想说的不止是一个奇幻故事，更是许多女性共有的生命体验——那些含蓄的、未被言说的，却极其坚韧的情感流动。” 与AI合作，对她而言更像一场持续演变的对话。“它像一个乘号，放大我十年积累的美学与经验，也释放那些转瞬即逝的灵感。”她坚信，未来的创作者更像是“世界的建筑师”，借助AI构建无数想象与真实交融的叙事宇宙，每一个体验都因观者的选择而独一无二。 “我不仅是一名艺术家，也一直研究AI和虚拟身份。我最近正在创作一个亚洲二女动作IP，以前，东亚女性角色常被塑造成配角或符号化存在，AI让我的创作得以超越现实，表达出那些传统手段难以呈现的故事、情感和女性视角。我的创作大多围绕女性视角展开——探索假设性故事、未言遗憾，以及东亚女性的情绪表达。 l 意外美学，成就作品中最不可预期的瞬间 作为一位女性创作者，她始终将视角聚焦在那些被主流叙事忽略的私人情感上。而AI让她能够塑造完整、立体的角色，让观众真切感受她们的经历与内心变化。 Junie始终将视角聚焦于那些被主流叙事忽略的私人情感。她与谷歌合作的项目讲述与奶奶之间未尽的遗憾，探索“若我没有出生，母亲的人生会如何”。这些深度个人的议题，却引起全球观众的强烈共鸣。“有些观众告诉我，他们每一次看都会落泪——因为他们也想起了自己的家人。” l 从童年遗憾到假设性叙事 她钟情于创作中的“意外美学”。那些AI随机生成的画面，常给她带来新的灵感突破。“就像一场猜词游戏，你描述一个词，而AI回馈你意想不到的答案。与RE’VAN的合作让她感到欣喜。“‘Try Different’不仅仅是一个口号，它是一种态度，提醒我们去拥抱未知、允许意外。我的作品强调情感与人性共鸣。无论是与奶奶的故事，还是假设性故事，AI都让我把私人化、亲密的情感直接呈现给观众。反馈可能两极分化，但当观众能感同身受、被打动，这就是创作的意义所在。我从未放弃对艺术的热爱。电影、戏剧、音乐、绘画、表情包、沉浸式体验，我都喜欢。伦敦生活让我接触多元艺术文化，这影响了我的创作生命力。我希望观众自由、勇敢探索，感受新的艺术形式。”

昕昕——胎记是上天给我的特别礼物，它让我更早的了解自己，有了对抗世界的勇气" “你如果在街上看见我，你会觉得我特别高冷，看起来脸很臭不好惹。这是我小时候养成的习惯，因为这个胎记，我妈怕我受到伤害，从小就教我要目空一切，要抬着下巴走路” 这个独特的印记曾是昕昕心中最深的伤痕，“小时候，别人异样的眼光让我开始对很多事情疑惑，为什么是我，为什么我和别人不一样，别人嘲笑我的话，会让我难受很久。” 为了让自己和别人看起来“一样”，化妆成了她保护自己的方式，“化妆是我的保护伞，直到出国才发现，容貌焦虑是可以放下的。”但真正与自己和解发生在回国后的一个酒吧夜晚，"当朋友暂时离开，我突然陷入恐慌，没人和我聊天，感觉所有人的目光都刺向我。就在快要窒息的那一刻，我鼓起勇气环顾四周——却发现根本没人注意我。" 这个顿悟时刻像一束光，照亮了昕昕的内心。：“那一刻我感觉这里的空气很舒适，温度，音乐、一切都刚刚好，大家都很开心，困住我的其实一直都是自己，直面恐惧，你会发现不过如此” 如今，这个曾经的"缺陷"已被她重新定义："胎记是上天给我的特别礼物，它让我比同龄人更早开始思考生命的意义。让我更早的了解自己，有了对抗世界的勇气"昕昕通过自媒体分享自己的经历，帮助别人走出困境，她称自己是“光之工作者”。 "现在的我，化妆、穿搭不再是为了掩饰不完美，而是为了取悦自己，优雅是我，轻松是我，活泼是我，浪漫也是我。每一种面貌都是我与世界对话的方式。" -关于节目- [RE'VAN敢聊社] 设计师品牌RE'VAN推出的品牌播客，每期邀请不同领域的嘉宾，以多元文化视角解读品牌符号。在这里，真实观点自由碰撞，让思想在交流中自然生长。

马海伦——让世界听见新疆的声音，这比拍Rihanna还让我自豪 在新疆长大的马海伦总是充满活力，她评价自己是个“快乐、激情又自由的人”，甚至会带点鲁莽。 第一次去纽约时，甚至因为没有看清机票而搞错换乘机场，“我跟别人说我坐错飞机了，都没人相信！”生活中的她随意马虎，可一旦拿起相机，她就会变得格外专注，甚至有些固执。 “我很庆幸自己是个固执的人，从没被外界的声音影响。”她回忆道，“刚开始学摄影时，父母虽然不说，但很担心。后来也总有人劝我‘别老拍新疆，别人会把你当成只会拍新疆的小姑娘’，我都没有动摇过，我就是那种不撞南墙不回头的人。” 谈起近期最满意的照片，马海伦有两组难以抉择，一组是新疆的传统杂技“达瓦孜”，另一组是“丝路女性力量”，为拍这组照片，她找到了新疆自己“娱乐圈”的老中青三代女性歌手一起出镜拍摄。“我也拍过非常多艺人，就想拍拍我们新疆本土的，他们都非常优秀，就是缺少舞台”。 她笑着说“主流摄影圈很少能看到自新疆的审美，所以我觉得我是非常幸运的，能让世界听到属于新疆的声音，这比拍Rihanna还让我自豪” 马海伦拍摄一直在追求“活人感”，她认为一张好照片是会让人有似曾相识的感觉。“哪怕你不认识这个人，哪怕你没去过新疆，你都会觉得熟悉，因为照片里流露出的情感是会让你有共鸣。“在她看来，摄影师的风格不在于灯光或色彩这些技巧，而在于他的想法和性格，“那才是真正的风格。” 她平时的穿搭以休闲舒适的“酷帅风格”为主。她笑称自己是“大富翁4里面的小丹尼”，“因为我是个拍照的人，会习惯去观察路人，要是穿得太耀眼，还怎么捕捉真实瞬间？” -关于节目- [RE'VAN敢聊社] 设计师品牌RE'VAN推出的品牌播客，每期邀请不同领域的嘉宾，以多元文化视角解读品牌符号。在这里，真实观点自由碰撞，让思想在交流中自然生长。